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莫奈

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Collins

嗷嗷嗷我死了。莫奈这本原版画集太美了、艺术品一样的

嗷嗷嗷我死了。莫奈这本原版画集太美了、艺术品一样的

呢你
彩铅打卡~卡☞莫奈的《睡莲》

彩铅打卡~卡
☞莫奈的《睡莲》

彩铅打卡~卡
☞莫奈的《睡莲》

临班不知名

用油画棒临摹莫奈,咋就没别人家油画棒可以画那么厚呢?

用油画棒临摹莫奈,咋就没别人家油画棒可以画那么厚呢?

满月小兔兔

莫奈作品临摹

最近想画油画棒,选了一些莫奈的比较清晰的网上资源,分享给大家~

1. The Art Institute of Chicago https://www.artic.edu/collection

里面除了莫奈的画还有一些名画,在collection里面,可以下载原图


2. The National Gallery of Art  https://www.nga.gov/global-site-search-page.html?searchterm=Claude+Monet

可以下载还可以选择尺寸


3. 保罗·盖蒂 ...

最近想画油画棒,选了一些莫奈的比较清晰的网上资源,分享给大家~

1. The Art Institute of Chicago https://www.artic.edu/collection

里面除了莫奈的画还有一些名画,在collection里面,可以下载原图


2. The National Gallery of Art  https://www.nga.gov/global-site-search-page.html?searchterm=Claude+Monet

可以下载还可以选择尺寸


3. 保罗·盖蒂 http://www.getty.edu/art/collection/artists/257/claude-monet-french-1840-1926/

莫奈的作品不多,但是目前我在线找的清晰度最高的,可以看到原画笔触,临摹其实不需要这么清晰,但是能看清笔触还是很珍贵的,感恩。


4. The National Galleries of Scotland https://www.nationalgalleries.org/search

可以下载还可以在线放大,有梵高的画也很适合油画棒临摹



临摹第一个网站就很OK了~想要积攒资料就可以挨个网站下载了,感觉像发现了宝藏~

芒果

宁静致远 ——浅谈莫奈大型壁画《睡莲》



光是一切色彩的源泉,而光线的瞬息万变,也是这个光怪陆离世界的缔造者。自19世纪光学理论的发展进步以来,人们的审美观点与观察世界、追求本真的方式不断变化,而艺术对永恒的追求确实亘古不变的。当坐在大海面前的画家开始意识到海的颜色取决于天空时,一个伟大的流派就此诞生,从那时起,用静止的瞬间来表现动态的永恒,并逐渐摒弃狭隘的褐色调与单一光线下事物的单调形象,超越批判与嘲讽,带领美术史走向一个新的篇章。其中克劳德·莫奈无疑是起到了旗手的作用了。




  橘园美术馆为莫奈巨作所设计建造。干净的白色墙面与玄关似的入口出无一星点的装饰。而走过转角处,便是内部椭圆型房间的墙面上是四...



光是一切色彩的源泉,而光线的瞬息万变,也是这个光怪陆离世界的缔造者。自19世纪光学理论的发展进步以来,人们的审美观点与观察世界、追求本真的方式不断变化,而艺术对永恒的追求确实亘古不变的。当坐在大海面前的画家开始意识到海的颜色取决于天空时,一个伟大的流派就此诞生,从那时起,用静止的瞬间来表现动态的永恒,并逐渐摒弃狭隘的褐色调与单一光线下事物的单调形象,超越批判与嘲讽,带领美术史走向一个新的篇章。其中克劳德·莫奈无疑是起到了旗手的作用了。




  橘园美术馆为莫奈巨作所设计建造。干净的白色墙面与玄关似的入口出无一星点的装饰。而走过转角处,便是内部椭圆型房间的墙面上是四幅巨大的睡莲组画,当人步入房间,会在一瞬间感到极强的视觉冲击,这种冲击既不来自跳脱的色彩,也不来自独特的构图,而是恍若时光倒流,万物宁静。幽深的湖水在有限的空间中得以无限的延展。中庭上所开的天窗,仅加一层白布,任日光自头顶淡淡的倾泻而下,与画中柔和的光线溶于一体,仿佛是映射在画中湖面上的那一缕。


在这个空间中,时间似乎定格在了1926的夏天。妻子与儿子先后离他而去,而饱受白内障之苦的画家也在那个孤寂的时点走到人生的尽头,老年的莫奈视力每况日下,而长存于杜勒丽花园中的《睡莲》是他生命中最后的一首赞美诗。90年来,他赋予画作的生命力从未被岁月消磨,随着他所钟情的睡莲永久的保存了下来。




19世纪后半叶诞生的印象派预示着古典主义的终结。印象派艺术家用于代替陈陈相因的古典主义与臆造虚构的浪漫主义的是“以光和色彩作为认识世界的中心”。莫奈曾经清楚的表达过这一观点,“当你出去画画时,要设法忘掉你面前的物体:一棵树、一片田野……只是想,这是一小块蓝,这是一条粉红色,这是一条黄色。然后准确地画下你所观察到的颜色和形状,直到它达到你最佳的印象为止。”在这场色彩革命中,画家不再执着于固有色,而在一天的不同时刻,即在太阳光的不同角度和色彩下绘制同一景象的不同面貌。着重于“光谱色”,而摒弃黑色与赭色的使用。艺术家运用小笔触来表现自然光下色彩的跳跃与细腻的变化,也使画面获得轻快而富有生命力的节奏感。以莫奈为代表的印象派画家以这种新的观察方式与运用色彩的高超技巧,在画室之外将真实的感受通过绘画作品表达出来,将自然界变化的绚丽多姿与勃勃生机展露无余。崇尚写实而不再拘泥于对传统的审美理想,并逐渐的挣脱了传统美术的社会教化功效。莫奈游刃有余的运用抒情性色彩和这种自由而又真诚的表达方式,将描绘的对象从画面中解放出来,“带有诗意的朦胧感”。




莫奈或是意在表现瞬间的、不同角度的湖面色彩的变幻莫测,而站于画前的人们,却不由得感到水面的流淌、微风浮动所带来的奇妙的动感。水面自背光处,随阳光角度的变动不断变幻着色彩,不过分强调阴影,也不矫揉造作。对水面的模糊处理令这个寂静的空间中似乎分不清水与天空的界限,亦梦亦幻,若隐若现,倒影与景象本身融为一体。静静盛开的睡莲甚至无具体的轮廓与细致的表现,甚至于其中带有些许抽象的意味。而线条与色彩的变化却赋予其极强的形象感,似乎令远观伫立之人似乎看得见风拂过花瓣的痕迹:或疏或密,微妙的色彩变化丰富却并不唐突,干净却又丰满。这不由得令我想起宗璞在《紫藤萝瀑布》中用来描绘画面感的那句话,“似乎连空气都染上了颜色”,为其莫名的感动。




第一间是日光下的莲池盛景,而里阁则是月光下沉睡的寂静景象。青紫色调自然较日光下的莲池更寂静无声,皆因月光照拂下的世界中,光与色的变化要单调许多。不同于日光下记录瞬间的变幻,月光下更像是在描绘永恒。湖水依然是望不到底的深邃,却鲜少使用绿色,孤独沉寂,“盈盈一水间,脉脉不得语”。睡莲密密的开满一面墙壁,却毫不喧闹与夺目,而是停留在最安逸的时空中。构图松而不散,依然能够完整的显现湖面的整体感与略带孤寂的安静气氛。




如茹尔·拉福盖所说:“印象派用无数跳舞般的闪光片来取得色彩的颤动。”所谓《睡莲》的主角不仅仅是睡莲,更不是漂着荇草的湖面,是光与影、天空与微风带来色彩的交织与变幻。印象派虽未有后期印象派般鲜明主动的情感表达与现代美术所具有的个性化色彩,却依然忠实的表达着作者的创作理念。动或静,明媚抑或是哀愁,瞬间抑或是永恒,凝固在方寸天地之间,超越尘世纷乱,得以长存。只有长椅上的人们,沉浸其中,或是有感于自身经历与理想,也应不乏逃避世事纷杂、求得一片安宁。然而即是面对真正的莲池,或许也不会为那种景象所触动至此吧。因为这方莲池,似乎凝固着莫奈一生的梦与哀伤。




睡莲,对于莫奈而言,似乎有着不同的象征意义。不论在什么样的光线下,有着如何的创作环境,他笔下的睡莲永远那么明丽,那么宁静安适,未曾流露过孤高的情绪与浓重的悲哀。月光下的睡莲从未沉睡,只是默默不语的盛开,仿佛有着无尽的花期与永恒的色彩。在睡莲的世界中,莫纳所赋予的时间似乎是静止的,水是流动的,风也未曾停歇,可光就那么定格在画面上,似乎再没什么能够消磨这美丽生灵的生命力了。他从未对此留下过什么只言片语,但这或许寄托了他真正的期望吧——那是他心中永不凋谢的生命之花。




他这一生,都用来编织着美的梦境,然而梦境终究是梦境,再美好的梦境也终有醒来的时日;一日中这一刻的日光消减,能够在未来找到相似的那一缕,却已奈何不了时光在生命中刻下痕迹。他曾用最为哀伤的色彩描绘着妻子最后的容颜,“那一刻,我只能看见生命的色彩从她脸上渐渐消逝。”或许是从那时起,或许再早上一些,他了然,美的极致,是来源于生命本身,可没有什么能够停下时光消逝的脚步。然而,莫奈对美的追求是那没有终点的梦,不会消减的美,无法被消磨的生命力。这是他笔下的睡莲,开在生命定格中的睡莲,有着永恒的美的睡莲,是他对永恒的美与生命力的象征,是他一生无法达到却又无法放弃的理想。




柏拉图在《伊安篇》中,曾将绘画归为机械性的作业,这个概念固然在文艺复兴就开始改变,于是画家们的灵感与创作欲望也与伊安的一样,可以用苏格拉底在文章中得出的结论来解释了——即创作的灵感来源是缪斯的点化,超脱于理性之外。杰作若来源于神的意志,自然是永恒的,而艺术的永恒本就不来自于画作本身,而在于他所能释放的情感与画家所赋予的动人心魄的力量。即便是丝毫不了解美术的人亦能为这寂静的空间所感动,感受这光线与色彩所缔造的世界,这便是印象派作品所带来的独特魅力。


在瞬间的定格中释放永恒的生命力,或许就是对《睡莲》这巨作的最好诠释了。





这是很久以前的一篇习作,当时想要发表,但最后由于种种原因(主要是依然觉得自己见识浅薄)而没有实现,现在想想有些遗憾,不过以这种形式,也算是与人分享的一个过程。


孟琬晴

终于把这副,莫奈的《阿让特伊的罂粟花田》画好了。
烂尾了三个月,最终还是把它画好了。

终于把这副,莫奈的《阿让特伊的罂粟花田》画好了。
烂尾了三个月,最终还是把它画好了。

吃吃的记录本

第一份草稿被我不小心倒上了水,后来重画了一张。

勾线:003针管笔

上色:马克笔

完成图:

第一份草稿被我不小心倒上了水,后来重画了一张。

勾线:003针管笔

上色:马克笔

完成图:

绅士的吃吃
友情参与明信片的莫奈,只记得主...

友情参与明信片的莫奈,只记得主题是七宗罪,但我已经忘了我画的是哪一宗罪了orz

莫奈是我在海贼王里最喜欢的女性角色喏_(:3J Z)/

过程图:

友情参与明信片的莫奈,只记得主题是七宗罪,但我已经忘了我画的是哪一宗罪了orz

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过程图:

IDENTITI古典纹章官

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The Inverted Forest

(在奥赛博物馆亲眼观看了最喜欢的画!以下是一篇感想)


从马奈看到雷诺阿看到莫奈,感到好像能从中观察出一种从前印象派到印象派的连续性。粗略讲讲:


我最爱的雷诺阿,他的笔触有一种处在马奈和莫奈之间的风格,就是:轮廓还是有写实的影子,但是色彩是典型印象派的,比较柔和朦胧;光影有透明感,就像毛玻璃。这一点在我最喜欢的画作《煎饼磨坊的舞会》中表现得尤为明显。画面中呈现出喧嚷欢悦的露天咖啡馆的景象,着色手法丰富多样。在近景部分,精心描绘的人物脸部几乎是半透明的。粉蓝交织的条纹长裙上,闪烁着梦一般朦胧的强光。透过树影的阳光在西装和草帽上明亮地颤动着。越往远处,人物的细节逐渐在阳光和空气中消融,微...

(在奥赛博物馆亲眼观看了最喜欢的画!以下是一篇感想)


从马奈看到雷诺阿看到莫奈,感到好像能从中观察出一种从前印象派到印象派的连续性。粗略讲讲:


我最爱的雷诺阿,他的笔触有一种处在马奈和莫奈之间的风格,就是:轮廓还是有写实的影子,但是色彩是典型印象派的,比较柔和朦胧;光影有透明感,就像毛玻璃。这一点在我最喜欢的画作《煎饼磨坊的舞会》中表现得尤为明显。画面中呈现出喧嚷欢悦的露天咖啡馆的景象,着色手法丰富多样。在近景部分,精心描绘的人物脸部几乎是半透明的。粉蓝交织的条纹长裙上,闪烁着梦一般朦胧的强光。透过树影的阳光在西装和草帽上明亮地颤动着。越往远处,人物的细节逐渐在阳光和空气中消融,微微发蓝的吊灯像气泡般悬浮在幸福的人们头顶。而在画面左上角,作为远景的绿色树荫,则以粗糙的格纹阴影呈现。整幅画弥漫着强烈的幸福感。引人注目的是,画面呈现着一种主观的色调,使它失于真实,而进入了纯粹梦幻的感官世界。这是雷诺阿在这一时期占据绝对地位的特点之一。


而上溯到印象派的先驱者,马奈亦有不同寻常的观察方式。马奈的画喜欢操纵透视,有时候会刻意抹去景深,或者调整透视的近大远小原则。《草地上的午餐》(1862)中,远处的戏水女郎大得出奇,显然是刻意操纵了景深。与写实主义对比,作为背景的树林则模糊不清,其着色是粗放的,缺乏层次的。裸女缺乏阴影的白色身体在暗色的背景上显得异常明亮,皮肤有着粗糙如粉刷的质感。在这幅画作中,景深的效果被平涂呈现的森林所淡化了。但将这一特征体现得更为显著的,是绘于1878年的的作品《在音乐学院》(并未收藏于奥赛博物馆中)。画面中女子挺直腰背坐在长椅上,单手带着手套,阳伞横放于膝,与身体构成直角,裙角的褶皱犹如石刻。丈夫将手肘支在椅背上注视着她,面部倾斜,缺少细节。二人目光游移,姿势僵硬,衣着部分缺乏中间色彩的运用,线条如木刻版画般清晰深刻。在二人背后,冷绿色调的植物充满整个背景,它们几乎完全没有景深——就如同画中之画。


对比二者,在轮廓方面,雷诺阿似乎仍是与马奈一脉相承的。虽然在他最出名的那些作品中已舍弃了马奈的勾边方式,然而,物体与背景之间的分界即使和谐,却仍然分界鲜明。并且,在1883年后的七年间,他的风格似乎曾短暂地回到马奈那里——人物不再融入背景,而是清晰地呈现出轮廓的边界。其色彩也似乎更为干燥,更为“刚硬”。但在他艺术成就最高的那些作品中,他的用色柔和,朦胧,鲜润,呈现出典型的印象派特征——或者说典型的莫奈特征,这也许与他自1869年夏天起和莫奈的共同创作时期密切相关。在那些年间,他们曾聚在一起,面对同一片景色共同作画。自然,在这些构图相似的作品中,技法和侧重点上仍有显著的差异(如较为著名的两幅《青蛙塘》)。但作为同一画派的同伴,可以想见,二者对彼此的艺术风格都产生了难以避免的影响。

时间推移到1872年,作为印象派的代表人,莫奈的勾勒方式与马奈已产生了极大区别。1867年,在巨幅画《花园里的女人们》中,他尚且秉承马奈的风格:人物明亮而背景暗沉,刻意体现出固硬的、绝不互相渗透的光影关系。然而,在他1872年展出的著名的《日出印象》中,他已不再强调过前景和背景之间的边线,甚至有意要使它们合二为一。此外,虽然莫奈的用色和雷诺阿相似,但此外不同的地方是,莫奈的色彩更加柔和统一,更朦胧,有时已经取代了轮廓。在他的28幅系列画《鲁昂大教堂》中,呈现了在不同时间、不同光线下大教堂正面的斑驳色彩。教堂灰白的石壁,在光线的映照下显现出蓝色、橙色、金色、粉色与褐色等等不同的色调,远远看去,哥特式教堂特有的繁复饰柱似乎分明而清晰。然而倘若凑近观看局部,混乱的笔触则使人几乎难以辨认轮廓。这展现了莫奈令人惊异的色彩掌控力,因为这些颜色完全是在人眼中,而非在画布上汇合成辉煌的光影关系。它真正动人的地方在于,面对这么多幅相似的画,以及画上不同的光影,你知道它们在某 一时刻,在某种程度上是真实存在的。不是沉思默想,而是实在的、即刻的光线,赋予这面石壁变幻莫测的颜色。你知道从清晨到日暮,至少有28次,画家在鲁恩大教堂的同一角度支起画板,力求将流动的时间定格于此刻。而这一点又转过身去,唤起人们对安迪沃荷著名的鲜艳组画《日落》的印象——因为二者在形式上恰恰完全相反。在丝网印刷的帮助下,同一个日落以632种不同的方式滑入海平面下,其形式重复,统一,千篇一律,而其非现实的色彩,则几乎是从色谱中随机拣选的奇妙组合。我们究竟是观看了632天的落日,还是观看了632次同样的落日? 这些虚构的美妙色彩,捕捉的已经不再是现实的光影,而是一种象征。它是被消费欲望所映照的,瞬息万变的现代社会的投影。这些印版画,纵然五光十色,象征的却是一种对社会同质化的热烈拥护。如其作者安迪沃荷所言,“所有的可口可乐都一样好。”在1972年,在这场反传统、反精英、反古典的社会狂潮中,客观真理、内在意义和艺术中的“作者性”被同时消解了。艺术领域和现成品间的间隙被进一步缩小,并且,前者还在不断朝着意义的海平面下滑落。其时,波普艺术所受的“物化”、“空虚”、“非人性”的毁誉,与印象派画家们当年在巴黎举办的第一场画展的反响何其相似?然而,在波普艺术近乎虚无的立场映照之下,曾经同样作为现代艺术先锋者的莫奈,此时已几乎是一位形而上的偶像。——也许,对我们而言,这会是一个令人惊讶的事实:对《落日》而言,当这组波普艺术的著名符号在美术史中闪耀时,它和《日出·印象》的成画时间,不多不少,恰巧隔着一百周年。


HJEANH
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