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如何在摄影前后期，塑造照片的立体感？
世界是立体的，照片却是平面的。
要在一个二维空间里，表现出现实中的立体感，需要摄影师在前期等待合适的光线，或者在后期的时候，用本文的方法，进一步的塑造照片的立体感。
在《让照片更层次立体 - 浅谈摄影中空间感的构建》一文中，我讲到了如何提升照片的层次空间感。层次感指的是物体之间，能体现出远近前后的层次关系。
而本文的立体感，则更多的指的是物体本身。我们在前期拍摄的时候，会发现完全顺光、逆光的物体，立体感都会比较差。
而侧光、侧逆光、侧顺光的物体，立体感就会比较强烈。
同样都是热气球，为什么逆光的热气球会显得非常平面，而侧光的热气球却立体感十足呢？...
世界是立体的，照片却是平面的。
要在一个二维空间里，表现出现实中的立体感，需要摄影师在前期等待合适的光线，或者在后期的时候，用本文的方法，进一步的塑造照片的立体感。
在《让照片更层次立体 - 浅谈摄影中空间感的构建》一文中，我讲到了如何提升照片的层次空间感。层次感指的是物体之间，能体现出远近前后的层次关系。
而本文的立体感，则更多的指的是物体本身。我们在前期拍摄的时候，会发现完全顺光、逆光的物体，立体感都会比较差。
而侧光、侧逆光、侧顺光的物体，立体感就会比较强烈。
同样都是热气球，为什么逆光的热气球会显得非常平面，而侧光的热气球却立体感十足呢？
要理解立体感的来源，我们需要再次从美术中汲取营养，那就是三大面五调子。
三大面五调子起源于西方素描体系，表现了物体受光后的明暗区域划分，是表现立体感的重要手段。
三大面指的是亮面、暗面和灰面。
亮面是物体受光线直接照射的一面，在图像中一般是最亮的浅灰色、白色。暗面是背光的一面，所以一般是物体最暗的部分，显示出黑色、深灰色。灰面介于亮面和暗面之间，一般是侧光或者光线间接照到的部分，在图像中一般为中灰色。
一个物体有了亮面、暗面和灰面三大面之后，立体感会大大提升。而且亮面、暗面的亮度对比越强，光线立体感越强烈。
比如下图是一个球，由于球的各个区域都是一样的亮度，所以看起来是非常平面的。
我们要后期增加它的立体感，只需要通过加深减淡工具，让球的内部产生三大面就可以了。
我们可以使用加深工具，压暗球的左下角，让球有了暗面。使用减淡工具，提亮球的右上角，让球有了亮面。亮暗面交界的地方，自然过渡形成了灰面。
后期绘制三大面之后，球终于有了立体感。
我们可以进一步的提亮右上角，压暗左下角，提高亮面与暗面的明暗对比度，从而强化球的光影立体感。
所以我们要后期增加立体感，技术非常的简单。只需要用加深减淡的办法，画出或者强化物体的亮面、灰面和暗面就可以了。
下面一张照片，是巴基斯坦著名的川口塔峰，但是现在照片立体感还不够强烈。
所以后期我用加深减淡技术，提亮下图中用“1”标出来的地方，强化甚至创造出物体的亮面，压暗图中“3”标注的区域，后期进一步降低暗面的亮度。“2”所标注的区域，则自然的处理为了灰面。
有了对比更加突出的三大面，无论是云层，还是雪山，其立体感都大大增强了。
上面的三大面只考虑了单个物体本身。在很多的情况下，物体还会和周边物体相互作用，因此除了三大面之外，物体还会有更加丰富的明暗层次，那就是五调子。
五调子中，高光是物体最亮的点，是直接反射光源的部分，类似于三大面中的亮面。在一些光滑的物体表面，高光会特别的突出。突出物体的高光，不仅可以强化立体感，还能增加物体的质感。
亮灰类似三大面中的灰面，是间接受光的部分。
而物体的背光部，则分成了反光和明暗分界线。反光区域虽然处于背光侧，但是由于周围其他物体的反射光照射，也会有一定的亮度。我们在后期时，合理的在暗部中增加反光，可以让物体显得更具体积感。
明暗分界线，则是亮部到暗部的转折区域，一般是一条黑色的带状区域，在物体中表现为最暗的地方。
除了物体本身之外，五调子还增加了投影。投影是物体本身遮挡光线后，在其他物体上产生的阴影。
投影其实是用画面中的其他物体，解释了物体本身的立体感，会让物体显得更稳重、真实。在强烈的光线下，如果一个物体在近处的地面、墙壁上竟然没有投影，就会显得特别的浮、非常的假。
下面一张英国巨人之路的照片，你会感觉前景的石头非常的立体，远远比前面三大面的几张样片更加立体。这是因为这些石头，还有5调子的更加细腻刻画。
石头的“1”所在区域，是石头的高光部分，湿润的石头反光属性优秀，所以即使高光部分在后期被大大的提亮，也还是显得比较自然。而“2”标注部分，因为不是受到直接的光线照射，所以属于石头的亮灰部分。
画面中的“3”和“4”，标注的是石头没有受光的暗面。
真正让上图中石头立体感进一步提升的，还是反光和投影。石头上“5”号区域，因为紧邻旁边石头的亮面，所以有一些轻微的反光。进一步强化突出反光，可以让石头立体感更加突出。
而“6”、“7”标注的，则是石头在旁边石头上的投影，投影的存在更是极大的提升了立体感。
理解了三大面五调子，摄影师就掌握了提升照片立体感的钥匙。运用加深减淡工具，后期塑造照片的立体感其实很简单。
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【教程】摄影创作系列（下） 拍出属于你自己的创意大片
[图片]
灵感+思考+实践=创作
目录：
1. 从“一般”到创新的距离
2. 大师们都有什么好点子？
3. 实战分析：如何呈现你的创新？
本文有超清视频教学版本 主讲：Terry-F
优酷：http://v.youku.com/v_show/id_XMjY5Nzc4MjY2MA==.html?spm=a2hzp.8244740.0.0
B站：http://www.bilibili...
灵感+思考+实践=创作
目录：
1. 从“一般”到创新的距离
2. 大师们都有什么好点子？
3. 实战分析：如何呈现你的创新？
本文有超清视频教学版本 主讲：Terry-F
优酷：http://v.youku.com/v_show/id_XMjY5Nzc4MjY2MA==.html?spm=a2hzp.8244740.0.0
B站：http://www.bilibili.com/video/av9718887/
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可能很多喜欢拍照的人都听过这样的批评“我觉得这张照片的很一般”。
言外之意大概就是说这张照片基本合格，但是缺乏亮点，不能触动观众的情感和兴趣。
当你听到这样的批评话语时，千万不好灰心丧气怀疑人生。实际上包括我在内的绝大多数摄影师拍摄的大部分照片都只能放在“很一般”这个范畴。
例如笔者原先拍过的这张城市夜景：
作者：Terry-F
当我把这张前后用时超过6小时的照片发出来之后，却收到了不止一条“很一般”的评价，以至于一度怀疑自己是否适合拍照。然后在冷静思考之后，得出了以下结论：
“很一般”可能说明了你的片子具备以下几个要素：
·曝光准确
·构图合理
·画面清晰
这些要素也是一张合格的照片所需要达到的基本要求。
当然，也有可能只是给出评价的人比较有礼貌。
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1. 从“一般”到创新的距离。
在聊“一般”之前，我来看看什么是不合格的照片：
反例作者：又是Terry-F
高光过曝，构图惊奇，背景杂乱，抖动模糊。照片拍成这样，你距离拍出“一般”的照片还有很远的路要走。
对于每一个新人而言，首要任务就是具备能够拍出“一般”照片的能力。
照片“一般”并不是一件什么坏事，它至少说明了你不仅有能力驾驭器材，并且掌握了拍照的要领。
笔者早期拍摄的“很一般”的照片
出镜：龙崎
片“一般”也没什么值得羞耻的，这是每个摄影师以及爱好者的必经之路。这一步也必须踏踏实实走好。某些摄影师连这些基本技能都没掌握就开始玩弄玄学、狂舞构图乃至乱加特效，这样的东西或许能吸引一时的关注，但最终依然贻笑大方。
（因为观众对那些能力和名望不相符的人往往是不友好的）
或许有人会觉得创新只是单纯地存在于思想和内涵中，就像下面这些作品：
Erik Johansson
Laura Williams
Nicholas Scarpinato
而实际上，广义上的创新可以指画面中一切能让人眼前一亮的东西。
它可以是色彩
Jimmy Mcintyre
不一定非要丰富的色彩，也不一定非要鲜艳夺目，合适的搭配，把握好不同色彩之间的过渡，更能出彩。
它可以是情绪
疯子
挖掘模特表现力和内心活动，不一定要夸张的动作和泪水，更能够打动观众。
它可以是光影
Red Bull Photography
光造就影，找到合适的光源，搭配出合适的影子，不需要华丽的后期，同样可以出大片。
它还可以是构图
JesusToaChild-老陈
从常规的“端稳相机”到各种非常规的构图方式，巧妙地在有限的取景空间内思考环境和人物的关系，让构图独特且合理。
它也可以是“决定性瞬间”
阿四
用充足的理论知识和长期的练习积累经验，这一切的准备工作都是为了记录那个不寻常的瞬间。
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2. 大师们都有什么好点子？
当然，作为一名有追求的摄影师，思想和内涵上的创新也是你的必修课。例如下面两位摄影师的故事：
Jason Lee是一名婚礼摄影师，日复一日记录着别人的幸福，然而他两位可爱女儿的诞生打开了他创作的大门。
Jason Lee
Jason Lee
Jason Lee
他用夸张的手法将生活中的琐事记录下来，作品充满了幻想和童真，一方面从家长的角度去回味生活，另一方面从儿童的角度去观察世界，这一系列的作品不仅能够让观众产生共鸣和遐想，也让我们看到了作者对待摄影和生活的态度。
Oleg Oprisco原本在乌克兰的一个照片实验室工作，然后转行做了商业摄影师，然而很快她厌倦了商业摄影师的日常工作，于是逐渐转型为纯艺术摄影师。
Oprisco
Oprisco
Oprisco
Oprisco的作品具有非常鲜明的个人特点：面无表情（或略带忧伤）的女性；长得出奇的头发披向一边；清一色的方形构图；温柔的影调以及对物品夸张的表达。即使看起来有许多“超现实”流派的痕迹，但她的作品灵感多来源于对生活的观察和思考。
她的成功取决于她的刻苦。在一次采访中她说道“懒惰是摄影师最大的敌人。当你觉得自己的事情不顺利，照片不给力，客户不上门或是客户都很糟糕的时候，你总是给自己找千千万万的借口。而你需要做的是去分析你所做过的事情，留意自己取得成功的时刻，消除差错，然后不停拍摄...”
或许我们很难一下就成为像他们一样成功的摄影师，但是我们至少能够看出成就他们的两个要素：
·从生活中发掘灵感
·持续不断的努力
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3. 实战分析：如何呈现你的创新？
当你有了一个拍摄想法，接下来的一步就是去实现它，而大多数人都会在这个环节上遭受挫折，最终放弃或者草草收场。
而你需要的是谨慎的思考以及合理的安排，在此基础上长期练习、拍摄，最终形成一套自己的工作模式和思路。
这里用笔者亲身经历来说明。
我曾经有幸去围观一位老朋友的拍摄现场。他选了一片芦苇丛生的湖岸拍摄了一组以玩具风车为主题的作品。
三水水水炸了
风车实际上在这里并不是单纯的玩具，而更多地暗示了童真和轻松的格调。也引发了我的一个想法：如果这一片芦苇变成一片风车，那该是何等壮观啊。
于是就有了下图这个设想：
产生想法之后就需要根据各项准备工作的难易程度来规划准备步骤。
很多人会选择先去找模特，但实际上这一步要放在最后做。因为在和模特沟通的过程中，你不仅需要展示自己的想法，也要让对方知道你具备了实现想法的能力。
所以首先需要解决风车道具。笔者一开始是购买了大量的厚卡纸，和PVC管以及图钉万能胶喷漆等材料，计划制作风车。然而最终还是因为卡纸太软难以成型放弃了这个计划。
随后发现网络上有现成的大型风车售卖，于是购买了20只不同大小的风车。
下一步是选场地。根据设想，风车需要插在矮草上，草丛不能杂乱，最好是统一品种，这样草不会挡住风车，也不会喧宾夺主。但是苦于一直没有找到高度合适且背景开阔的草地，最终选择了鄱阳湖畔，高度较大的草地。
然后将风车结合构图思路错落有致地插到草地上，确保风车能够出现在前景和背景，营造层次感。
在准备的过程中，将单纯的风车+少女主题进一步提炼，尝试用统一的风车暗示平凡的生活，让出场人物扮演一个识图与众不同的风车。于是就有了下面的组图：
出镜：帅嘤嘤
出镜：帅嘤嘤
出镜：帅嘤嘤
除此之外，笔者还另外购买了一个防毒面具，借此机会拍摄了另一张雾霾题材的单图，并成功发表在1x首页。
不仅仅是这套风车的作品，笔者大多数作品都是用这种流程来完成的，这一流程包含：
·发掘灵感
·完善构思
·制定方案
·敲定场地、道具、模特
·择日拍摄
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结语
如果说思想是保持作品生命力的唯一方法的话，那么创新就是保持摄影师生命力的最佳途径了。我们可以从色彩、构图、情绪、光影、内涵等不同层面去挖掘，最终要使你的作品在某一方面（或多方面）出彩，这样才能摆脱“一般”的帽子。
在寻找灵感的过程中，虽然能在各方面全面创新是件好事，但无需过度担心与其他人使用了一样的元素。譬如风车这个元素，许多人都使用过。在笔者拍摄之前就有人涉足，而在笔者拍摄之后同样有人尝试创作，其中有精心打造的佳作，也有敷衍了事的随拍。而我们需要做的是针对特定元素找到自己的演绎方法、思想和内涵，加上具有个人风格的拍摄形式和后期流程，相信每个人都能够创造出属于自己的创意大片！
好的摄影作品，要学会引导读者的视觉
摄影是一种视觉的语言。一幅好的摄影作品，读者的视线一定是被控制在主体和兴趣点上，而不是被其他与主题无关的杂物所吸引。
今天的教程，托马斯会详细谈谈，摄影师都有哪些前后期方法，在照片中引导读者的视觉。
1. 反差引导
在生活中，引人注目的总是那些与众不同的人和事。同样在摄影作品中，那些与画面其他区域，有明显反差的元素，也会引起读者的特别关注。
一幅整体暗调的作品，画面中明亮的地方显得就格外突出。
比如下面这张Max Rive镜头中的巴塔哥尼亚，由于在晚上拍摄，整张照片亮度都很低。而恰到好处的拍摄时机，使得远处的罗伊峰被月光照亮，亮度比照片其他地方高出不少。
后期又通过进...
摄影是一种视觉的语言。一幅好的摄影作品，读者的视线一定是被控制在主体和兴趣点上，而不是被其他与主题无关的杂物所吸引。
今天的教程，托马斯会详细谈谈，摄影师都有哪些前后期方法，在照片中引导读者的视觉。
1. 反差引导
在生活中，引人注目的总是那些与众不同的人和事。同样在摄影作品中，那些与画面其他区域，有明显反差的元素，也会引起读者的特别关注。
一幅整体暗调的作品，画面中明亮的地方显得就格外突出。
比如下面这张Max Rive镜头中的巴塔哥尼亚，由于在晚上拍摄，整张照片亮度都很低。而恰到好处的拍摄时机，使得远处的罗伊峰被月光照亮，亮度比照片其他地方高出不少。
后期又通过进一步的加深减淡，运用亮度的反差来引导读者视线。相信大家第一眼看到这张作品的时候，也是一下子就注意到了明亮的主体山峰。
作者 Max Rive，maxrive.tuchong.com
暗调照片中亮的物体更突出。同样的，一张整体亮调的作品，画龙点睛的就是画面中暗的物体。
例如下面一张高亮度的雪地照片，画面中最吸引人眼球的，还是那3个亮度偏暗的人。
除了明暗反差之外，这张照片中还有一种隐藏的重要反差，就是人与自然的反差。千百年物竞天择的进化，让人类练就了一双，辨别出自然界中活物的火眼金睛。一张画面中有人的照片，通过人与自然的反差，就会吸引到不少注意力。
作者 Thomas，thomaskksj.tuchong.com
除了亮和暗之外，还有一个叫对比度的亮度属性。在一幅整体对比度偏低的作品中，那些高对比的地方是读者的关注焦点。
例如下图中，极光和山峰剪影的交界处，是全图对比度最高的地方，也是全图的视觉中心。
作者 Max Rive，maxrive.tuchong.com
一切可以形成反差的属性，都可以用来引导观者视觉，起到突出主体，画龙点睛的作用。
比如下图中，街道暖黄的光线，和雨中傍晚的蓝色冷调，形成了鲜明的对比，抓住了读者的目光，让照片显得更富表现力。
作者 Thomas，thomaskksj.tuchong.com
摄影新手常犯的一个错误，就是整张照片都是高锐度、高清晰度、类似HDR的充满了各种细节。
一张满是细节的照片等于没有细节，因为这些细节互相冲突，互相争抢着读者宝贵的注意力。
而一幅好的作品，常常强化了兴趣点的清晰质感，弱化了画面其他区域的细节纹理。
例如下图中，只有光线照耀的云层和岩石上，我进行了大量的质感突出和细节锐化，其他地方我都保持不动，甚至降低了清晰度对比度。
这样读者的视线自然而然，聚焦到了细节最多的那部分岩石上。
作者 Thomas，thomaskksj.tuchong.com
读者的视线，会习惯性的顺着画面中的线条进行移动。因此如果我们可以在前期取景时拍入一些天然的线条，或者后期处理时人为强化一些线条，指向我们的主体。这些线条就会成为极好的引导线。
作者 Max Rive，maxrive.tuchong.com
比如这张Max Rive的照片中，就使用流向远方的河流作为引导线，把读者的视线引向远方的雪山。
自然界中的小路，河流，草木等等形成的线条，都是极佳的引导线。比如下图中，极影AX摄影师史炎冰，就用岩石作为了天然的引导线。
作者 史炎冰，bangbing.tuchong.com
引导线除了那些明显的线条，还可以是那些隐含的指引关系。比如光线、人的目光、以及人手指的方向等等。
下图中，读者的视线会顺着人手指的方向，移向远方的景物。
作者 Max Rive，maxrive.tuchong.com
光线虽然并不是一根根明显的线条，但是也有很强的指引能力。一张有光源的照片中，那些被光线照亮的部分，都会获得读者额外的注意力。
作者 Thomas，thomaskksj.tuchong.com
下面这张照片中，有两条引导线指向山峰，你能看出来是哪两条吗？
作者 Thomas，thomaskksj.tuchong.com
一条是徒步者的目光，一条是倾泻而下的光线，都把读者引向形态奇特的山峰上。
框构图，可以把读者的视线限制在画框中间，从而强迫读者关注到画框之中的主体。
作者 Max Rive，maxrive.tuchong.com
Max Rive是一名运用框构图的高手，广角镜头下畸变的树木，既成为了充满视觉张力的前景，又作为画框，限制读者的视线，不要游离到画面之外。
作者 Max Rive，maxrive.tuchong.com
画框在自然界中无处不在，需要我们用心去发现和寻找。
作者 Pan Weihao，panweihao.tuchong.com
即便是瞬息万变的云雾，有时也能起到画框的效果。
作者 Thomas，thomaskksj.tuchong.com
一幅主体明确，兴趣点突出的好作品，常常会同时运用上面提到的多种引导手法。
作者 Max Rive，maxrive.tuchong.com
上面一张作品中，同时运用了框构图，以及明暗反差、冷暖反差的方式，让远处看起来很小的山峰，也显得格外突出。
作者 Max Rive，maxrive.tuchong.com
上面这幅作品中，明暗反差、冷暖反差，引导线（河流、树枝），和框构图（树木）都有运用到，500px的满分作品果然名不虚传。
作者 Max Rive，maxrive.tuchong.com
上面这张优秀照片中，除了冷暖、明暗反差之外，还用到了多达3条引导线。包括左边通过增加部分灌木饱和度，后期形成的一条引导线，中间河流形成的曲线，以及右边背包客的视线。
总而言之，合理应用反差、引导线和框构图三种方式，引导读者的视觉到照片兴趣点上，会让我们的摄影作品更加优秀。
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学会调色，从理解HSL面板开始
HSL是一种非常直观的色彩表示方法。ACR以及Lightroom中的HSL调整面板，更是我们后期调色的神器。
本文将从HSL面板的角度，带领大家学习和认识颜色。
很多朋友都听说过RGB颜色模型，即任何一种颜色，都是由红（Red）、绿（Green）、蓝（Blue）三原色以不同的比例相加而成的。
但是RGB模型对人类而言并不直观，比如我说一种颜色是由60%红，30%绿和90%蓝组成的，你应该很难想象出来，这到底是哪种颜色？
因此人们设计出了HSL色彩空间，来更加直观的表达颜色。HSL是色相（Hue）、饱和度（Saturation）和亮度（Lightness）...
HSL是一种非常直观的色彩表示方法。ACR以及Lightroom中的HSL调整面板，更是我们后期调色的神器。
本文将从HSL面板的角度，带领大家学习和认识颜色。
很多朋友都听说过RGB颜色模型，即任何一种颜色，都是由红（Red）、绿（Green）、蓝（Blue）三原色以不同的比例相加而成的。
但是RGB模型对人类而言并不直观，比如我说一种颜色是由60%红，30%绿和90%蓝组成的，你应该很难想象出来，这到底是哪种颜色？
因此人们设计出了HSL色彩空间，来更加直观的表达颜色。HSL是色相（Hue）、饱和度（Saturation）和亮度（Lightness）这三个颜色属性的简称。
色相（Hue）是色彩的基本属性，就是人们平常所说的颜色名称，如紫色、青色、品红等等。我们可以在一个圆环上表示出所有的色相。
色环上的0度、120度、240度位置，分别对应了RGB模型的红、绿、蓝三原色。原色两两混合形成了二次色。比如黄色（60度）就是由红色和绿色混合而成；蓝色和绿色则相加形成青色（180度）；品红（300度）则由红蓝两色组成。
原色和二次色之间，还有各种丰富的色相过渡，比如270度的紫色介于品红和蓝色之间。30度的橙色则是由红色黄色混合而成。
饱和度（Saturation）是指色彩的纯度，饱和度越高色彩越纯越浓，饱和度越低则色彩变灰变淡。
亮度（Lightness）指的是色彩的明暗程度，亮度值越高，色彩越白，亮度越低，色彩越黑。
我们把色相（Hue）、饱和度（Saturation）和亮度（Lightness）三个属性整合到一个圆柱中，就形成了HSL色彩空间模型。
HSL圆柱中的任意一个点，都对应了一种颜色。圆环上的度数代表了颜色的色相，离中轴的距离代表了颜色的饱和度，点的高度则对应了颜色的亮度。
在ACR（以及Lightroom）中，第4个调整面板 - HSL面板，就是基于HSL色彩空间的后期调色工具。
HSL面板由色相、饱和度、明亮度三个子面板组成。每个子面板中有8个滑块，分别可以对应调整图像中的8种色彩。
这8个调色滑块对应了我们前面讲过的红、橙、黄、绿、青（浅绿）、蓝、紫、品（洋红）8种自然界中的主要色彩。这样我们就能对照片中的不同色彩，进行分别的调整了。
我们调整红色的时候，不仅仅会影响色环上0度的准红色，还会影响到红色周围的偏红色相。
比如我在色相面板中，把红色滑块往右移动。这样照片中的红色，会往色环顺时针方向偏色，也就是偏向橙色。可以看到下图中，红色色相+100后，色环中红色及附近区域都变成了橙色。
如果把红色色相滑块往左移动。这样照片中的红色，会往色环的逆时针方向偏色，也就是偏向品色。可以看到下图中，红色色相-100后，色环中红色及附近区域都偏向了品红色。
绿色在色环中，顺时针方向是青色，逆时针方向是黄色。
因此如果我们在色相面板里，把绿色变成-100。色环中绿色以及周边色相，就全部偏向了黄色。
如果我们在色相面板里，把绿色变成+100。色环中绿色以及周边色相，就全部往青色色相偏移。
色相滑块往右移（加数值），颜色会在色环中顺时针偏色。色相滑块往左移（减数值），颜色会在色环中逆时针偏色。
理解了上面两句话，我们就学会了HSL的色相调整。
HSL中的饱和度面板很好理解。饱和度滑块右移，该颜色的浓度纯度增加。饱和度滑块左移，该颜色变灰变淡。
比如色环中的蓝色区域。
如果我们把饱和度面板里的蓝色滑块移到最左边，可以发现色环中的蓝色区域大大的变淡变灰了。
但是为什么蓝色区域没有完全变成中灰色呢？这是因为这部分色彩区域，不仅会被蓝色滑块作用，也会被紫色滑块影响。
如果我在饱和度面板中，把紫色滑块的饱和度也减到-100，可以看到原来色环上整片的蓝紫色区域，都变成了纯灰色。
最后一个HSL面板是明亮度面板，明亮度滑块右移，该颜色变暗变黑，滑块左移，该颜色变亮变白。
比如我把黄色的明亮度滑块移动到+100，可以看到色环中的黄色变亮了。
接下来托马斯会以下面这张照片为例，告诉大家如何用HSL面板进行调色。
在托马斯的VX公号 thomaskksj 后台回复关键词 “raw15”，可以获得本片raw文件的下载链接。
在调色之前，我们首先要弄清楚这张照片都是由哪些颜色组成的。
山体上裸露岩石，主要是橙色，以及少量黄色构成。天空和水面，主要颜色是蓝色和少量青色。地面上星星点点的红色小木屋，实际上受到红色和橙色共同作用。
比较复杂的是图中的绿色植物。近处山上被阳光照耀的植物，主要是黄色，其次才是绿色。远处山体上的深绿植被，则主要是大量绿色和少量青色构成。
首先我们在色相面板进行调整。黄色和绿色的色相滑块都往左移，让他们的色彩偏向黄色。这步主要是想把画面中绿意盎然的春色，变成橙黄的金秋色彩。
原来的天空偏青，所以我把蓝色滑块右移，天空海面的色相往紫色轻微靠拢。
照片中原来的绿色植被变成了黄色，天空从青蓝变成微微的紫蓝。
接下来是饱和度面板调整。这张图片我不仅想变成秋色，还想变成晚秋草木凄凉的枯败感觉。因此我降低了黄色和绿色的饱和度。
降低橙色饱和度，则是不想让岩石的色彩太过突兀。
蓝色和青色滑块我却向右移动，增加饱和度。这样天空和海面的蓝色就更加纯净浓烈了。
饱和度调整之后，草木惨淡，天空通透。
最后是明亮度调整。照片中的山体是由草木和岩石组成。我们可以通过明度分离，来让草木和岩石的边界更明显。
我降低橙色的明度，也就是降低岩石的亮度；稍微增加黄色亮度，也就是草木的亮度。这样山上的岩石和草木就完全区分了开来。
之后降低蓝色的亮度，天空和海面变得更加深沉耐看。
明亮度调整之后，岩石和天空亮度的减少让画面更加沉稳。
再来对比一下HSL调色前后，画面感觉大变样了。
当然我们还可以利用“目标调整工具”，更加简单直观的，对照片的HSL颜色属性进行调整。关于“目标调整工具”，我会在以后的视频教程中进一步演示。
1. 色彩是由色相（Hue）、饱和度（Saturation）和亮度（Lightness）组成的。
2. ACR和Lightroom中的HSL工具，由色相、饱和度、明亮度3个子面板组成，每个子面板有8个滑块，对应调整照片中的8种颜色范围。
3. HSL调色的第一步，是对照片中的色彩和对应物体做一个归类，之后我们就可以分别调整画面中不同色彩物体的色相、饱和度和亮度了。
更多关于调色的知识，欢迎参加我的知乎Live《Lightroom 后期调色》学习：
＊ 理解 RGB 、 CMYK 、 HSL
＊ 主色调的氛围
＊ 色彩搭配与视觉引导
＊ 色温色调
＊ 调色神器： HSL 面板
＊ RGB 曲线
＊ 色调分离和原色控制
＊ 练习文件 ＋ 实战处理视频
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