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古典乐

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榜单数据更新于2020-01-21 03:11
他山

“雨声潺潺,像住在溪边。宁愿天天下雨,以为你是因下雨不来。”

“雨声潺潺,像住在溪边。宁愿天天下雨,以为你是因下雨不来。”

hareS. Olivia

来自英国作曲家古斯塔夫·霍尔斯特大名鼎鼎的<行星组曲>.

一共七个乐章的庞大作品,因为每个乐章的时长还真都不短...

一个乐章代表一个太阳系行星,除了地球和冥王星以外 其他全齐了~

(弱弱的觉得很符合<来自星星的你>的主题呀~呵呵~~╮(╯▽╰)╭)

每一个乐章都根据对应的行星特性诠释出了截然不同的音乐个性


这次推荐的是第四乐章<Jupiter>即<木星-欢乐使者>,是整部组曲中比较出名的一个乐章.

作品一开始就给人一种仿佛某著名魔幻电影上映的感觉...真的很有大片BGM的调调~

从约前三分之一处开始的第...

来自英国作曲家古斯塔夫·霍尔斯特大名鼎鼎的<行星组曲>.

一共七个乐章的庞大作品,因为每个乐章的时长还真都不短...

一个乐章代表一个太阳系行星,除了地球和冥王星以外 其他全齐了~

(弱弱的觉得很符合<来自星星的你>的主题呀~呵呵~~╮(╯▽╰)╭)

每一个乐章都根据对应的行星特性诠释出了截然不同的音乐个性


这次推荐的是第四乐章<Jupiter>即<木星-欢乐使者>,是整部组曲中比较出名的一个乐章.

作品一开始就给人一种仿佛某著名魔幻电影上映的感觉...真的很有大片BGM的调调~

从约前三分之一处开始的第二部分的主旋律就是整首曲子最出名的地方,即使没有听过作品本身,应该也会在其他什么地方听到过似的

荡气回肠的旋律很有洗脑效果的哦~~


btw, 这首曲子也被个人大爱的日本国民歌姬平原绫香改编并翻唱过,同名歌曲<Jupiter>,她就是以原曲第二部分的主旋律为灵感素材改编的~有兴趣也可以去听一下~^^



助攻鲸的旮旯底

【质问箱&歌单】新入坑古典乐需要学乐理吗?不!需!要!

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这个问题我选择单独回答


回答

先举个例子:一位外星人来到了地球,问我地球有什么好吃的。然后我把他拖出来,不停讲世界各国拥有什么菜系,他们是怎样发展的又怎样融合的,各地的饮食风俗是什么,食材选择和处理上有什么特殊之处……讲了一个月都没讲完,于是外星人一触手糊我脸上:瞎逼逼那么多作甚,你带我一种一种去吃不就完了

事实就是,人不需要先学会做菜,才能去米其林星级餐厅里评价菜好不好吃。古典乐同理,在接触它直接先去找本书学乐理,除了让人感觉特别无聊之外不会带来任何好处。

我对入坑古典乐建议是:管它呢,先听起来再说


首先,从什么曲目听起?

强烈建议从独...

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这个问题我选择单独回答



回答

先举个例子:一位外星人来到了地球,问我地球有什么好吃的。然后我把他拖出来,不停讲世界各国拥有什么菜系,他们是怎样发展的又怎样融合的,各地的饮食风俗是什么,食材选择和处理上有什么特殊之处……讲了一个月都没讲完,于是外星人一触手糊我脸上:瞎逼逼那么多作甚,你带我一种一种去吃不就完了

事实就是,人不需要先学会做菜,才能去米其林星级餐厅里评价菜好不好吃。古典乐同理,在接触它直接先去找本书学乐理,除了让人感觉特别无聊之外不会带来任何好处。

我对入坑古典乐建议是:管它呢,先听起来再说


首先,从什么曲目听起?

强烈建议从独奏曲目与小编制的二重奏、三重奏之类的曲目听起

人的大脑未经训练的情况下都是一根筋的,对于不熟悉的信息没有办法一下子处理太多。这种时候上一整个乐团,恐怕初接触者能捕捉到的也只是某个主题的旋律。那还不如直接先用独奏作品听旋律。

而且鉴于祖国大地音乐厅的数量分部严重不均,且就算家在音乐厅边上也不可能天天去。大多数时间里大家都是塞个耳机听音乐的,独奏曲目能大大降低对耳机品质和音源品质的要求。拿电脑手机自带的音响外放着听问题也不大。以下歌单:


十分好懂的古典曲目(独奏或重奏)


里面是一些亲测安利成功率比较高的曲目,旋律明晰好懂,包含了知名度最高的一批音乐家:巴赫、莫扎特、贝多芬、帕格尼尼、肖邦、李斯特等……乐器种类以接受度和熟悉度都比较大的钢琴、小提琴为主,也是在音乐厅经常能现场听到的曲目。

这个歌单不长,但一般情况下都足够人找到一两首自己很喜欢的。然后就顺着这个音乐家去找他的其他作品听就OK了。也有可能会发现自己对某种乐器音色的偏好,比如更喜欢小提琴的音色之类的,那就可以试着单独去找各种小提琴曲目。


只有先产生兴趣,人才会有进一步了解的欲望。通常被我卖安利的小伙伴会很快觉得独奏曲目“太简单了”,想要一些更复杂更内涵丰富的曲子听。这种时候就可以开始上大编制的协奏曲与交响曲了。但是依然建议从旋律较为“好懂”的曲目入手,以下歌单:


十分好懂的古典曲目(交响、协奏)


不过这个列表里,我没有放入一些大热门的作品,比如马勒、比如拉赫玛尼诺夫。因为像拉赫玛尼诺夫第二钢琴协奏曲(俗称拉二的玩意儿)在粉丝里是已经吹爆了,觉得那是“最美钢琴协奏曲”、“满足人们对钢琴协奏曲的一切幻想”,然而对刚刚入坑的人经常一点也get不到点。包括被誉为交响巅峰的贝多芬第九交响曲也是……这些通常要过一段时间才会:真香。

PS:以上俩歌单有不少作品都是节选,不是完整的一部奏鸣曲/交响曲,如果产生兴趣了可自行搜索完整版本。以及歌单有私心的部分,比如会有相对较多的莫扎特(当然,这个作曲家本身也以旋律明确而洗脑著称,不然怎么承包各学校的上下课铃声)

上手找资源或者曲目有困难的话可以单独来敲我


到了这一步之后,不少人逐渐会产生理解曲式的需求。因为想知道为什么不同作曲家之间的风格可以差别这么大?甚至为什么演奏版本间的差别都很大?这种时候才会【稍微】需要一些乐理知识

之所以说【稍微】,是因为乐理是极其复杂的内容,如果一个不演奏、不作曲,只是作为一个欣赏者的话……有许多东西是一辈子都不需要了解的。

所谓【稍微】的意思是——认识五线谱,仅此而已。至于什么音程、调式、和弦完全可以不用管。因为大多数情况下,普通爱好者对着总谱听一部交响看看自己有没有漏听什么顶天了。知道下加一线是do慢慢数上去不急,反正不是我演奏.jpg

但是!也不要强求……事实证明不跟着歌曲或者某种乐器的学习,单独看理论学习认五线谱的话,有点像在地板上学游泳……

硬要学建议找个会乐器的小伙伴现场教一下,任意乐器都可以

否则你在网上看教程的话,还得从低幼曲目练习识谱,对已经长大了的人是种折磨:



接下去,可能有人会问,搞不懂五线谱就完全无法欣赏曲式了吗?——不!是!的!完全可以欣赏!

前提是不要去看这种经常被印在场刊上,但是对普通爱好者毫无卵用的曲式分析


有用的曲式分析是这种,拿一个视频举例(戳进去观看):

哈佛公开课:乐章结构分析实例莫扎特40th交响乐


相信我,这才是帮助真正去理解乐曲构造的正确打开方式。这个系列非常好,也有熟肉,强烈建议看一下。


PS:歌剧安利列表我没有做,这是更冷门点的一个分类了。如果有人想要晚点我也可以弄一个。

助攻鲸的旮旯底

【质问箱】老妈子究极叨叨逼:古典主义时期歌剧类型详解(意大利歌剧篇)

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①简单介绍下歌剧类型好吗?——不好!简单不了!甚至要分上下篇!

②作曲者一定要会剧本本身的语言吗?


问题一


回答一

不可以啊啊啊啊啊!因为简单不了!写这个回答我掉的头发肯定比你多!事先声明我有给大家划重点了,但文章还是又臭又长我也没办法【目死】。内含大量私货跑题,因而有意思的八卦还是有不少的,不要错过(重点呢……


开始正文:歌剧之所以华美动人,是因为它是各种艺术的综合——文学、喜剧、音乐、绘画、服装甚至建筑都会在一部剧里体现。相对严格的意义上对歌剧的定义是:独白、对话、布景、动作和连续(或接近于连续)的音乐相结合形成的戏剧

这一体裁最早...

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①简单介绍下歌剧类型好吗?——不好!简单不了!甚至要分上下篇!

②作曲者一定要会剧本本身的语言吗?


问题一



回答一

不可以啊啊啊啊啊!因为简单不了!写这个回答我掉的头发肯定比你多!事先声明我有给大家划重点了,但文章还是又臭又长我也没办法【目死】。内含大量私货跑题,因而有意思的八卦还是有不少的,不要错过(重点呢……


开始正文:歌剧之所以华美动人,是因为它是各种艺术的综合——文学、喜剧、音乐、绘画、服装甚至建筑都会在一部剧里体现。相对严格的意义上对歌剧的定义是:独白、对话、布景、动作和连续(或接近于连续)的音乐相结合形成的戏剧

这一体裁最早期的作品仅能确定到16世纪末——1598年诗人奥塔维奥·里努奇尼(Ottavio Rinuccini)和作曲家雅各布·佩里(Jacopo Peri)的作品《达芙妮》。下图是作曲家肖像。

但简单音乐与戏剧的结合却能追溯到很久很久以前。例如作为一种歌剧雏形的礼拜剧(Liturgical drama)起源于10世纪,当时的复活节礼拜仪式就包含了早期的表演形式和角色扮演。但形式很简单,有时只是一些对话配合音乐,用来表现圣经故事的片段。比如天使与三位玛利亚之间的问答《Quem quaeritis?》(你在寻找谁)。这类尚不能称为戏剧的带有浓重宗教色彩的演出会带有相应的动作和化妆,神职人员们亦经常参与摸鱼。这类剧到16世纪趋于成熟,《耶稣的一生》、《创世纪》等故事大量搬上舞台,有时可以连续演出两个星期。(下图:巴洛克早期的一个参考年表)


像幕间剧还有起源于文艺复兴时期的田园剧。它们发展到十七、十八世纪成了非常成熟的歌剧分类,让我们开个快进到古典主义时期详说。

迫于文章长度限制这一期只谈意大利歌剧!法语剧和德语剧晚点再说!


正歌剧(Opera seria)

经过将近一个世纪的发展,意大利歌剧在1680年前后逐渐定型为正歌剧。所谓正歌剧是一种严肃的歌剧,题材崇高,一般无外乎悲剧和历史剧,并有着一套比较严格规范的程序——用宣叙调叙述剧情,用咏叹调来刻画人物的思想感情。通常有6~8个角色,其中三个人是主要角色。戏剧结构也相对固定,全剧一般是三幕(Act);每一幕内分数个场(Scena);每场又会分成两部分,第一部分是情节,第二部分是角色内心活动。且正歌剧的语言严格遵循古典诗歌的韵律。

十八世纪前半段,意大利正歌剧是欧洲社会最流行的艺术形式之一。君王、贵族们需要以歌剧来炫耀自己的实力,作为重要的庆典、访客接待的工具。且在之前巴洛克时期里,戏剧、音乐和音乐家就被抬到了国家文化生活的栋梁地位。剧院成了社交中心,对歌剧的需求进一步扩大。那很好理解,在没有电影电视剧的年代里,这类集语言、画面、音乐、社交一体的娱乐方式不受欢迎才怪。

但正歌剧有个非常令人惊讶的特点,作为一个重要而庞大的歌剧类目,它的剧本几乎被同一个词作者垄断了——彼得罗·梅塔斯塔齐奥。甚至有部分学者认为正歌剧应该直接叫“梅塔斯塔齐奥歌剧”。

上述提到的正歌剧规范正是梅塔斯塔齐奥创造的。他的剧本剧情紧凑,人物性格刻画深刻,且梅塔斯塔齐奥本身是个诗人,他有非常多的诗歌作品。所以在语言韵律上的造诣使得那些咏叹调更为优美。但他的剧本并不晦涩,连那些没有受过教育的人也能引起共鸣。席勒的德国古典戏剧都受到梅塔斯塔齐奥的影响。

所以在18世纪20年代~40年代的正歌剧鼎盛期里,梅塔斯塔齐奥的名字就是演出成功的第一保证。他的绝大多数脚本都被反复谱曲,像《阿塔瑟西》(Artaserse)被写过80次……法里内利有一首著名的咏叹调《跌宕起伏的人生之舟》(Son qual nave ch'agitata)便是出自他哥哥的版本。

然而,梅塔斯塔齐奥成就了正歌剧,也毁了正歌剧。剧本垄断意味着作曲家需要在有限的文本基础上不断写出新歌剧,这样炒冷饭是炒不了太久的。

举个例子,维瓦尔第和培尔戈莱西写的《奥林匹亚德》(L'Olimpiade)之中的同一首曲子《如果寻找》(Se cerca, se dice):

Se cerca, se dice——Vivaldi

Se cerca, se dice——Pergolesi

抱歉只有itunes的链接,但听前两句“Se cerca, se dice; L'amico dov'è的风格就会发现相当雷同。因为诗歌的韵脚把重音和节奏都定死了

因而从18世纪50年代往后,正歌剧开始逐渐衰落,有一个典型的征兆是梅塔斯塔齐奥自己开始越来越欣赏不了年轻音乐家了。比如他曾毫不留情地表示:格鲁克有令人惊异的热情,但他是个疯子……但同时梅诗人也承认:他的神经质和喧闹,对欧洲许多剧院有益。

但正是从格鲁克提出的对正歌剧的改革开始,新一代的作曲家们开始探寻新的音乐秩序。因为正歌剧封闭的咏叹调结构演绎多了之后结构实在是太无趣了,无法适应戏剧动作的连续进展(下图是固定的咏叹调结构)。



接下去八卦时间:说起正歌剧人们很容易联想起亨德尔,因为他的作品保留最全上演最多。然而事实上,亨德尔没有一部歌剧遵照正歌剧的格局,他的魔改很严重。像用协奏曲给咏叹调伴奏这种事情在正统正歌剧中是绝对不允许发生的,正歌剧要求咏叹调必须以人声为绝对主宰。

真正意义上的正歌剧大师,同时也是梅塔斯塔齐奥的绑定CP,是哈塞(Johann Adolph Hasse)。哈塞共作有63部歌剧。其中梅塔斯塔齐奥的脚本占了三分之二,其中有好几部谱写了两三次。来看看这作品列表里某段时期清一色梅塔斯塔齐奥的真爱感:


哈塞的作品在具有高度炫技属性的同时也能保持旋律装饰功能的平衡,给观众很强的情感体验。所以梅塔斯塔齐奥相当爱他。1744年他们终于见面后,梅塔斯塔齐奥在日记中表示:

Er war für mich wie eine Arie ohne Instrumente; nun jedoch sehe ich ihn als Vater, Ehemann und Freund.

——他是一首没有配乐的咏叹调,现在我把他看作是父亲、丈夫与朋友

而18世纪60年代那会,每当梅塔斯塔齐奥写了新的剧本,有个【规则】是必须让哈塞第一个谱曲,然后才轮到其他人。

十八世纪的英国音乐史学家Charles Burney也评论说:

This poet and musician are the two halves of what, like Plato’s Androgyne. […]are alike the inseparable companions of both

——这个诗人和这个音乐家是组成一个整体的两半,就像柏拉图的“双性同体”一样,是不可分割的伴侣。(Androgyne这个概念出自柏拉图的《会饮篇》,差不多意思是人本来都是双性的四条腿两个头,被神给砍成两半了所以人类才会在人生中费尽心机找另一半)


哈塞的作品墙内资源真是少,我才发现我竟然没有上传过他的《岔道口的赫拉克勒斯》,补上!


莫扎特写过两部正歌剧,1770年的《Mitridate, re di Ponto》(本都王米特拉达梯)和1791年的《La clemenza di Tito》(狄托的仁慈),后者也是梅塔斯塔齐奥的剧本。但莫扎特写这部剧的时候改动很大,当时的宫廷词作者Caterino Mazzolà把原始的三幕剧本改成两幕,并重写了大量对话。

至于萨列里,尽管他从1766年开始就是梅塔斯塔齐奥喜爱的小伙伴,但他只写过一部梅塔斯塔齐奥脚本的歌剧《赛密拉米德》(Semiramide)。这部写给慕尼黑嘉年华的剧改动相对少一点,开头加了合唱和一首新咏叹调,保留了全部对话和初始22首咏叹调中的18首。他写咏叹调时也不采用始返结构。

以及平时萨列里很喜欢在其他作品里引用一点梅诗人的句子neta一下,尤其是跟词作者加梅拉合作的时候他们经常这么玩。


那不勒斯正歌剧(Dramma per musica,或直译“音乐戏剧”)

这个类型根据译名顾名思义,差不多就是正歌剧的变种。题材同样相对严肃,但构成和咏叹调的曲式上没有正歌剧那么刻板。

像莫扎特的《依多美尼欧》;萨列里的《阿米达》、《欧罗巴的现身》以及格鲁克的《帕里斯与海伦》等都是这个类别的歌剧。


③喜歌剧(Opera buffa)

首先,喜歌剧有非常多的马甲——你看到什么 Commedia in musica、Commedia per musica、Commedia、Divertimento giocoso、Dramma bernesco、opera comica,不要慌,它们全都是喜歌剧!

喜歌剧由正歌剧中穿插的幕间喜剧性表演发展而来,形成于1730年间,1760年往后重要性和受欢迎程度不断攀升。喜歌剧的主人公往往是市民阶层,与正歌剧的帝王将相、神话人物截然不同。

喜歌剧注重生活情趣和喜剧特性,经常采用正歌剧中缺乏的宣叙调,尤其是无伴奏的干念宣叙调。说白了就是为了滑稽搞笑的,但诙谐的同时并不荒唐。

被大家视为喜歌剧典范的就是莫扎特《费加罗的婚礼》了,全程笑点几乎不断,哪怕贵圈真乱的剧情让人看好几遍都叙述不清事态发生的顺序,然而费加罗名台词:“我的脸在说谎跟我有什么关系!”和玛赛利娜“喜当妈”的反转一定会让所有观众记忆深刻。

私货开始:萨列里《特洛夫尼奥的洞穴》是他为数不多的喜歌剧之一,讲的是某人的俩闺女要结婚了,女孩们已经选择了能反映她们性格的伴侣: 无忧无虑的多丽将和快乐的普利斯滕在一起,而非常严肃的知识分子奥菲利亚将和“哲学家”阿特米多鲁斯结婚。结果婚前两个男人闯进一个有魔法的洞穴,互换了性格。回去之后大家大为震惊,感觉只能交换伴侣play了。两个男人赶紧回到洞穴把性格换回来,却发现他们的未婚妻姐妹也误闯洞穴交换了性格……反正最后还是换回来结婚了。

最搞笑的是Christophe Rousset演出的那版洞穴里,当严肃的奥菲利亚换成了开朗的性格,她一边唱一首调皮的咏叹调《La Ra La, Che Filosofo Buffon》(多么可笑的哲学家),一边在未婚夫面前脱到只剩胖次。


值得一提的是,喜歌剧成功开拓了男低音的潜力(费加罗这一角色就是男低音)。之前从大家偏好阉伶歌手的状况来看就明白男低音一直存在感较低,至少有被忽略的倾向。


诙谐戏剧(Dramma giocoso)

Dramma giocoso的字面意思是drama with jokes,带笑话的戏剧。有时写作全称Dramma giocoso per musica. 这类剧也是幽默欢快的,角色选择上经常会把传统正歌剧角色(帝王将相神话角色等大人物)和市井小人物穿插在一起。

事实上诙谐戏剧和喜歌剧的区分不明显,通常处于“作者写什么分类就是什么吧”的状态。有意思的是一般词作者喜欢在剧本上写“诙谐戏剧”,而作曲家们喜欢直接把自己的作品称为“喜歌剧”。

莫扎特的《唐璜》和《女人心》都被标注诙谐戏剧,但人们往往把这俩和费加罗一起统称莫扎特的喜剧三部曲,不认为他们在体裁上有多大差别(事实上也没有)。

私货开始:加斯曼也是一个非常典型的诙谐戏剧作曲家,他一大半的作品都是诙谐戏剧。剩下的一小半里一半是喜歌剧一半是正歌剧。好笑的是加斯曼写过一部喜歌剧名字叫《正歌剧》,内容是剧院里一群人要演一部正歌剧但是搞成一团乱麻的故事,角色的名字都很蠢,比如三个女高音分别叫Stonatrilla(跑调),Smorfiosa(傻笑)和Porporina(紫脸),从中可以看到搞笑元素的应用。

海顿写的歌剧不算多,但诙谐戏剧是他写得较多的类目。包括我很喜欢的脑洞剧《月亮世界》(Il mondo della luna)。讲一个可怜的有钱老父亲被女儿的男友:一个假冒的天文学家骗着喝下安眠药,然后被放到布置成“月球样貌”的花园里,他误以为真的到了月球高兴坏了。又一顿坑蒙拐骗让他把俩女儿都嫁了出去……不过这部剧经常也被归为喜歌剧,你们开心就好。


以及我要婊一婊诙谐戏剧这个歌剧类目国内很多地方都是错的,会翻译成“悲剧喜歌剧”说这一类指具有悲剧特征的喜歌剧。出处可能是那本《牛津简明音乐词典》,它真的太老了所以错误很多,把萨列里的《塔拉里》翻译成《调整》的搞笑译名也是这本词典里出来的。


半正歌剧(Opera semiseria)

也被写作Dramma semiserio或者Dramma tragicomico. 是一种令人困惑的歌剧,从semi这个前缀就可以猜到:半正歌剧介于正歌剧和喜歌剧等滑稽歌剧之间,兼具滑稽歌剧的结构和正歌剧的某些戏剧特点和声乐特点,其中大部分是正歌剧歌唱演员,但同时又配有少数滑稽歌剧的声乐演员。剧情往往是伤感的,甚至还有些是悲剧性的,但又多有美满结局。

这个类目比较少见,我能立即反应出来也就萨列里的《阿克索尔,奥马斯国王》(Axur, re d'Ormus)和罗西尼的《贼鹊》(La gazza ladra)。


⑥独幕戏剧(Azione teatrale)

这种剧,大陆没有常用译名。台译直译的“剧场动作”过于费解。这个领域里的Azione实际上意为:(舞台上的完整)表演。

Azione teatrale这个词是梅塔斯塔齐奥创造出来的术语,用来表示“一种小夜曲”(Serenata),与该类型的许多作品不同,它包含一个明确的情节,并设想了一些简单的舞台表演形式。它是一种单幕短剧,通常在达官显贵的私人宫殿或私人剧院上演,演员很少,通常没有合唱团,大多数时候单独演出。

梅塔斯塔齐奥从1721~1765年一共写了12部。但这个类目最有名最受欢迎的案例反而是格鲁克和卡尔扎比吉的《奥路菲与尤莉迪丝》(Orfeo ed Euridice)。

历史上最后一部该类型的剧是1772莫扎特的《西庇欧之梦》,也是梅塔斯塔齐奥的剧本。


庆典戏剧(Festa teatrale)

同样是梅塔斯塔齐奥创造的词汇,这种剧用来庆祝一些重要的公共活动,如皇室的生日或婚礼。通常比独幕戏剧要更大型。

梅塔斯塔齐奥在1729~1767年间写了9部标注为这个类目的剧。在他之后没有人再使用这一类目。


宗教演出(azione sacra)

所谓宗教演出,它!其!实!就!是!清唱剧(oratorio)!猜猜是谁非要给它改个名字呢?哦我想大家应该都会抢答了——梅塔斯塔齐奥。

为什么梅诗人一共就写了8部这类目的作品,却能单独重新起个名字?因为大家都要使用他的剧本真是为所欲为,下图红圈是被谱曲的数量。


同样如图,梅诗人最著名的清唱剧《耶稣基督的受难》(La passione di Gesù Cristo)被不同作曲家谱曲过大约70次。他自己最喜欢的版本是萨列里1776年年底写的,1777年演出时梅塔斯塔齐奥跟约二夸奖道:This music is the most expressive ever written on a religious theme——这是有史以来在宗教主题上写得最有表现力的音乐。


⑨幕间剧(Intermezzo)

上述提到过最早被认为是歌剧的作品诞生于1598年,其实在当地更早一点的时候,佛罗伦萨的艺术家们就创作了一些接近于歌剧的作品,例如1589年在美第奇家费迪南一世和洛林的克里斯蒂娜在佛罗伦萨婚礼上的五部幕间剧。(下图:描述婚礼那五部幕间剧的画作,别问我为啥少了一部)


幕间剧是插入在正歌剧每一幕之间的表演或场景,本身可以是充实而完整的作品。通常它们提供了喜剧性的释放和戏剧性的对比。

有时间幕间剧的传播速度比正歌剧本身还要快,歌唱家常常声名远扬,喜剧效果也很受欢迎。幕间剧的一大优点是相对容易制作和上演。

十八世纪比较典型的,现今也经常被演绎的幕间剧是培尔戈莱西(Giovanni Battista Pergolesi)的《女仆变夫人》(La serva padrona)。

事实上尽管幕间剧历史悠久,许多最著名的幕间剧都来自真实主义时期。比如普契尼的《曼侬·莱斯科》( Manon Lescaut


⑩笑剧(Farsa)

也叫“闹剧”或者“笑剧剧目”,台译“滑稽歌剧”,总之哪种翻译我都觉得很搞笑。这类剧通常只有一幕,流行于18世纪末19世纪初的意大利,制作和传播的中心是威尼斯。 剧场典型的安排是两部笑剧和两首芭蕾舞曲(其中一首有时会被一首器乐作品所取代)。 

笑剧的结构跟双幕诙谐戏剧类似,减少了宣叙调的数量和长度,减少结构封闭式的歌曲。在上半部分演出结束后会出现的声乐器乐合奏曲(Concertato)功能上类似于诙谐戏剧第一幕的终曲。

罗西尼写了五部典型的笑剧,《婚姻契约》(La cambiale di matrimonio)、《幸运的骗局》(L'inganno felice)、《软梯》(La scala di seta)、《布鲁斯基诺先生》(Il signor Bruschino)和《阿迪娜》(Adina)


田园剧(pastorale)

也叫牧歌剧,字面意思就是乡村题材的戏剧表演。最早出现在各种吟游诗人和民谣歌手那儿。

像13世纪的《罗宾与马里昂》(Jeu de Robin et Marion)就已经是完整的田园剧作品了,作者被认为是亚当 · 德 · 拉 · 哈雷(Adam de la Halle)。不过那时候的田园剧远不足以被称为歌剧。

十七世纪中叶,由于正歌剧的兴起田园剧开始衰落,不过直到十八世纪,传统的田园歌剧在贵族赞助人面前仍然是一种优雅的娱乐工具。比如富克斯(Johann Joseph Fux)的《奥路菲与尤莉迪丝》。

海顿1780年的《善有善报》(La fedeltà premiata)被认为是田园剧。

萨列里1771年写的《天真之爱》(L'amore innocente)也是非常典型的田园剧,主角是阿尔卑斯山的俩姑娘……


集成曲(Pasticcio)

这种歌剧很有意思,是把不同作曲家的作品段落拼在一起,变成一部新歌剧。玩票性质比较重,各种歌手、作曲家有时候甚至连剧院经理都会加入。

维瓦尔第、亨德尔、哈塞、格鲁克、海顿、萨列里、莫扎特等人都玩过。

至于风格不同怎么拼起来,举个例子:大家都写了那么多风格相近的梅塔斯塔齐奥剧了,为什么拼不起来!!!(How old are you Metastasio?


问题二



回答二

其实从前一个问题里也能略知一二了,作曲者通晓语言是很重要的,不然如何明白诗句的重音和韵律在哪里……

以及,萨列里德语稀烂其实是玩梗的,虽然是他自己带头玩。他只是急了会把各种语言混在一起说,跟格鲁克学坏了。他所谓德语稀烂是“没有那么精通”的意思。远不到无法理解台本的程度,只是可能会被母语者感觉重点有些怪。

隔壁舒伯特的“意大利语稀烂”才是字面意思的稀烂,所以即便萨列里一直想培养他写意语歌剧,他一直都没什么兴趣。

至于风评,观众觉得一部剧不好是会具体分析的,比如剧情太无聊,比如配乐风格莫名其妙,比如歌手没唱好,比如空耳笑爆……

但演出失败谁遇到了都会不高兴的,不管是不是自己的锅。

助攻鲸的旮旯底

【质问箱】怎样分辨交响乐团乐器音色?多听听莫扎特就好了【大误

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好,又到了好久不吹莫扎特浑身蓝瘦!非要强行吹扎的时光了!


问题一


回答一

我收到这个问题的时候,先去隔壁问了问正儿八经音乐学院出生长期呆在乐团的小伙伴怎么解决。结果专业人士非常无情地给了我两个字多听

Emmmmmm,既然这样我还是从业余爱好者的角度谈谈我的歪门邪道吧,说不定对同样是业余爱好者的人更有参考意义。

首先,有这样一部作品,布里顿的《青少年管弦乐队指南》,写作初衷就是为了介绍乐队的各种乐器的标题外链个B站视频可以点进去看一下。这个视频我觉得仅仅能作为初步介绍还是不错的,可以看一遍有个大概了解,至少可以知道每种乐器的名字。

但是!一旦...

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好,又到了好久不吹莫扎特浑身蓝瘦!非要强行吹扎的时光了!


问题一



回答一

我收到这个问题的时候,先去隔壁问了问正儿八经音乐学院出生长期呆在乐团的小伙伴怎么解决。结果专业人士非常无情地给了我两个字多听

Emmmmmm,既然这样我还是从业余爱好者的角度谈谈我的歪门邪道吧,说不定对同样是业余爱好者的人更有参考意义。

首先,有这样一部作品,布里顿的《青少年管弦乐队指南》,写作初衷就是为了介绍乐队的各种乐器的标题外链个B站视频可以点进去看一下。这个视频我觉得仅仅能作为初步介绍还是不错的,可以看一遍有个大概了解,至少可以知道每种乐器的名字。

但是!一旦离开了画面仅仅作为BGM来听的话,不熟悉交响乐团的人还是会觉得:我是谁,我在哪,这是啥,那又是啥。且重复盯着一个视频反复看反复听相信我你会吐的。

同理,特意去听各种乐器的独奏效果也比较慢,但是合起来又混了。

所以在我看来,从管弦乐队中分辨某种乐器的音色,最好的方法是去听这一项乐器的协奏曲(就是Concerto:指一件或数件独奏乐器和乐队协同演奏,既有对比又相互交融的作品)。

好!我最喜欢的曲目推荐环节到了——有一个人,几乎给所有主流乐器写过协奏曲。你们知道我要说谁的!

于是我挑选了其中的一部分,做了一个歌单:莫扎特乐器音色教学列表(大误)。

死线战士写的作品曲式相对固定套路深,比如他的协奏曲作为主角的乐器在第一乐章里,基本都会在开头1分钟左右进入,哪怕不熟悉的情况下听的时候也只需要扫一眼歌曲名,看一下是哪种乐器的协奏曲然后默默听着就OK,听个一个星期应该就够了。

因为不知道提问者对乐团了解多少,我还是从头唠叨一下吧。一个交响乐团,或者说管弦乐团,主要由四个乐器群组构成:弦乐器、木管乐器、铜管乐器和打击乐器。(下面的分布图仅供参考,有时根据乐队编制大小和舞台情况,也会发生管乐被挤到单独一边之类的事情……以及协奏曲的话,什么乐器的协奏曲,那一种作为主角的乐器就会在指挥边上。)

弦乐器的区别是比较好懂的,从小提琴、中提琴、大提琴到低音提琴,音域越来越低、音色愈发低沉。我觉得唯一会困惑的部分是总被人黑总被人无视、处于乐队生物链底端的中提琴

于是那个歌单里有一组小提琴+中提琴的交响协奏曲K364(Sinfonia Concertante For Violin Viola And Orchestra) 可以明确听到小提琴与中提琴的音色差别。当然我也塞了一组小提琴与中提琴的二重奏作为参考。

至于弦乐器里的钢琴(没错钢琴是弦乐器)、羽管键琴与竖琴。首先不知道钢琴音色的可以退群了,羽管键琴一般演出歌剧的时候用的比较多,其余时候较为少见,它的音色比较特殊基本不会分辨不出。而且如果是FGO玩家的话,萨列里的攻击音效就是羽管键琴大家听得还不够多吗?没注意过的话请带他刷100局QP本仔细听一下。

竖琴的话容我安利一下莫扎特的K.299,长笛与竖琴协奏曲(Concerto For Flute, Harp, And Orchestra ),那真的是我每天都要听几遍的宝藏。相信我!从1分30秒左右竖琴进入后你会深深爱上它的音色与这部作品的旋律的!


好接下去说管乐器,从我很久以前刚刚开始听交响乐的时候,我就觉得比起弦乐部分,管乐的音色让我非常迷惑。

首先主流的木管乐器:长笛、单簧管(也叫黑管)、双簧管、巴松管(也叫大管)。短笛也较为常用但没那么普遍尤其乐队编制不大的时候。

总体而言这几样乐器的音域也是从高到底。音色上,双簧管是最最“扁而硬、很干脆”的声音,被形容像鸭子。单簧管的银色要“模糊”很多,长笛更糊更朦胧、圆润一点。【至于到底什么是糊大概就是这个意思吧:


木管乐器会有很多变式,什么双簧管一家门的:英国管、柔音双簧管、低音双簧管,这个先别管了我也不行,我对此供认不讳!

但是如果也是莫扎特粉的话,可以留意一下单簧管一家门的巴塞管,他的《后宫诱逃》、《魔笛》、《安魂曲》、《狄托的仁慈》和许一些共济会曲目都用了巴塞管,这种乐器的音色可以用来制造异域风情。他也写了不少巴塞管的嬉游曲,那个列表里的Divertimento No. 3 for 3 Basset Horns就是。

再吹一句,在遇到莫扎特的巴松管协奏曲(Bassoon Concerto in B-Flat)之前我对这一项乐器几乎没什么兴趣,神才让我真香了……列表里还附赠了巴松管+大提琴的二重奏,来感受一下低音组乐器原来也能这么妙。


接下去主流的铜管乐器:小号、长号、圆号(也叫法国号)、大号。同样音域是逐渐变低的。(他们也有很多变种,什么粗管上低音号Euphonium、次中音号Wagner tuba之类的,饶了我吧……)

可惜的是,神才虽然写过小号协奏曲,但它丢失了。所以列表里只有他的圆号协奏曲。那部长号协奏曲是他爹利奥波德·莫扎特写的。有小伙伴跟我表示圆号与长号的音色搞不清,我觉得CD里确实差别小,但是在现场的话其实不容易搞起来,因为长号的声音穿透力要远远高于圆号


至于分辨打击乐器我没有什么好的建议,打击乐的种类实在太多太多了……连鞭子有时候都会作为打击乐使用。我觉得大家熟悉以下主流的几位老兄(爵士鼓、定音鼓、木琴、钹、三角铁)就差不多了:



敲黑板:单词背一下,否则白瞎!连搜曲子都会有障碍的!(我是不是有点太老妈子了??!!

小提琴:Violin  中提琴:Viola  大提琴:Cello 

低音提琴:Double Bass  竖琴:Harp

羽管键琴:Harpsichord

长笛:Flute 单簧管:Clarinet 双簧管:Oboe 

巴松管:Basson 巴塞管:Basset Horn

小号:Trumpet 长号:Trombone 圆号:Horn

大号:Tuba

定音鼓:Timpani 或者 Kettledrum

交响曲:Symphony、Sinfonia  协奏曲:Concerto 

奏鸣曲:Sonata 五重奏:Quintet

四重奏:Quartet  三重奏:Trio 二重奏:Duo 

嬉游曲:Divertimento 赋格曲:Fugue

变奏曲:Variation 幻想曲:Fantasia

小夜曲: Serenade 回旋曲:Rondo

进行曲:March 卡农:Canon

咏叹调:Aria 宣叙调:Recitative 

二重唱:Duet 合唱:Chorus

序曲:Overture 终曲:Finale

大调:Major 小调:Minor

管弦乐团:Orchestra


总之,祝大家都能顺利欣赏古典乐!!!!古典乐有辣————么好(比划)


问题二



回答二

那个……说来你可能不信……我最常获得资料的网页……是:


没有骗你……网上资料很琐碎的,扎特还好一点,其他人唯有买实体书。


问题三



回答三

你觉得呢……【两行清泪……

我不更新不一定是在打游戏,也不一定在上班、把妹、或者出去玩了。也有可能是猫咪睡在被子上导致我起不来


开玩笑,总之填坑的时候整理资料的时间远远要大于真正写作的时间。耗在一些冷门歌剧的剧情、台词翻译上的时间都要比动手写点啥剧情长多了……

但这也是乐趣所在,写历史向【真实感】是最吸引我的点,因为那些人都是曾经存在于地球上的,他们的痕迹都可以一点点被找到,串联起来的过程还会发现许多非常奇妙的联系,并一万次令人感慨:历史本身作为编剧比我狠多了。许多巧合我根本不敢那样编排,但却是几百年前真实发生的


hareS. Olivia

<Tzigane> - Joseph-Maurice Ravel


法国作曲家拉威尔的一首比较出名的小提琴炫技作品<茨冈>

虽然都是在浪漫主义音乐后期的印象派代表性作曲家,德彪西的音乐更多的让我联想到了莫奈的画作.而与德彪西的朦胧色彩不同的是,拉威尔的作品更加具有明快的节奏感和丰富的表现力,他的作品风格属于比较特立独行的那一种,张力十足,辨识度极高.用一种不恰当的词来形容好了,有时甚至感觉它带着一丝"鬼魅".


乐曲长达十分钟...前期几乎都是小提琴本身的SOLO..到了中段才开始缓缓出现交响乐团的影子.


<Tzigane> - Joseph-Maurice Ravel


法国作曲家拉威尔的一首比较出名的小提琴炫技作品<茨冈>

虽然都是在浪漫主义音乐后期的印象派代表性作曲家,德彪西的音乐更多的让我联想到了莫奈的画作.而与德彪西的朦胧色彩不同的是,拉威尔的作品更加具有明快的节奏感和丰富的表现力,他的作品风格属于比较特立独行的那一种,张力十足,辨识度极高.用一种不恰当的词来形容好了,有时甚至感觉它带着一丝"鬼魅".


乐曲长达十分钟...前期几乎都是小提琴本身的SOLO..到了中段才开始缓缓出现交响乐团的影子.


泄殖腔文学爱好者

觉得领证的音乐跟电影相比毫不逊色……电影里的bgm多数都是带有现代色彩的,而这段这段end title是纯古典乐(在这里说明,这个"纯古典乐"是为了跟TF系列电影中的BGM风格做区分的,"管弦乐团演奏的电影音乐"这种说法,没法充分体现出我想表达的那种与众不同),非常的气势磅礴宏伟壮观,提琴的伴奏非常有力坚定,而又有一种史诗的绵延悠长味道,让人想到温柔强大的擎天柱……能欣赏古典乐的小盆友可以来听一下=@~@=

觉得领证的音乐跟电影相比毫不逊色……电影里的bgm多数都是带有现代色彩的,而这段这段end title是纯古典乐(在这里说明,这个"纯古典乐"是为了跟TF系列电影中的BGM风格做区分的,"管弦乐团演奏的电影音乐"这种说法,没法充分体现出我想表达的那种与众不同),非常的气势磅礴宏伟壮观,提琴的伴奏非常有力坚定,而又有一种史诗的绵延悠长味道,让人想到温柔强大的擎天柱……能欣赏古典乐的小盆友可以来听一下=@~@=

Grokin
感谢主编批准了小图透0w0……...

感谢主编批准了小图透0w0……

这次是《约绘》3月新刊的短篇故事<夜歌>的部分线稿。

故事灵感来自个人喜欢的舒伯特的<魔王>,换了没用过的分镜类型和上色风格;脚本方面也试了个叙事诗的体裁……希望能和原作有更多的照应(点手指..

这里先推两个自己相当鸡血的版本☆w☆<点击入——>

神乎其技女王版 Jessye Norman Erlkönig

卷毛天才钢琴版 Franz Liszt Erlkonig 

&下面这个和故事关系最大发的版本(。)

★Ian Bostridge Der Erlkoenig★ ...

感谢主编批准了小图透0w0……

这次是《约绘》3月新刊的短篇故事<夜歌>的部分线稿。

故事灵感来自个人喜欢的舒伯特的<魔王>,换了没用过的分镜类型和上色风格;脚本方面也试了个叙事诗的体裁……希望能和原作有更多的照应(点手指..

这里先推两个自己相当鸡血的版本☆w☆<点击入——>

神乎其技女王版 Jessye Norman Erlkönig

卷毛天才钢琴版 Franz Liszt Erlkonig 

&下面这个和故事关系最大发的版本(。)

★Ian Bostridge Der Erlkoenig★ 

命名为……阴郁高智商英伦叔吟游版♂

(啊……感觉好久没推荐东西了_(:з」∠)_)

hareS. Olivia

Robert Schumann - <8 Fantasiestücke, Op.12 - 2. "Aufschwung">

舒曼 - 《8首幻想曲集作品12 第2首: "冲动"》


舒曼是我在肖邦之后最爱的古典音乐家之一。我个人偏爱浪漫主义时期的作品,所以喜爱的音乐家也几乎都是那个时期为标志的音乐家。我很爱舒曼,但事实上我并没有去了解很多他的作品。

浪漫主义时期可能是炫技作品最遍地开花的一个时期,而舒曼也算是炫技作品的关键人物之一。(反正舒曼李斯特肖邦仨人都是好友了啦~~...


Robert Schumann - <8 Fantasiestücke, Op.12 - 2. "Aufschwung">

舒曼 - 《8首幻想曲集作品12 第2首: "冲动"》


舒曼是我在肖邦之后最爱的古典音乐家之一。我个人偏爱浪漫主义时期的作品,所以喜爱的音乐家也几乎都是那个时期为标志的音乐家。我很爱舒曼,但事实上我并没有去了解很多他的作品。

浪漫主义时期可能是炫技作品最遍地开花的一个时期,而舒曼也算是炫技作品的关键人物之一。(反正舒曼李斯特肖邦仨人都是好友了啦~~谁跟谁呀~~╮(╯▽╰)╭)


他的作品中时而热情似火时而恬静温婉,但都无比的细腻和精妙。无论在旋律的强弱变化和节奏等处理运用上还是在技术层面上,舒曼在许多作品中最经常也最擅长干的事情就是让演奏者必须一只手要做出普通状态下两三只手才做出的和声效果,即几乎用一只手来营造多声部的感觉同时各个“声部”又具有各自不同的旋律、强弱、节奏等相当微妙的处理方式。此外,不像贝多芬风格中的极端和纠结,舒曼似乎能把一切都把控得恰到好处(¬_¬|||虽然他后来得了精神病并最终悲惨逝世于精神病院。。。。。。哦不过果然精神分裂才能干出这种事儿来啊!!=口=|||所以!精神病在一定程度上也是天才这一说法果然还是狠有道理的!)。

或许,舒曼就是最能够诠释出炫技作品中最细腻的那一面的音乐家。


许多牛逼的音乐家同时也是牛逼的钢琴家和其他乐器的行家。被誉为“钢琴之王”的钢琴大师李斯特在年纪尚小之时就已创作出了《超技练习曲》系列 并表示亲自弹着它到处巡回演出毫无压力,以卓越的钢琴技艺出名并擅长即兴演奏的“钢琴诗人”肖邦也写出了家喻户晓的《幻想即兴曲》和《练习曲》全套等等钢琴炫技经典。

然而与李斯特和肖邦不同的是,舒曼事实上并没有那么牛逼的钢琴技艺,甚至有传有些自己所作的高难度作品连他自己都无法弹下来。舒曼能创作出如此众多的牛逼作品,其拥有超高琴技的钢琴家老婆克拉拉功不可没。就是这样一个神一样的女人同时也是一个使另一个音乐大师勃拉姆斯终身不娶的女人。可无论如何,舒曼毕竟算是勃拉姆斯的老师,而且舒曼和克拉拉就是天作之合一般的存在,这个位置是无法撼动的。



btw,《冲动》弹的人果真很多啊。。。我个人觉得这个版本算是LOFTER里能搜到的版本中比较不错的(好吧只是我个人喜好了啦~)。我反而倒是没有很喜欢Arthur Rubinstein的版本(这算是挑战权威咩~? ╮(╯▽╰)╭)

本来很纠结于在《冲动》跟《大卫同盟舞曲》(的其中某一section)之间选哪个推上来。。。结果还是选这个吧~比较吸引耳朵一点。感觉《大》可能偏学院范儿了一点。。╮(╯▽╰)╭


(¬_¬|||嘛。。这回难得我介么认真写音乐文。。。╮(╯▽╰)╭)



OLI.




助攻鲸的旮旯底

【质问箱】古典乐团的指挥到底有什么用?指挥对一部作品的影响有多大?

质问箱←欢迎更多提问


问题一


回答一

许多人喜欢说指挥是乐团的灵魂,这固然没错,但对解释问题而言过于笼统宽泛。而且指挥发挥作用的时间绝大多数都在幕后排练中,当他真的登台与观众见面时,他该起的作用几乎已经起完了,以至于会给人他就是个人形节拍器,临时走开也影响不大的错觉,反正大家还可以跟着首席小提琴嘛~

做个类比的话会比较好理解:指挥相当于一部电影的导演。拿到了剧本后,上面有人物,有台词,有场景……但具体怎样去演绎,用多长的镜头,演员从什么位置走进来,以什么样的表情什么样的口吻说出台词,都是导演要去控制的。

乐团也差不多,指挥最终要对一部作品以什么样的形态呈现负责——现在指挥...

质问箱←欢迎更多提问


问题一



回答一

许多人喜欢说指挥是乐团的灵魂,这固然没错,但对解释问题而言过于笼统宽泛。而且指挥发挥作用的时间绝大多数都在幕后排练中,当他真的登台与观众见面时,他该起的作用几乎已经起完了,以至于会给人他就是个人形节拍器,临时走开也影响不大的错觉,反正大家还可以跟着首席小提琴嘛~

做个类比的话会比较好理解:指挥相当于一部电影的导演。拿到了剧本后,上面有人物,有台词,有场景……但具体怎样去演绎,用多长的镜头,演员从什么位置走进来,以什么样的表情什么样的口吻说出台词,都是导演要去控制的。

乐团也差不多,指挥最终要对一部作品以什么样的形态呈现负责——现在指挥拿到了总谱,上面有每种乐器需要演奏的内容。作曲家为了表现自己想要的效果会在谱面上对许多细节有标记,但标记只是标记而已,比如说渐强——到底渐强到什么样的程度?好几种乐器合奏大家都要渐强的情况下,哪一种乐器的音色可以更突出一点?这就是指挥要决定的了,因为谱面上并不会给你一个需要增加的音量百分比作为参考。

接下去我会举个例子,让大家直观感受一下指挥各自的理解会对同一段旋律造成怎样的差别。我选取用来对比的两位指挥是卡拉扬(Herbert von Karajan)与小克莱伯(Carlos Kleiber),前者应该是知名度最高的指挥家,如帝王般的支配者,许多从来不碰古典乐的人都知道这个名字。后者是我最喜欢的指挥家没有之一,2011年BBC Music Magazine票选the greatest conductor of all time排名第一。小克莱伯和卡拉扬性格截然不同但关系很好,来看他俩都指挥过的贝多芬第五交响曲第二乐章:

Beethoven Symphony No. 5 in C Minor, Op. 67: II. Andante con moto——卡拉扬【重点注意听1分17秒~1分33秒那段】

Beethoven Symphony No. 5 in C Minor, Op. 67: II. Andante con moto——小克莱伯【重点注意听1分19秒~1分36秒那段】


那段划重点的旋律主要是谱子里的这段。前四行管乐和定音鼓,后四行弦乐。同样大家都有sempre ff(始终保持很强)的记号。

卡拉扬的版本里,管乐占据着主导地位,弦乐的部分只在背后衬托,不怎么听交响不习惯去抓细节的人,甚至会非常可惜地无视掉弦乐组的戏份。小克莱伯的版本里,管乐与弦乐是势均力敌的,可以清晰听到弦乐部分的层次。但紫圈标记让管乐在持续很强基础上的突强,小克莱伯的版本并不明显。黄圈标记的颤音让定音鼓滚奏(约等于在玩太鼓达人时噼里啪啦的连打)的部分听起来也很微弱,而卡拉扬的版本要存在感强烈得多。


除了这样的细节之外,一首曲目的总体演奏速度也是指挥需要控制的。速度记号那一串串Adagio、Allegro、Presto并不是什么具体的速度数值。即便到了有节拍器的年代,贝多芬为自己的交响曲都写上了每分钟的拍数。然而还是有不少指挥家,比如卡拉扬为首——认为贝多芬的节拍器一定坏掉了

最有争议的恐怕是贝多芬的第六交响曲“田园”,指挥家们都难以接受:要是以原速演奏的话,田园风情怎么可以那么摇滚?卡拉扬已经算贴近原速的指挥的了,但还是稍微慢了一些。倒是小克莱伯那一版贝多芬第六交响曲,是完全根据贝多芬谱面标记的速度来演奏的。我拿卡尔·伯姆(Karl Böhm)同样跟维也纳爱乐乐团合作的贝多芬第六交响曲来跟小克莱伯对比。像伯恩斯坦、阿巴多等大师差不多也是以和卡尔·伯姆近似的速度指挥的。


从曲目时长上来看,整套交响曲小克莱伯耗时35分38秒,卡尔·伯姆耗时45分35秒,整整多出了将近三分之一的时长。而第三乐章小克莱伯的版本只用了卡尔·伯姆一半的时间!来听一听对比:

Symphony No. 6 in F Major, Op. 68 "Pastoral" 3-Allegro (Peasant's merrymaking)——卡尔·伯姆

Symphony No. 6 in F Major, Op. 68, "Pastoral":III. Merry Gathering of Country Folk: Allegro——小克莱伯

由于大多数人都是先习惯卡尔·伯姆那种速率的“田园”的,很多人听小克莱伯的版本会觉得他是不是尿急了。不过小克莱伯本身就是风格极其强烈的指挥家,他比任何指挥家都注重细节,这张贝多芬第六交响曲最后一轨是长达3分50秒的鼓掌……许多爱好者听贝多芬的交响曲是只认小克莱伯的。他的贝多芬第七交响曲一直被誉为最佳版本


那么接下去我要夹带私货吹一吹小克莱伯了。


卡洛斯·克莱伯 (3 July 1930 – 13 July 2004)是一位奥地利指挥家。性格内向,是庄子粉。属于天才一类但低产到不行,只当客座指挥,不常驻任何一个乐团。晚年只会在需要钱的时候才会去演出,不给他100万美金是请不动的。公演前但凡一点点感到不满意或者状态不好,他会丢下一句“我正在郁闷中”临场取消演出,再也找不到他人。小克莱伯一生只指挥了89场演出,而卡拉扬的数据是2260场!



他的朋友卡拉扬说过:只有当冰箱空掉的时候,克莱伯才拿起指挥棒

被问及人生最快乐的事情,小克莱伯原话:吃饭和做爱

小克莱伯的指挥动作非常优美,在家会对着镜子像跳舞一样一遍遍排练指挥姿势。被评价“他只用一个手势就能达到想要的效果。”、“他不打拍子,他的手势直接描绘音乐的形状。”他公演时,观众席上大把的人带来望远镜就为了看指挥的动作。

当他乐意工作时他全身心投入时,他有极高的专注度,排练时间几乎是其他指挥家的5倍。他在每个细节上追求他认为完美的效果。会用独特的语句去形容他想要的效果或者鼓励乐手,为每一个音符创造动态的想象

你要赢过那一长串音符,你就要为此斗争。

前奏曲期间,我希望你们能相信鬼魂。非常柔和、快乐,像幽灵一般。就像这样:围绕着他,你的灵魂,带着黑暗的翅膀。

延长音后面没有增强音了,可以用“向往”来描述。

军鼓得不知不觉地插进来,像是一个阴谋。

因此他的朋友著名男高音普拉西多·多明戈说:与小克莱伯合作时,我觉得他知道为什么作曲家写下每一个音符,处理每一个乐句,以一种特殊的方式构思每一个管弦乐的色彩

如果乐手还是不能理解,他也不会责骂谁,只会第二天悄悄给他留下一份写满标记的乐谱。与他工作过的乐手都表示他能挖掘出每个人最好的部分。

然而小克莱伯非常容易消沉,他内心的一些东西无法与他的才华共处,有时他会忽然觉得自己无法呈现心中期望的样子,喝着伏特加望着田野说:我还是放弃当一个指挥吧。(他的父亲大克莱伯也是著名的指挥,曾阻止他从事这一行,小克莱伯一度处处模仿父亲,周围人花了好久才让他真正相信自己远比父亲做得好)

哦对了,1989年的维也纳爱乐乐团新年音乐会是小克莱伯指挥的,《蓝色多瑙河》前奏颤音被观众热烈掌声打断之后,他示意乐队暂停,并转身说道:“Die Wiener Philharmoniker und Ich, wünschen Ihnen PROSIT NEUJAHR!”(维也纳爱乐乐团和我祝大家新年好!),正是此后,在《蓝色多瑙河》正式奏响之前向观众进行新年祝福,就成为了维也纳新年音乐会的惯例

大家可以听一下当年的录音:An der schonen, blauen Donau' Op.314 - Walzer


吹完了,爽……反正小克莱伯的贝5贝7和莫扎特36,我是打算带在身边听一辈子了!!!

六六六六六维

【“Aesthetics”】

一首伦敦爱乐乐团的《四季歌》。

每次听这种古典乐脑海里都能回荡非常极端的画面。或许是被《Hannibal》洗脑了,又或许是古典乐的气势不仅能震慑全场,还能引出一些潜在的情绪。

从20世纪开始,就有许多限制级镜头喜欢选用古典乐(比如这首),古典乐的想像空间大,更能配合场景的需要,契合不同人对如此复杂心理的感情需要。

只有一些理性变态人群在贯彻暴力的时候配合古典乐才会恰当,其余的往往只能称作滑稽。

电影与音乐本身都是非常追求美学的艺术科目,自然当一件事物追求究极自我的时候更会往高级走,低级的暴力只是拳头与快感,而暴力美学则会使用声画蒙太奇,使用古典乐。你无法...

【“Aesthetics”】

一首伦敦爱乐乐团的《四季歌》。

每次听这种古典乐脑海里都能回荡非常极端的画面。或许是被《Hannibal》洗脑了,又或许是古典乐的气势不仅能震慑全场,还能引出一些潜在的情绪。

从20世纪开始,就有许多限制级镜头喜欢选用古典乐(比如这首),古典乐的想像空间大,更能配合场景的需要,契合不同人对如此复杂心理的感情需要。

只有一些理性变态人群在贯彻暴力的时候配合古典乐才会恰当,其余的往往只能称作滑稽。

电影与音乐本身都是非常追求美学的艺术科目,自然当一件事物追求究极自我的时候更会往高级走,低级的暴力只是拳头与快感,而暴力美学则会使用声画蒙太奇,使用古典乐。你无法看清后者暴力者内心的真实想法。

当然每个人听到这首曲子的感受是不同的,非常希望你告诉我你听到这首曲子的感受。:)

hareS. Olivia

<Caccini + Redemption + Ave Maria> - Era


用卡契尼写的最出名的圣歌<Ave Maria>与<Redemption>的旋律相融合的产物,听着却毫无违和感.起先是由弦乐作为主角的古典风格传递一种圣神的概念,之后渐渐加入了现代元素直到最终无论从乐器还是节奏曲风都彻底变得现代感十足. 在人声演唱的部分也是用介于古典的咏叹调与现代流行之间的唱法来完成.


<Caccini + Redemption + Ave Maria> - Era


用卡契尼写的最出名的圣歌<Ave Maria>与<Redemption>的旋律相融合的产物,听着却毫无违和感.起先是由弦乐作为主角的古典风格传递一种圣神的概念,之后渐渐加入了现代元素直到最终无论从乐器还是节奏曲风都彻底变得现代感十足. 在人声演唱的部分也是用介于古典的咏叹调与现代流行之间的唱法来完成.


hareS. Olivia

<Kiki's Delivery Service>来自久石让今年三月刚出的吉卜力音乐精选集<Ghibli Best Stories>

钢琴SOLO+小提琴SOLO+弦乐团+JAZZ

有种欢快的想要跳舞的赶脚~

个人尤其喜欢后面引入的JAZZ调调~ =W=

重新编配得太美好!

<Kiki's Delivery Service>来自久石让今年三月刚出的吉卜力音乐精选集<Ghibli Best Stories>

钢琴SOLO+小提琴SOLO+弦乐团+JAZZ

有种欢快的想要跳舞的赶脚~

个人尤其喜欢后面引入的JAZZ调调~ =W=

重新编配得太美好!

Kitsch-Kitsch
肖邦/李斯特演奏者居家旅行必备

肖邦/李斯特演奏者居家旅行必备

肖邦/李斯特演奏者居家旅行必备

Kitsch-Kitsch
当你真正开始练习一首曲子……

当你真正开始练习一首曲子……

当你真正开始练习一首曲子……

半生殊途〃

像穿过千山万水,像听到低沉呐喊,像看到融化亘古封印降临人间的十二守护天使背后余辉的光耀。——————天使帝国,头皮发麻的史诗和恢宏

像穿过千山万水,像听到低沉呐喊,像看到融化亘古封印降临人间的十二守护天使背后余辉的光耀。——————天使帝国,头皮发麻的史诗和恢宏

hareS. Olivia

<Volvió Una Noche> - MUJI BGM 10 (Buenos Aires)


这次是手风琴小提琴与键盘(听测是电钢琴,不太像钢琴)像三重唱似的贯通始终,而低音大提琴相比虽存在感极弱但仍起到画龙点睛的作用,进行了bass部分的润色以及在部分地方有强调节拍作用.

博主本人因在五岁学钢琴之前还学过一两年的手风琴,虽然当时年纪尚小 学的只是小号的钢琴键盘式手风琴,跟这种目测是按钮式的手风琴不太一样...但还是对这类音色相当有好感~很有feel~~ =W=


依然是来自无印良品西班牙风纯音乐.


<Volvió Una Noche> - MUJI BGM 10 (Buenos Aires)


这次是手风琴小提琴与键盘(听测是电钢琴,不太像钢琴)像三重唱似的贯通始终,而低音大提琴相比虽存在感极弱但仍起到画龙点睛的作用,进行了bass部分的润色以及在部分地方有强调节拍作用.

博主本人因在五岁学钢琴之前还学过一两年的手风琴,虽然当时年纪尚小 学的只是小号的钢琴键盘式手风琴,跟这种目测是按钮式的手风琴不太一样...但还是对这类音色相当有好感~很有feel~~ =W=


依然是来自无印良品西班牙风纯音乐.


九畹滋兰

古典音乐从何听起

(摘自田艺苗《穿T恤听古典音乐》)

总有乐迷问起,听古典音乐从哪里入门?怎样才算听懂古典音乐?如何获得古典音乐的修养?好吧,我就先来谈谈,如何听古典音乐,从何听起比较好。

有网友弄了个《古典音乐装腔指南》,包含不少条目,教大家如何谈论古典音乐显得比较内行。例如,凡是耳熟能详的乐曲,尽量避免提它的标题,要报编号,巴赫BWV1001,莫扎特K466,贝多芬Op.135,如此才算专业;凡是尽人皆知的音乐家,谈论他的作品还不如聊聊他的八卦,比如勃拉姆斯(Johannes Brahms)倾尽一生暗恋师母,比如柴可夫斯基(Peter Lynch Tchaikovsky)因同志情结而自卑;当然谈论霍洛维...

(摘自田艺苗《穿T恤听古典音乐》)

总有乐迷问起,听古典音乐从哪里入门?怎样才算听懂古典音乐?如何获得古典音乐的修养?好吧,我就先来谈谈,如何听古典音乐,从何听起比较好。

有网友弄了个《古典音乐装腔指南》,包含不少条目,教大家如何谈论古典音乐显得比较内行。例如,凡是耳熟能详的乐曲,尽量避免提它的标题,要报编号,巴赫BWV1001,莫扎特K466,贝多芬Op.135,如此才算专业;凡是尽人皆知的音乐家,谈论他的作品还不如聊聊他的八卦,比如勃拉姆斯(Johannes Brahms)倾尽一生暗恋师母,比如柴可夫斯基(Peter Lynch Tchaikovsky)因同志情结而自卑;当然谈论霍洛维茨(Vladimir Samoylovich Horowitz)、卡拉扬(Hebert von Karajan)等音乐明星没有新意,不如分析分析小众大师古尔德(Glenn Gould)、克莱伯(Carlos Kleiber)或切利比达克(Sergiu Celibidache)来得有腔调。

这么讽刺古典乐迷,倒也不过分。我就见过不少号称古典乐迷的,言语傲慢,自命不凡,其实他们在音乐厅里呼呼大睡,根本闹不清李斯特(Franz Liszt)与莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart)。而我见过真正杰出的古典音乐家,他们专注、勤勉,充满激情,个性桀骜,待人却和蔼可爱。
古典音乐讲究形式之美,结构严谨而典雅,而音乐会也有不少讲究。

比如交响乐团的布局。一般情况下,指挥家站在乐池中央,左侧是18把小提琴,在他们右边依次是16把第二小提琴,正对着指挥台的是12把中提琴,右侧是10把大提琴,大提琴后面是8把低音提琴;在所有提琴后面,有两排木管乐器,呈扇形排列,从左至右,分别是长笛、短笛、双簧管、英国管,第二排是单簧管、低音单簧管、大管和低音大管;在所有木管乐器的后面是铜管乐器,圆号、小号、大号,后排是长号,长号左侧是打击乐,如定音鼓、马林巴、木琴、小军鼓,等等,按照乐谱的要求出现。

再如听音乐会的礼仪。通常听音乐会不允许迟到,迟到者要待一曲完毕或中场休息时方可入场;要求演奏者和聆听者都穿正装出席;鼓掌也有学问,乐章之间不必鼓掌,待整首乐曲结束之后才可以鼓掌欢呼,最好是在乐曲结束之后,有一段三五秒钟的静默回味,之后再爆发热烈掌声,等等。

在西方,古典音乐一直是贵族阶层的消遣,因而继承下不少仪式。但如今,所有仪式,都是为了表达对古典音乐这一西方高级精神文明的敬仰与热爱。

尼采说,没有(古典)音乐的人生,是一个错误。

爱因斯坦说,死亡意味着再也听不到莫扎特的音乐了。

我不确定生命中是否一定要有古典音乐,但当那些交响曲奏响的时候,你心里会升腾起一种生而为人的尊严感,如同仪式,如同洗礼,让你备受鼓舞,暂时忘掉生活中的卑微烦恼。这是其他音乐类型难以给予的,如此它便值得我们为之付出时间与精力,去聆听感知,去借助它开拓生命的幅度。

穿T恤听古典音乐

可是,仪式一多,时间一长,古典音乐的庄严就变了味道。好比西方贵族的习俗礼仪,形式繁琐大费周章,慢慢变得虚荣乏味。不少人淹没在这些规则中,度过自以为安稳实则麻木的一生。

2010年夏天,我开始做一个沙龙式的古典音乐讲座,叫作“穿T恤听古典音乐”。这个标题吸引了不少年轻人,尤其是那些不听古典音乐的年轻人。一开始,大家觉得这个叛逆的姿态挺酷的,人家穿西装打领结,我们偏要穿T恤。这倒不是轻慢艺术,而是我相信再高冷的艺术也都有一颗平常心。

我更希望,这是一种自然的、切肤的、深度的聆听。没有规则的约束,没有门槛的筛选,让普罗大众都可领略古典音乐的丰富美感。依我个人的聆听经验,去听音乐会总是被各种熟人、陌生人干扰了视听,而每个深夜独自戴上耳机,就像面对最真实的自我。大部分音乐都是为了表达情感,温热的沸腾的深入肺腑的情感。你若可以卸下一切,与之坦然相对,才会听见音乐中的真挚与渴望,也听见那一刻自己心里的真实回响。在放松的状态中你的听觉会更敏锐,感知会更深沉。

有规则,就有打破规则。真正的艺术家都是情感炙热而直率的,他们扫除界限,质疑一切陈规与教条,一个真正的创造者拥有不受任何规则束缚的天赋,就像贝多芬(Ludwig van Beethoven),扔掉假发,敞开胸膛冲进古典音乐的圣殿;或像肖邦(Fryderyk Franciszek Chopin)、德彪西(Achille-Clande Debussy),只听从内心的音乐,从不为铺天盖地的时代潮流所动。音乐这一情感的艺术,无形无色,据说是想象力与创造力的至高形式,也是为了跨越世俗的界限而生。消除形式与目的,让聆听只属于心灵,让它激发你的脑细胞,燃烧你的情感力量,它将是生命带给你的最美好的礼物。

如何听音乐

怎么说呢,你听就是了。首先,要相信你的内心听觉。

聆听是一种私人体验,所以最好不要一开始就去参考音乐导读、乐评人推荐或者所谓的聆听规则。

音乐欣赏书籍大多按照音乐史进程来介绍,好让大家对西方古典音乐有一个全景观察。这样也可能会让普通乐迷倒了胃口,一上来就给你听中世纪、巴洛克,这些古老的音乐大多缺乏张力,容易让人昏昏欲睡。依我个人经验,建议从最吸引你的乐曲开始,或者按照个人兴趣和音乐的可听性来,可从浪漫派进入,再到古典主义,到巴洛克,再听到古老的中世纪音乐和20世纪音乐,最后再对西方音乐来个历史性的全面梳理。

歌声逐流水

有些人是从旋律听起的。

在19世纪,旋律是检验音乐天才的唯一标准。

最开始,我们因为一支迷人的咏叹调而不能自已。《我亲爱的爸爸》《晴朗的一天》《我仿佛在花丛里》《圣洁女神》,旋律像远处的流水,像夜空飞鸟掠过的痕迹。你为之心弦惊动,为之着迷。它像诗句一样放慢了你的脚步。旋律飞翔的时候,好像庸碌琐碎的日常生活忽然有了诗意,忽然获得升华。

然后把普契尼(Giacomao Puccini)的所有歌剧都找来听。在歌剧中,你领略了另一个世界,那是一个由眼泪、鲜血、激情和心碎组成的世界,远离日常生活,因而成为你摆脱日常生活的一个出口。看着剧中人心碎而死,你发现自己并不麻木,你对它充满了感激。它的激情唤醒了你,让你重新认识自己。你把它深藏在内心的角落,像隐秘的爱情一样,无法与人诉说。在剧情的一系列辗转之后,那首熟悉的咏叹调再次唱响的时候,你发现自己满脸眼泪。人生中有很多悲伤却不会哭出来的时刻,而你却可以为这首咏叹调轻易哭泣。

《蝴蝶夫人》看过很多遍了。到后来,你不再只被《晴朗的一日》所吸引,你发现,花园里的情人二重唱才是最美的,那是人生中无法重来的绽放时分。而美国男孩动情的歌唱,与最后的悔悟,还不都是一样的调子。你发现了歌剧的秘密,进而发现歌剧作曲家的窍门:合唱、对唱、情节、咏叹调、伴奏、人物个性全都纹丝不乱,美妙的曲调像蝴蝶一样在乐池里翩飞,有时候从美妙的嗓音里流出来,有时候又藏在乐队里闪耀,让人赞叹。乐队并非亦步亦趋伴奏,却与唱段呼应、起伏,一起讲述爱的悲欣交集。你是在这样的故事里,读懂了时间。短的是爱情,长的是人生,但正是剧中脱离日常的悲剧性吸引了你。后来有一天,你的朋友告诉你,你在听歌剧低头思量的时候,是多么优雅。

亲爱的,请再弹一遍

有些乐迷最先是迷上肖邦的乐曲。肖邦的音乐相对通俗,曲调优美,线条清晰。听完肖邦,意犹未尽,找来各种浪漫主义风格的钢琴小品:舒曼的《童年情景》、舒伯特的《即兴曲》、李斯特的《爱之梦》、门德尔松的《无词歌》……浪漫主义时期的音乐情感丰沛,个性鲜明,直抒胸臆,富有感染力,令人难以抗拒。

你可能由此爱上了钢琴曲,依个人喜好,比较各种演奏版本,听钢琴明星的炫技之美,钢琴艺术家的清高格调,钢琴哲学家深邃的声部组合;再去分辨法国钢琴学派的触键之美,德奥派系稳健深邃的格局;或者迷上一百年前的钢琴家,他们为舞台而生,他们激情澎湃,他们优雅醇美,他们的举手投足,如今的钢琴家怎么都学不像。

协奏曲

平时在音乐会上,我们听到最多的是某些协奏曲。爱上协奏曲,是因为独奏家。他们在舞台上,像钻石璀璨,又像华丽的豹子一样感性。

拉赫玛尼诺夫(Sergei Vasilievich Rachmaninoff)的《第二钢琴协奏曲》和《第三钢琴协奏曲》称得上是古典音乐界的怀旧金曲,是如今上演率最高的古典作品。其实他的《第二交响曲》也同样优美感伤。听完拉赫玛尼诺夫的协奏曲,听柴可夫斯基第一,听“肖二”、“勃二”、“普三”,听格里格(Edvard Hagerup Grieg)、莫扎特、李斯特、贝多芬。如果把大师们的协奏曲都听一遍,就会对他们的音乐风格了如指掌。

之后,从近代的乐队协奏曲,听回到巴洛克时期的协奏曲,巴赫(Johann Sebastian Bach)的《勃兰登堡协奏曲》、《意大利协奏曲》,维瓦尔第(Antonio Lucio Vivaldi)的大提琴协奏曲与曼陀林协奏曲,在协奏曲的发展脉络中也可领会不同时代的人们情感表达的风格和欧洲音乐审美观的演变。

有故事的古典音乐

初听古典音乐的人喜欢问:“可是听不懂,怎么办?”于是音乐鉴赏宝典喜欢给他们讲故事。

有些音乐里面有故事情节。

像格里格的著名组曲《培尔·金特》,“晨景”“在妖王洞中”“培尔·金特归来”,这些标题已经暗示了音乐的内容。再如穆索尔斯基(Modest Petrovich Mussorsky)的钢琴组曲《图画展览会》,描绘的第一幅画《侏儒》,第二幅《古堡》,第三幅《杜伊勒里宫的花园》……中间穿插作曲家在画展大厅里来回踱步与沉思的音乐。此类例子很多,喜闻乐见的还有《蒂尔的恶作剧》和《在中亚细亚草原上》。《在中亚细亚草原上》也是为一幅绘画而作,俄罗斯军队和阿拉伯商队两队人马,分别由两支音乐主题代表,在渐强中慢慢走到我们眼前,两个线条的对位暗示了他们的相遇、友好照面,之后音乐减弱,他们擦身、走远、消失在远处的地平线上。有故事的音乐,大家觉得能听出那个意思就算听懂了,也可能因为这类乐曲让大家都能听懂,成了广为流传的世界名曲。如此有故事的音乐,一般叫作“标题音乐”。

所谓的“标题音乐”,是指由非音乐因素激发的音乐,灵感往往来自文学、绘画、电影、雕塑或自然风景。标题音乐的代表作,有柏辽兹(Hector Louis BerLioz)的《幻想交响曲》、李斯特的交响诗。还有一些本身无标题,却被出版商或音乐爱好者冠以标题的,如贝多芬的《月光》、《热情》,肖邦的《离别曲》,其实他们并不是标题音乐家。

无标题音乐,那是另一个更高级的欣赏层次了。无标题音乐的代表人物有巴赫、贝多芬、勃拉姆斯,这些音乐家也被称作“纯音乐”家。我们如今听的各种奏鸣曲、赋格曲、变奏曲基本上都属于纯音乐曲。纯音乐从音乐主题的核心出发,将主题与节奏型进行各种裁剪组合,从而发掘出整篇乐曲的枝干与细节。训练有素的作曲家擅长发掘主题的潜力,让它变出各种花样,尽情展开。通常音乐学院的作曲系就是为了训练学生发展音乐的技能,而作曲的灵感与才华是没法培养的。

标题音乐与无标题音乐之间一直存在争论。在音乐史上有一场著名的“德意志之争”,就是这两大派系的论战。一派是标题音乐的最高统帅瓦格纳(Wilhelm Richard Wagner),另一派是纯音乐的守护者勃拉姆斯,当时是瓦格纳派遥遥领先。如今看来其实并无优劣高低之分,他们各有所长,都是伟大的作曲家。基本上,标题音乐的拥趸都是全才,像瓦格纳,作词作曲写剧本弄歌剧,样样皆通;还有李斯特,通钢琴、作曲、指挥、文学、哲学、诗歌。他们兴趣广泛,试图综合多门艺术缔造个人的艺术帝国,用现在的话说就是多媒体,搞全方位视听体验。但无标题音乐即纯音乐的倡导者们认为,音乐有其自身的独特思维模式,姊妹艺术可激发灵感,却也会干扰音乐自身的发展,会割裂、阻碍音乐的自由想象,音乐还是以它自己的方式思考与发展比较科学,这样才能让音乐中的潜力尽情发挥。

其实讲故事并非音乐所擅长。音乐擅长抒情,擅长表达情感,情感强烈的音乐总是充满感染力,震撼人心。我们喜欢浪漫派音乐,主要是因它抒情,因它情意饱满,比如柴可夫斯基,忧伤到死。我们爱听《天鹅湖》,爱听《悲怆》,哀乐容易打动人心,但也容易露骨,柴可夫斯基后来一直被诟病沉溺于悲伤,未体现交响的力量。再如莫扎特,他的音乐风格欢欣明快、生机勃勃,听来一扫心情阴霾,仿佛春天来临,溪水叮咚。我们判断一首乐曲好不好,往往是看它是否具有表现性,表现的情感是否充分,是否足够深入。

有些音乐里面却怎么也找不到故事。比如,巴赫的音乐没有故事,只有乐音的运动和若隐若现的情感。建议大家把它们当作建筑听,而且是逻辑缜密的大型建筑,有旋律、节奏、和声、调式这些基本的建筑素材,有梁、柱、主厅、承重墙,类似主调、属调、主题、副主题、骨干和弦和骨干音;还有转调、经过音、小连接、小尾声等,类似游廊、门厅、玄关等附属结构。厘清音乐的构造,已经算是相当懂巴赫了。

我们时常说,这一段音乐听来像月光,那一段像微风,其实都不靠谱,每个人听来也都不同。音乐本身并没料到它会被如此解读,它只是无意间开启了人类的想象力。音乐不像语言,它没有语义性,只有表情。虽然不能说明具体事件,但它擅长暗示。比如,你听到一记枪声,立刻反应过来,是哪里出事了;小时候伴随“为革命,保护视力”的那一段音乐,如今听见,就会想起从前在课堂上烦躁又欢乐的时光。因为这种暗示性,瓦格纳在他的歌剧中,给他的角色们一人一句主导动机,你听见那句曲调,就会知道谁即将到来,也会在曲调的转变中猜测情节变化;在莫扎特的歌剧《女人心》里面,两姐妹从头至尾都是二重唱,莫扎特如此暗示她们是多么没主见没个性。

有故事没故事,太悲伤或太欢乐,其实都不够体现音乐的妙处。因为抽象的音乐本身就是难以说清的。如果言语能够说明,还要音乐做什么?它没有具体内容,但所有人都能听懂声音,都能领会声音的语言。

声音是如何表达的?骤然一记大鼓,你便会凝神谛听,想知道后面要交代哪些要紧的事情;听到曲调缱绻盘旋,你能感觉到力量在积聚;而在音乐的高潮之后,舒缓的旋律让你发现力量在缓缓释放,像水流回归大海。在贝多芬的乐曲中往往有一个激进而长大的展开部,他以大量不协和和弦不解决地连续进行,有力的节奏,此起彼伏一浪高过一浪的音乐运动,让听者逐渐产生压抑的心理体验,让你难以呼吸,憋闷难受,这就是一个能量密集积蓄的过程。它的过程越迂回越强烈,之后力量释放的快感就会越强大。听者对音乐心理体验的强度正是与能量的储蓄与释放速度成正比。万物遵循物理规律,音乐最终表现为力的运动,在音乐理论中也是如此。不协和音程带来张力,带来音乐发展的动力,待它解决到协和音程的时候,张力被释放。如此交替、循环往复,音乐于是展开。

更多时候,音乐模仿人的心理活动。比如,那些缓慢的曲调,音流逐渐下行,往往听来悲伤阴郁,柴可夫斯基习惯如此写旋律,他的音乐风格因而柔美而悲哀;那些节奏轻快、旋律上行的曲调,往往积极明亮,这也是莫扎特早期的一种作曲习惯;还有一些旋律抒情起伏的,给人宽广豪迈之感,此类也非常多,比如《伏尔塔瓦河》或者“一条大河波浪宽”;另有一些以相同节奏(音型)持续反复的,能让你感受到力量的增长,比如贝多芬的《命运》主题,比如聂耳《扬子江暴风雨》,大量革命歌曲和摹写英雄的交响曲都有类似特征。

聆听的层次

技术只是手段,古典音乐主要是情感的艺术,它的情感是美好、丰富的,也是隐晦、复杂的。有时候你觉得自己难以名状的感情,被它完美地表达了。有时候你听见了陌生而熟悉的激情,发觉存在你大脑深处的古老情感被它唤醒了。千百年来,艺术一直在开拓我们情感体验的边界。

好的音乐经得起单曲循环,经得起反复聆听,也经得起时间和潮流的反复淘洗,因为它有足够的音乐信息量和情感表现力。每个人听来都异样,每一遍听来都不同。这大概就是古典音乐的不同凡响之处,是我们之所以要听古典音乐的理由。

像肖邦的音乐,一开始你只觉得好听、抒情,后来,你听过李斯特、贝多芬、舒曼(Robert Alexander Schuman)、舒伯特(Franz Schubert),听过很多很多的钢琴曲,最好你自己也弹奏过之后,才会懂得肖邦的优美,貌似通俗,其实是很不凡的,每个句子都清雅别致,来自高贵而真挚的心灵。如果说他通俗,那是天才级别的回归天然。

再比如一首理查·施特劳斯(Richard Strauss)的《查拉图斯特拉如是说》,开篇的“日出”多么震撼人心,在年少时曾给予你莫大鼓舞,其余八个段落“来世之人”“渴望”“欢乐与激情”“挽歌”“学术”“康复”“舞曲”和“梦游者之歌”也很经典,没有鲜明故事,却抽象地描绘了一位知识分子的一生。年轻时听来半懂不懂,当你体验了情感的千回百折之后,则会为这音乐中起伏涌动的神秘力量感到激动不已;人到中年,或许你在波涛起伏的音响中听见更多的人生感悟,失落、迷茫、回忆、冥想、淡定,终将再次奋起。你深受它鼓励,就像古诗里“听雨”的人生境界——少年听雨歌楼上,壮年听雨客舟中,而今听雨僧庐下。我相信人们可以在聆听中逐渐了解自己,懂得命运,它终将帮助你到达澄明通透的境界。

记得我第一次去上海音乐学院,在杨立青教授那儿听课,我问他,如何才能成为一位作曲家,最重要的是什么?他答:内心听觉。

内心听觉是一个音乐术语,是指职业音乐家拥有的准确的多声部音乐听觉和想象力。像莫扎特的内心听觉就是天才级的,他作曲的时候,整部交响曲像一栋复杂的建筑耸立在他心里,每个音每个和弦都清晰准确,他只需要坐在书桌前把谱记下来,擦掉几个错音就可以拿去排练了。

内心听觉这个术语听来十分浪漫。它提醒你,人的心也是有听觉的。当我们聆听的时候,未必只是耳朵听,大脑听,其实你的心也在听,还有你的胃、你的手、你的脚、你的皮肤、你的五脏六腑都在听,音乐频率可以调整你体内各种器官的运动频率。因此,聆听音乐是一种全身心的美好感受。

可以让耳朵挑选你喜爱的曲子,也可以让你的手、你的胃、你的皮肤来挑选,哪些是真正让你身心共鸣的乐音,哪些是脑子喜欢但心灵没那么喜欢的,哪些是你没怎么关注而弹奏起来特别顺手的。比如,我学了几十年音乐,懂得那些均衡典雅纯真节制的音乐才算高级有品位,但我也会对煽情的旋律不能自已,也许是过于平静稳妥的生活让热情无处释放,借着音乐来疏导,从而得以体会它在你身体里奔涌的激情。

音乐有何用处

有时候我想想挺纠结的,严肃音乐不是用来表达和反思人类命运的吗?读者却总是问我,喝茶开车听什么、失眠头痛听什么。这样听音乐真的好吗?或者说,这个听法实在大材小用了,拿花梨木当柴烧。

有时候音乐是有用的。在特殊年代,它成为政治家的工具。他们利用进行曲、颂歌、革命歌曲,吸引那些不关心政治的人们投入革命运动的洪流。有时候,音乐也可以消除等级、偏见和陈规陋习,让持不同政见者团结起来。

但大部分音乐是无用的。眼下大家一直在说“无用之美”,这些美真的无用么?其实艺术的无用有时是大用。因为我们的人生仅有那些有用的事物远远不够,还需要情感与精神追求的激励。伟大的艺术给予人生美的滋养和抚慰,给予我们精神力量。只是这种激励和力量通常难以被察觉,经历过悲伤、苦难、战乱的人们或许深有体会。在《肖申克的救赎》里面,安迪对狱友们说,我被关了禁闭但一点也不沮丧,因为莫扎特一直在我心里,他就是希望。“钢琴师”在二战的废墟里度过了五年东躲西藏的日子之后,发现他对肖邦的《g小调叙事曲》依旧了然于心,一个音符也没有忘记,是它们在他心里反复奏响,帮助他活了下来。

我一位朋友说,有次去参加活动,身边有一位“台独分子”。奏国歌《义勇军进行曲》的时候,他发现这位先生开始微微点头,身体随音乐的节拍不由自主晃动,这让人感慨音乐的力量原来已远远超越了政治、权力与金钱。我想这就是贝多芬《第九交响曲》中的美好心愿,也是莫扎特《费加罗的婚礼》中的天真愿望,他们深信音乐与情感终究可以融化各种矛盾冲突,可以超越人与人之间的利益争夺,可以跨越不同阶层和等级,因为音乐与情感本身已包含了一种深层的和谐的力量,就像他们的交响曲,在最后乐章里面,音乐主题拨开云雾灿烂再现,光明必将战胜黑暗,最终管弦齐鸣的总是凯旋之歌。

hareS. Olivia

<Theme from Schindler's List>

辛德勒名单.


小提琴: 伊扎克·帕尔曼

作曲: 约翰·威廉姆斯


这首曲子真心什么也不用说了...静静聆听 细细感受便好.

以后还会时不时放一些Itzhak Perlman大师的小提琴曲推荐.


晚安。


<Theme from Schindler's List>

辛德勒名单.


小提琴: 伊扎克·帕尔曼

作曲: 约翰·威廉姆斯


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以后还会时不时放一些Itzhak Perlman大师的小提琴曲推荐.


晚安。



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