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古典音乐

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转载访谈:


格里高利-索科洛夫(Grigory Sokolov)首先是一位艺术家、其次才是音乐家、再是钢琴家。他是现今在欧洲几乎所到之处必定一票难求的钢琴演奏家(亚洲人比较少听过他的名字,因为由于他惧怕搭飞机,凡是需要搭飞机才能达到的国家和地区他通通拒绝前往。所以如果你想此生有幸现场听听他的演奏魅力就要亲自搭飞机到欧洲去找他了)!他是土生土长的圣彼得堡人,每年必定有连续三场在圣彼得堡专门为故乡的人准备的音乐盛宴。而每当大师的海报一张贴出来,每场近2000多张的票在一个星期内必定售罄(包括站票)。如果你没有现场听过他的手指所发出来的声音,你是不会相信钢琴还能发出如此缠绵和细腻的声...

转载访谈:


格里高利-索科洛夫(Grigory Sokolov)首先是一位艺术家、其次才是音乐家、再是钢琴家。他是现今在欧洲几乎所到之处必定一票难求的钢琴演奏家(亚洲人比较少听过他的名字,因为由于他惧怕搭飞机,凡是需要搭飞机才能达到的国家和地区他通通拒绝前往。所以如果你想此生有幸现场听听他的演奏魅力就要亲自搭飞机到欧洲去找他了)!他是土生土长的圣彼得堡人,每年必定有连续三场在圣彼得堡专门为故乡的人准备的音乐盛宴。而每当大师的海报一张贴出来,每场近2000多张的票在一个星期内必定售罄(包括站票)。如果你没有现场听过他的手指所发出来的声音,你是不会相信钢琴还能发出如此缠绵和细腻的声音! 索科洛夫已经成为了一个现象,而不是一个单纯的钢琴家。

他的曲目范围近乎“恐怖”:除了巴赫、肖邦、舒伯特、舒曼、勃拉姆斯,从文艺覆兴时期的伯德(英国作曲家William Byrd,1543-1623)、拉莫(法国作曲家Jean-Philippe Rameau,1683-1764),一直到1992年才去世的当代作曲家阿拉波夫(俄罗斯作曲家Boris Arapov,1905-1992)。唯对于李斯特,他表示“了无兴趣”。

业内大家几乎都承认:没有索科洛夫做不到的事情。无所不能的他既有炫技的资本,又可以调动起潮水一般的激情;他音色的颗粒感与纯粹感始终是那么完美——这种完美,指的是不加勉强外力而得到的自然运化。比如巴赫的c小调帕蒂塔里,古尔德是以永不间断的脉冲让人心脏砰砰作响的,索科洛夫却以适当的停顿与“透气”的呼吸,让听者沉醉于旋律的线条之美。你很难说哪个更伟大,也许他们真的同样伟大。

这篇访问的难得是因为索科洛夫一直深居浅出,极少接受别人的访问。每天除了看书就是练琴。到今天为止,在没有演出的日子里,他仍然每天练习八个小时以上!(译者)

现代著名钢琴演奏家格里高利-索科洛夫1950年出生于俄罗斯列宁格勒(现圣彼得堡)。并在这里完成了音乐附中的学习,曾师从于LEAH ZELIKHMAN 。1973年毕业于列宁格勒音乐学院,师从于MOISE KHALFIN 。12岁首度举行公开的演奏会,技惊全场。

1966年还是中学九年级的索科洛夫作为最年轻的参赛选手——刚刚勉强达到参赛年龄的最低要求16周岁——赢得了第三届柴可夫斯基国际钢琴比赛第一名与金质奖章。毫无争议的索科洛夫已成为世界级著名钢琴演奏家,他从未有为演出机会担忧的问题:总是有来自世界各地的邀约函如雪花般不断,让他应接不暇。其中莫斯科就是他一直想去却又经常失之交臂的城市,而伦敦自从获取签证需要通过指纹系统后索科洛夫几乎拒绝再进入这个城市演出。

索科洛夫的音乐会除了美国和亚洲以外,遍布在巴黎,维也纳,德国,慕尼黑,萨尔斯堡,罗马,马德里等欧洲各地。他的音乐会曲目近些年多选择独奏作品,向来在一年的演出行程里以准备一、两套新曲目为主.

索科洛夫弹奏的音乐表情也相当丰富,听得出来他仿佛借由钢琴在抒发个人情感,用黑白键表达他所有的喜怒哀乐,完完全全超脱曲子而成为独奏者的个人告白。索科洛夫的音粒触键相当具有「亮丽的完美感」,很多弱音的旋律演奏得相当梦幻,与李希特等权威相比毫不逊色,不过接受俄式训练的索科洛夫,在乐曲情感的宣泄上也是毫不保留,国外许多现场乐评对他最深刻的印象莫过于强烈的爆发力,因而有评论家认为他的演奏「融合了冰与火」。

这篇访问的完成几经周折。在2011年四月我像往常一样来到圣彼得堡肖斯塔科维奇爱乐大厅聆听索科洛夫的演奏会,当天是4月23日。音乐会结束后按照惯例听众来到后台向大师表示祝贺,其中不乏很多是来找大师合影和要签名的。我等著人群渐渐散去后终于走到了大师面前,向他表示由衷的祝贺。我们聊了大约15分钟后我征求大师的意见,是否可以允许我对他进行采访。大师回答我说,若是音乐会之前来找他或许还有可能,但是现在已经没有时间接受访问了。但是最后他答应我在明年他演出的前一天来找他,并会接受我的访问。

今年,我在他演奏会的前两天就搭车来到圣彼得堡。这一天是四月十一号,下午接近三点钟的时候,我来到爱乐大厅,大师正准备彩排。他看到我显得很亲热,允许我坐下来听他的彩排,并按照他对我的承诺告诉我可以在第二天对他进行采访。对大师的访问时间显然已经超过了他所能给我的范围——虽然进行了50多分钟,但是我仍感觉意犹未尽。大师告诉我说也许下次再见面时有机会可以继续我们的长谈。刚好今年秋天还将有一场索科洛夫的独奏音乐会,是为了庆祝圣彼得堡音乐学院成立150周年而特别举办的。也许届时我会继续我们今天的话题吧。

记者:很多年了,一直想访问您终不得机会。有一肚子问题想问您,我们看时间可以完成多少吧!听你的音乐会有一种强烈的感受——好像您在演奏的当下不受观众数量多寡的影响,一个或是一千对您来说没有什么差别;另一方面,您好像也不受限于何种环境何种演奏厅演奏。另外,对于在录音室录音和现场演奏录音,这两者之间的细微差别,对您来说又在哪里呢?

索科洛夫: 这个很简单,因为最大的阻碍存在于机器和个人之间,而一个人和一千个人之间不会存在这个问题。在哪怕一个人面前我也会是演奏的状态,我头脑里是有“观众”这一概念的。(索科洛夫坚持将现场音乐会拿来发行录音的原因,一场真实的、活生生的音乐会里才能迸发出来,录音室里的独语实在太过僵化。索科洛夫早在柴可夫斯基比赛中“稳定”到没有丝毫的纰漏就成为他的胜算之一了。当您听过他许多现场收音的唱片之后,就会觉得那股唯美而精致的音色变化,可都要让许多录音室唱片感到汗颜!译者注)

如果说我完全不受限制也是不对的,因为如果演奏厅里坐著一个人和坐著一千个人,其声效是完全不同的。可以说,我非常在乎这一点。基本上空场和满场的声效不会是相同的。很多时候,这之间的差别可能是南辕北辙的。从这个意义上来说,在音乐会之前的彩排基本是没有什么效果的。因为你无从知道坐满观众后,这个大厅的声效会是怎样的。当然,最理想的的情况是;在舞台上演奏时听到的效果和在观众席听到的是一样的效果。

记者:您刚刚谈到的是纯粹的声学原理。而我想说的是另一方面。

索科洛夫:我是一名钢琴演奏者。或是我只为自己演奏——哪怕我还没有学会的一首作品;又或者我是在向谁在演奏,这是两件完全不同的事情。

记者:有时候会有一种感受:当您演奏时,当您沉浸在乐思当中时,那一刻好像您更注重的是表达那个当下的感受,而不是太在意是否被观众领悟到。是这样的么?

索科洛夫:这个是当然的。因为我们之间的角色是清晰明确的——我是引导者,观众是接受者。如果这个关系反过来,角色互换,则是另一种情况了。也可以这样说:我有责任去引领听众进入到我的音乐当中来。当然,有些听众如果是没有内心预备的,他是不会被我的音乐触动的。若抱著“因为我今天感到疲倦,所以到音乐厅休息一下“的想法是绝对错误的。听音乐会是一种要花强烈心思去感受的活动,所以一场音乐会对台上的演奏者与台下的欣赏者而言,都同样是件艰难的任务——这里不仅仅是指我,而是所有的演奏家。如果一个演奏家——不论什么原因——无法带动听众,那么他对音乐的诠释就是毫无意义的。

记者:这么说您是“给予者”。但是否会有不如人意的时候呢?

索科洛夫: 有的。因为在音乐会进行当中会有许多小意外,会影响到我的演奏。

记者:我的意思不是指“意外”。而是说听众是否理解……

索科洛夫: 遇到这样的情况,我只能事先做好心理准备。比如说:咳嗽声——经常会有一些不合时宜,令人不那么愉快的声音。但是我知道,有些人是一种习惯,而当他屏住呼吸集中精神听音乐的时候,就会不小心地咳出声来。

我们经常说“听众”这个词。但是这里包含了多少不同的人!有些是有受过良好教育,有一定音乐修养的听众;有一些纯粹是喜欢音乐的人。这些人是内心有预备的来听音乐会的。当然他们自己并不自觉,但是确实如此。还有一些人,他们也许是第一次来听音乐会,不晓得将要发生什么事,只是懵懵懂懂的坐在那里。有很多时候,我在同一座城市,同一个演奏厅,甚至同一套曲目——听众的感受没有一次是相同的。

记者:您的演奏遍布世界各地——准确点说,是整个欧洲。在您的印象中,哪里的听众给您留下的印象最深刻呢?

索科洛夫: 这个问题不太恰当。要知道,听众永远是不同的。当然,有些城市的听众的确有比较高的欣赏音乐能力。这当然是有一些具有较高文化素养,或是有很好的音乐环境和学校的地方。甚至是很小的城市——那些渴望听到好音乐的听众们。

记者:那是否或多或少,听众会有一些不同国家不同民族的差异呢?比如说德国的听众或是英国的听众?

索科洛夫:没有。德国有很多不同的听众,英国人也是一样,俄国也是完全不同。但是我可以这样说:不同国家有不同时期对各种艺术种类的兴趣,但这是比较要花时间解释的问题。就在一段时间之前法国人的兴致大部分还在文学方面,而现在则转向了音乐。

记者:我有一种感觉,就是现在的莫斯科听众们好像又开始重新燃起了对古典音乐的热爱。很多音乐厅的票甚至在开始卖票的第一天就告罄了。而且来听音乐会的已不完全是音乐学院的学生们了,还有来自社会的许多热爱古典音乐的年轻人们。要知道,在前不久,还是一片萧条呢。您同意么?

索科洛夫: 我不认为“热爱”本身会消失到哪里去。在圣彼得堡这种“萧条”是现在没有,以前也不曾有过的。也许会是在莫斯科,但也许也未必。

记者:在莫斯科是显而易见的。

索科洛夫:本质上来讲,莫斯科,是戏剧中心;而圣彼得堡一直都是音乐之都。

记者:最近几年,您演奏会的曲目仅限于钢琴独奏。为什么您拒绝和乐队合作,还有室内乐的演出机会呢?要知道,这也是非常好的一种表演形式。

索科洛夫:要知道,无论是协奏曲还是室内乐都是非常好的音乐形式,也有很多不错的作品。但是假如我没有和乐队演奏哪首作品,总会有人补充的。但假如我没有演奏哪些独奏作品,对我来说总是一种遗憾。钢琴独奏作品之多,是我们这一辈子哪怕花了所有时间也只是学了其中一小部分而已啊!

至于为什么不和乐队合作。这个很简单,虽然解释起来不那么容易:第一,我要的是以我对音乐的理解为出发点的;第二,好像可以“规规矩矩”演奏的乐团不那么容易找到,虽然可以找到真正热爱和感受到音乐的指挥家。最后那几年,我只和真正热爱音乐的指挥家合作。

钢琴伴奏也是音乐。且需要的注意力决不亚于演奏一首交响乐。而且选择一位合作的音乐家当然比选择大乐队要容易得多。在谈到艺术范畴的很多时候,我们经常用到一个词“PLAY”。但是更多时候我们需要的是“WORK”。比如说:在音乐学院“WORK”——这是指工作;在乐队“WORK”——但经常演变成单一的谋生手段。而如果从事艺术成为谋生手段的话,这就是一个悲剧。说到这儿,让我想起了我听说的一个趣闻:有一次乐队正在彩排一首新的作品,这时一位乐队总监站起来说:“到时间了!”,而这时仅剩下最后一页的乐谱尚未演奏。指挥说:“我知道。但是您不想听听这首作品的结尾是怎样的么?”回答是:“不!”。

除此之外,在我有一些个人的看法:在两个小时的音乐会中,演奏的曲目涉猎的越丰富有时就越会收到良好的效果,好过演奏一首长达半个小时的作品。 有些钢琴家认为演奏的质比量重要,演奏曲目比较狭隘。我不认为他们是“会”弹钢琴的人。

记者:您刚刚谈到了涉猎丰富的曲目量的问题。但是在您的演出季里,通常音乐会曲目却是重複不变的。您怎样解释这之间的矛盾?难道您有所保留么?

索科洛夫:要知道:我们在家里永远比在舞台上弹得要多得多;在家里可以安安静静的一个人,好好的研究,慢慢的琢磨——但这不能称之为“演奏”。可以更进一步的说,在观众面前演奏过一次的作品也不叫做真正意义上的演奏。而真正意义上的学习阶段正是始于第一次当众演奏后。演奏不应该是每一次都机械的重複同样的内容,而应该是新鲜的,有生命力,有创造力的。

我举一个例子:舒曼有一首五个乐章的奏鸣曲,(舒曼《f小调第三钢琴奏鸣曲》Piano Sonata No.3 in f Minor Op.14 ,作于1835年,题献给莫舍勒斯。当作品出版时,据说出版商曾建议舒曼将这首乐曲的标题命名为“没有管弦乐队的协奏曲”Concerto Without Orchestra 。这是舒曼作品中十分罕见的特别注重外表华丽效果的作品,其规模也比前两首奏鸣曲庞大,同时也强调了乐曲的幻想性和华丽性,要求有较难的钢琴演奏技巧。译者注)我在做这些不同变奏的音乐处理时,更多的是突出表现音型之间的变化与不同。而如果可以每次都发现并做到所有细腻的变化和差别将是非常有意思的过程。

我对所有演奏的作品在台上演奏时都会倾注我的所有。我在意的不是尽量表现的如何的多,而是让它按照自己该有的轨迹去走。当然,这个轨迹是有局限性的。有些听众听了我在不同时间段的音乐会,他们感觉到了其中的不同。有些甚至告诉我说,他们比较了几场的现场录音——“不同的演奏厅,不同的时间,但曲目相同。听起来竟可以是大相径庭”。这一点我完全明白。但还有一些外在的因素——正如我们前面谈到的关于听众群的不同而带来的影响——我不能预见明年同样的曲目在慕尼黑和圣彼得堡演奏会是怎样的情况。

记者:2010年您在圣彼得堡的两场音乐会——一场在爱乐大厅,一场在格林卡小厅——时间相隔一天,您的曲目是完全相同的。我可以这样理解:这是两场完全不同的音乐会么?

索科洛夫:这两个演奏厅从环境到声音效果完完全全的不同。而且我用的不同钢琴——要知道,即使是同一台钢琴,同一个演奏厅,在不同的时间里也不太会是完全一样的声音和效果。更不要期望哪怕是同一台钢琴,在第二天会出现有同样的效果。

我曾经有过三天连续弹三场音乐会的经曆。那台钢琴在三天里面一直跟著我。第一场音乐会之前我告诉调律师需要做某些调整。第二场音乐会的钢琴状态非常好,达到了我所要的效果——有一种合二为一的感觉,不,应该说是集三者为一体了:我,钢琴,调律师。所有一切都那么完美!而当第三场音乐会前当我坐下来的时候,我竟然完全不认识它了。它完全变了!虽然说不清是什么原因影响到了它——哪怕一点点的变化都可能引起音质的不同。钢琴虽然庞大,但是同时又非常的脆弱和敏感。它对哪怕一点点温度,湿度的改变都会立刻感知得到。有些演奏厅使用冷气,有些不用;而又有很少情况,音乐厅里是完全听不到冷气机运作的声音的……在舞台上可能发生所有的事——任何事!而事先的了解和不断地检查是一场完美音乐会的关键。

记者:您是否在选择钢琴上有一些自己的的原则和偏好?对调律师呢?

索科洛夫:我的想法:我很清楚当演奏开始的时候,我们就是一个整体。最理想的状况是——我不需要强迫钢琴去做我想要的一切,我们彼此应该有很好的了解。不断地检查是一场完美音乐会的关键。比较明显的例子就是,有些学生在演奏的时候经常会去“敲”琴,而钢琴也不会对他“以礼相待”,自然更不会有什么所谓的声音了。

记者:不要把钢琴当作是打击乐器……

索科洛夫:有时候是需要的。作曲家有时候就是把钢琴当作打击乐器来用的,但是不能说你就可以去“打”它。演奏有时候甚至是需要用整个拳头去弹奏的,但是前提是他必须要明白爲什么,要表达什么,并去感受它——说到这里,这一个部分是需要调律师尽量把钢琴的状态调到最好。

记者:我还记得1998年,那是您最后一站在莫斯科的演奏会。音乐会结束后我们就站在那里聊了一个半个多小时关于钢琴的话题。您给我讲了在汉堡施坦威公司选琴的过程,花了您很多的时间。

索科洛夫:要不然呢?要知道,在往后的很多时间里,我要和这台钢琴多密切的打交道啊!我从不相信哪位音乐家可以毫不在乎他的乐器。(他对于一架史坦威的认知,不输给许多钢琴调音师,面对一架全新的钢琴,索科洛夫做的第一件事就是弄懂其中的结构、材质等,接著才会去弹奏它,有时候在音乐会之前的整个下午,索科洛夫并不把时间花在研读总谱上,而是尽可能多的了解晚上他即将要演奏的那架钢琴。索科洛夫对乐器事前检查的挑剔程度,在同业中可谓无敌。(或许如Krystian Zimerman这种音色派钢琴家才足以力拼,他必须确保上台之前,钢琴的每个音符所发出来的音色都要让自己满意才行。译者注)

记者:不是别人不在乎,也许不像你对乐器这样挑剔。

索科洛夫:也许吧。我的确比较在意我和乐器的“合一”。

记者:您现在几乎不演奏现代派音乐了。请问这是为什么?

索科洛夫:我只演奏“现代派音乐”。要知道,好的音乐不应该有时间和空间的限制。有些音乐今天写出来的,但很快就被遗忘了,不存在了!这才叫做“古老的”,或是可以称作“过时的”音乐。我不知道明天会有多少听众来听音乐会,但是这些“现代”人来听“现代”钢琴家演奏。这就说明那些正在被我们演奏的音乐就是具有生命力,鲜活的音乐。它仍然是有意义,可被理解的。所以好的音乐是不会受时间的限制的。

记者:您怎么理解拉莫,库普兰的音乐?那一时期追求的是宫廷式的音乐文化。

索科洛夫:他们对于我的意义不亚于巴赫和勃拉姆斯。都是伟大的音乐家。对于这些作品更多的取决于演奏者如何去诠释。没有任何的记录,可以证明当时的音乐只限于在宫廷里演奏。那时的音乐家到处都是,有些皇宫贵族也会饶有兴致的演奏一些自己创作的作品,虽然谈不上是经典之作,但那时的音乐氛围即是如此。相对而言,现在的音乐环境变得更加平易近人,更加大众化。我个人认为,当代钢琴家演奏给当代的听众听,这样的音乐就是“当代音乐”。

记者:我是指那些现在仍在创作,或是不至于时代太久远的作曲家。

索科洛夫:那些“正在创作“的音乐家作品不会出现在我的曲目表里。

记者:那阿尔弗莱德·施尼特克(Alfred Schnittke,1934-1998,苏联作曲家)呢?

索科洛夫:可他的作品不是现在创作的。

记者:我的意思不是说这个当下,而是指近些年的。

索科洛夫:请问您指的“近些年”是什么范围?

记者:最近的三,四十年。

索科洛夫:好的音乐永远可称为现代音乐!比如说:勋伯格。尽管他的音乐已经写了将近100年了,但仍被归类为“现代派音乐“。我本人就很喜欢勋伯格的作品,我经常演奏他的作品。

记者:如果不是秘密的话,能否告诉我们您接下来的计划?

索科洛夫:这不算是什么秘密,是一种折磨——每当我费尽脑筋去组织新曲目表的时候总是最头痛的。让我觉得痛苦的是需要很快做决定这件事。同样对经纪人也是如此。在欧洲的演出前,我的节目单上常会有这样的字样:曲目待定。经常是曲目在月初敲定,而月尾的时候我已经要在演奏会上演奏它了。而最终选择下来的曲目,是我在那个当下最想去演奏的作品。除了这个强烈的愿望之外,对我来说不能不设想和安排作品与作品之间的内在联系和逻辑。总之,曲目表上的作品是需要被合理架构起来的。

记者:您刚刚讲过对于曲目的合理架构,可以详细讲解一下么?

索科洛夫:演奏会之前我也无法告诉你整体音乐会曲目听下来会如何。也许很好,也许有欠缺考虑而导致失误的曲目安排。我所谓的“合理”,很难用语言形容出来。它是内在的一种联系,也是一种感觉。当然,如果一定要讲出了的话,“合理”最基本的是体现在如何安排调性上。

经常要注意的是:在邻近的两首作品安排上,不要有不和谐音的情况出现。去年的一场音乐会上,一个极糟糕的情况是:一首F major的巴赫意大利协奏曲,接著就是B minor的法国序曲。这之间出现了三全音,而这对于巴赫来说是最忌讳出现的。还有一种是小二度的,听起来也是不那么愉悦的。

记者:您在钢琴上演奏了很多羽管键琴和古钢琴的作品。听得出来,您并没有试图要去模仿古钢琴的音色。

索科洛夫:如果有人试图在钢琴上模仿古钢琴的音色,那么他就应该直接去弹古钢琴,而不是在钢琴上弹奏。一个钢琴演奏家若不能理解和明白这些作品是给当时那个乐器所做的——不同的音色和触键的要求——而没有正确的方法和技巧去诠释出来,就是不对的。

有很多人问:是否可以在现代钢琴上演奏巴赫?要知道,巴赫的作品是为古钢琴和羽管键琴而做的。而巴赫几乎所有的作品都是在羽管键琴上创作的,他曾尝试在那个时代刚刚出现的钢琴上创作,但是他不喜欢。贝多芬创作的时候用的钢琴也不同于我们现在的钢琴。肖邦也是不一样的。钢琴一直在演变中,无论从触键的深度,琴键的重量和张力方面都有所改进。

有时你会发现贝多芬手稿中对某些指法的安排我们简直没有办法,很多手很大,手掌很宽的人也无法胜任。原因是那个时代的琴键宽度远远不及现代钢琴。在肖邦时代,琴键深度为7.4mm,晚些时候则是9.85mm。现在超过了10mm,有的甚至是11mm。不同时代的钢琴就要有不同的表现力,不要试图混淆。

记者:现在有一些对于钢琴或是古钢琴有一些普遍的争议。好像更多人推崇用古钢琴。难道300年前的乐器真的在现代音乐厅中可以适用么?

索科洛夫:我认为古钢琴虽然是时间久远的乐器。但是若有必要,同样可以在大的演奏厅里为音乐会所用。但是前提是一定要有极好的声效。像是意大利威尼斯凤凰歌剧院,虽然是歌剧院,但是演奏器乐,声效同样完美!

记者:您现在依然选择施坦威钢琴么?你认为还有更好的选择么?

索科洛夫:要知道,有时候用一件乐器也会养成一种习惯。何况,在现今所有大型演奏厅里几乎都配有施坦威钢琴。当然,这并不是说施坦威就是唯一最好的选择。即使都是施坦威也还要经过仔细的选择和调律师的工作。




古水

*sound of maestro*(大师原声)
*clavier sentiment*(黑白柔情) 之
舒曼「幻想曲集」
之 “傍晚”
(Fantasiestücke, Op. 12 - I. Des Abends)

        自幼对文学作品的痴迷及个性中的纤细敏感,使得罗伯特·舒曼(Robert Schumann )的音乐带有强烈的幻想色彩,在其钢琴作品中这种...

*sound of maestro*(大师原声)
*clavier sentiment*(黑白柔情) 之
舒曼「幻想曲集」
之 “傍晚”
(Fantasiestücke, Op. 12 - I. Des Abends)

        自幼对文学作品的痴迷及个性中的纤细敏感,使得罗伯特·舒曼(Robert Schumann )的音乐带有强烈的幻想色彩,在其钢琴作品中这种情绪化特点被表现得尤为突出,三组以“幻想曲”命名的编号作品则更是将其新颖大胆的乐思构想发挥到了极致。
        完成于1837年的「幻想曲集」,由8首情绪各异而又源自同一动机的钢琴小品自由串联而成。舒曼精神世界中对立的两极藉“尤瑟比乌斯”和“弗罗列斯坦”这对虚构的孪生兄弟得以展现,时而沉静内敛逡巡于梦幻世界,时而热情张扬驰骋在人生舞台,彼此互不相见,却又始终如影随形。对以炫目音效技巧哗众取宠持批判态度的舒曼,主张用朴素真挚的音乐语言打动听众,在这部「幻想曲集」中,中音区的主体地位得到最大限度提升,以更接近人声的音区强调听觉层面舒适与亲切感,而工整的主题呈示和织体结构,进一步反映出作曲家音乐创作的诗歌化倾向。第一首“傍晚”,降D大调,被舒曼描绘为夜幕初上时的静谧景色,缥缈朦胧而又深邃幽远,仿佛是化身为尤瑟比乌斯的作曲家从现实步入梦境的序奏,予人无尽遐想。
        尽管作曲家将这组作品题献给好友-苏格兰女钢琴家安娜·罗蓓娜·雷德洛(Anna Robena Laidlaw),然乐曲中时时流露出对爱情之思慕和憧憬,则毫无疑问指向了心中的女神克拉拉,当沉浸在热恋中的两人被老维克强行拆散,彼此的相思之苦在这些充满幻想气质的诗意小品中暂得片刻安慰,好似鸳梦重温前的短暂黑夜,孤寂地企盼黎明曙色到来......
        推荐俄罗斯女钢琴家Elisso Wirssaladze的演绎录音,有着“涅高兹学派的光荣”之誉的艾丽索,自幼追随身为钢琴教授的祖母学习钢琴,同时有幸受到那个时代最杰出的俄派钢琴大师们的亲手指点,令她的音乐观和人生观不受名缰利锁牵绊,表现出这个时代中罕有的纯粹与质朴,她的舒曼诗意而不失偶有的歇斯底里,相比德奥学派大师们的诠释,别有一番值得细细咀味之趣! 

演奏: 艾丽索-维莎拉杰***          
       
 (Elisso Wirssaladze)

Yü

新的一年,从新的冷笑话开始。

新的一年,从新的冷笑话开始。

助攻鲸的旮旯底

【微安利List】朋友们,假声男高音了解一下?

最近一直在摸,就做微型安利列表混更:

那些一听难忘的假声男高音

 

假声男高音一直是我X癖很喜欢的声音类型,提起了就想安利。这个List里会有一些很常见的曲目,类似勃拉姆斯的《摇篮曲》,舒伯特的《万福玛利亚》,格鲁克的《我失去了我的优丽狄茜》,维瓦尔第的《Nisi Dominus》,莫扎特的《你可知什么是爱情》等……

[图片]
PS:不知道为什么很多人下意识地觉得假声男高音很多是给,并没有啊,知名歌手里确定是给的就只有澳大利亚歌手David Hansen,上图右上角那位……【不,我放这张图是想说明大家不觉得他们颜值都很能打吗……


关于假声男高音的一些信息请联动我之前...

最近一直在摸,就做微型安利列表混更:

那些一听难忘的假声男高音

 

假声男高音一直是我X癖很喜欢的声音类型,提起了就想安利。这个List里会有一些很常见的曲目,类似勃拉姆斯的《摇篮曲》,舒伯特的《万福玛利亚》,格鲁克的《我失去了我的优丽狄茜》,维瓦尔第的《Nisi Dominus》,莫扎特的《你可知什么是爱情》等……


PS:不知道为什么很多人下意识地觉得假声男高音很多是给,并没有啊,知名歌手里确定是给的就只有澳大利亚歌手David Hansen,上图右上角那位……【不,我放这张图是想说明大家不觉得他们颜值都很能打吗……


关于假声男高音的一些信息请联动我之前的一篇文章:戳这里

我就不再复制黏贴一遍惹~

ssound
索科罗夫(Grigory So...

索科罗夫(Grigory Sokolov) 是一位当代杰出的钢琴家,却也是最特立独行的钢琴家。他热衷于现场演奏,并拒绝在录音室录音 ,问世的录音基本都是现场演奏收音,却仍能在全世界拥有无数死忠乐迷 。而无论音乐会或是唱片中,索科罗夫向来以独奏闻名,而这份录音则是罕见地与管弦乐团合作,演奏肖邦的钢琴协奏曲。本专辑于1977年11月在慕尼黑的Bürgerbräu完成录音工作,由Witold  Rowicki指挥慕尼黑爱乐管弦乐团。原本是由西德Eurodisc唱片公司发行。 当时是黑胶版本,如今原始母带经过全新...

索科罗夫(Grigory Sokolov) 是一位当代杰出的钢琴家,却也是最特立独行的钢琴家。他热衷于现场演奏,并拒绝在录音室录音 ,问世的录音基本都是现场演奏收音,却仍能在全世界拥有无数死忠乐迷 。而无论音乐会或是唱片中,索科罗夫向来以独奏闻名,而这份录音则是罕见地与管弦乐团合作,演奏肖邦的钢琴协奏曲。本专辑于1977年11月在慕尼黑的Bürgerbräu完成录音工作,由Witold  Rowicki指挥慕尼黑爱乐管弦乐团。原本是由西德Eurodisc唱片公司发行。 当时是黑胶版本,如今原始母带经过全新处理,并由sony首度发行CD和SACD。


我特地找到了cd版,录音出乎意料的好,比美那三张DG的唱片,真心好听!绝对值得赶紧收藏一张。

助攻鲸的旮旯底

今天继续刷无限池,想找一部长一点的歌剧刷一遍,想了想,就柏辽兹的《特洛伊人》吧。结果打开2009年这版捷杰耶夫指挥瓦伦西亚皇后歌剧院交响乐团的,几秒钟内我怀疑自己走错了片场:

请问我是在看星战吗?这不是特洛伊战争吗?为什么你们的装备是这样的?千万别告诉我后面那个长得像高达一样的东西是特洛伊木马……什么它还真的是?

然后一路看下去全是各种奇妙的cult元素:

  • 你甚至可以在歌剧院看拳皇争霸塞

  • 被用拘束衣倒吊起来唱歌的赫克托耳亡魂

  • 特洛伊女人自杀时一个个糊上半透明幕墙的血手印

  • 科技树爆表迦太基

外加全剧含有各种不太可描述的成分,令人不禁哀嚎你们别这样,西兰花是个很清纯的...

今天继续刷无限池,想找一部长一点的歌剧刷一遍,想了想,就柏辽兹的《特洛伊人》吧。结果打开2009年这版捷杰耶夫指挥瓦伦西亚皇后歌剧院交响乐团的,几秒钟内我怀疑自己走错了片场:

请问我是在看星战吗?这不是特洛伊战争吗?为什么你们的装备是这样的?千万别告诉我后面那个长得像高达一样的东西是特洛伊木马……什么它还真的是?

然后一路看下去全是各种奇妙的cult元素:

  • 你甚至可以在歌剧院看拳皇争霸塞

  • 被用拘束衣倒吊起来唱歌的赫克托耳亡魂

  • 特洛伊女人自杀时一个个糊上半透明幕墙的血手印

  • 科技树爆表迦太基

外加全剧含有各种不太可描述的成分,令人不禁哀嚎你们别这样,西兰花是个很清纯的男人每每写到那什么就要拉灯的!

疑似苹果是赞助商,Macbook硬广频繁出现,希腊士兵还从高达上搬下来好多台笔记本……

不说了,B站有中字大家看一看看不了吃亏看不了上当,绝对是令人飞升的4小时:

柏辽兹歌剧: 特洛伊人

ssound
莫扎特那个年代实际用的还是fo...

莫扎特那个年代实际用的还是fortepiano,现代钢琴还没诞生。


荷兰钢琴家Ronald Brautigam,运用Fortepiano的完美演绎,听来别有一番风味。

莫扎特那个年代实际用的还是fortepiano,现代钢琴还没诞生。


荷兰钢琴家Ronald Brautigam,运用Fortepiano的完美演绎,听来别有一番风味。

ssound

了解一下fortepiano

简要地介绍几个钢琴有关的键盘乐器:大键琴(harpsichord)、小键琴(clavichord)和fortepiano. “古钢琴”这个词其实是一个相当失败的翻译,而目前也没有人知道谁是它的始作俑者。这个词的指代十分混乱,在没有具体说明的情况下,很难知道“古钢琴”具体指的是harpsichord还是clavichord,有时甚至可以是fortepiano,以上这些词都没有统一规范的中文翻译,但是这些乐器在西洋古典音乐中的地位都十分重要。 


大键琴 大键琴这个翻译是比较常见的,尤其是在台湾。这个翻译可以接受。另一个常见的译名是“拨弦古钢琴”,这个词反映了...

简要地介绍几个钢琴有关的键盘乐器:大键琴(harpsichord)、小键琴(clavichord)和fortepiano. “古钢琴”这个词其实是一个相当失败的翻译,而目前也没有人知道谁是它的始作俑者。这个词的指代十分混乱,在没有具体说明的情况下,很难知道“古钢琴”具体指的是harpsichord还是clavichord,有时甚至可以是fortepiano,以上这些词都没有统一规范的中文翻译,但是这些乐器在西洋古典音乐中的地位都十分重要。 



大键琴 大键琴这个翻译是比较常见的,尤其是在台湾。这个翻译可以接受。另一个常见的译名是“拨弦古钢琴”,这个词反映了这个乐器的发音原理,但是容易让人产生误解,认为这个乐器就叫“古钢琴”。大键琴的英文是harpsichord,根据牛津词典的解释,这个词是在1610年左右由法语词harpechorde和拉丁语词harpachorda演变而来,意为“竖琴的弦”。大键琴通过用鸟类的羽毛管或皮革制成的拨片拨奏琴弦发声,音色十分纤细,和吉他的音色有几分像,音量不大,但有一种独特而高雅的贵族气质。但是,这种乐器不能像现代钢琴那样演奏出力度变化(通俗地讲,不能改变音量)。这个乐器大约产生于中世纪后期,广泛应用于文艺复兴时期和巴洛克时期的音乐中,不过,它一直是作为伴奏乐器使用【用在通奏低音(continuo)中,通奏低音由大提琴、低音提琴和大键琴组成,它们演奏相同的音,但大键琴演奏者可以根据作曲家指定的和声对伴奏的旋律织体自由发挥。作曲家在写通奏低音时不会把大键琴演奏者要弹的音都写出来,而只是简单的标注一些提示和声的数字,所以通奏低音也叫“数字低音”(figure bass)】,直到巴赫写出了《第五勃兰登堡协奏曲》(德语:Fünftes Brandenburgisches Konzert, BWV 1050),这是大键琴首次作为独奏乐器出现在西方音乐的历史舞台上。巴赫写的键盘乐器作品,除了管风琴外,都是大键琴的作品,只是今天大多数钢琴家都用钢琴来演奏它们而已。除了这首,巴赫的《平均律键盘曲集》(德语:Das wohltemperierte Klavier)、《哥德堡变奏曲》(德语:Goldberg-Variationen, BWV 988)、《意大利协奏曲》(德语:Italienisches Konzert, BWV 971)以及《二声部和三声部创意曲集》(德语:Inventionen und Sinfonien)等作品直到今天都是脍炙人口的键盘名作。


随着钢琴的出现,大键琴的地位逐渐下降,整个19世纪,大键琴已经完全被钢琴取代。20世纪时,有一些音乐家发起了古乐运动(historically informed performance, HIP),提倡运用作曲家所处时期的古乐器(period instrument)和演奏技法来演奏那个时期(尤其是巴洛克时期和古典主义早期)的音乐【这并不意味着演奏出来的音乐一定比用现代乐器演奏的好或者标准,事实上,古乐运动也受到很多学者的质疑】,大键琴才逐渐复兴,并诞生了兰多芙斯卡(Wanda Landowska)、莱昂哈特(Gustav Leonhardt)、平诺克(Trevor Pinnock)、库普曼(Ton Koopman)等大键琴演奏家。



小键琴 小键琴大约于14世纪初产生。据说,clavichord翻译成小键琴是因为clavichord的琴键比harpsichord的小,所以harpsichord就翻译成大键琴,不过这个说法还有待考证。另一个译名“击弦古钢琴”同样也说明了它的发声原理,但也是不太妥当的。clavichord一词来自拉丁语clavis(意为“琴键”)和chorda(意为“琴弦”)。它通过铜块敲击琴弦来发音,从这一点上讲,现代钢琴的发音原理与小键琴的发音原理更接近一些。而且它能演奏出幅度不大的力度变化。


小键琴在16到18世纪十分流行,但主要在德语地区、斯堪的纳维亚半岛和伊比利亚半岛。1850年的时候也已经完全被钢琴取代,但后来人们又逐渐对这个乐器产生了兴趣。在过去的70年里,有400多张唱片都是小键琴演奏的音乐,主要是文艺复兴、巴洛克和古典主义时期的。


Fortepiano fortepiano可以理解成是早期的钢琴。“克里斯托佛里(Bartolomeo Cristofori)于1710年左右发明了钢琴”,这句话中的“钢琴”其实指的是fortepiano,而不是我们今天所说的现代钢琴。而且,fortepiano是一类琴,这一类琴中有可以分为很多种,每种都有区别,但这里由于篇幅有限,无法一一介绍。


fortepiano这个词,可以指代1700年到19世纪早期所有的钢琴,但更多的时候指的是海顿、莫扎特的钢琴作品以及贝多芬早期的钢琴作品中所用的钢琴。从贝多芬开始,fortepiano不断进化,最终在19世纪末变成了今天的音乐会三角钢琴。 fortepiano这个词在意大利语中是“强-弱”的意思,就像钢琴(pianoforte)是“弱-强”一样。这两个词都是克里斯托佛里发明“钢琴”(当时,克里斯托佛里把他新发明的乐器叫做gravicembalo col piano e forte,即“有强弱变化的大键琴”)时所用的名字。不过,用fortepiano这个词来指代早期的钢琴的用法出现的比较晚。在早期钢琴流行的时代,fortepiano和pianoforte两个词经常可以互换。比如,简·奥斯汀的很多作品中出现的“pianoforte”一词,实际上就是现代人所说的fortepiano.

fortepiano可以演奏力度变化,但是音色比现代钢琴更柔和,共鸣效果也不如现代钢琴,而且在各个音区的音色也略有差别,不像现代钢琴的音色在各个音区都是统一的。 著名演奏家:Paul Badura-Skoda, Malcolm Bilson, Ronald Brautigam, Robert Levin, Steven Lubin, Bart van Oort, Melvyn Tan(陈万荣).



古水

*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
希尔德加德「玫瑰花开」
(Hildegard von Bingen: Vos flores rosarum)

        宾根的希尔德加德(Hildegard von Bingen 1098.?.?-1179.9.17)被公认为欧洲中世纪最具传奇色彩的女性人物之一。身为德国本笃会女修道院院长,希尔德加德除了不遗余力传播主的福音,更在哲学、天文、医学、艺术等领域建树颇丰,令同时代男性为之汗颜。希尔德加德自称在其幼年时代便能目睹许多常人...

*miracle of the voice*(声乐之魅) 之
希尔德加德「玫瑰花开」
(Hildegard von Bingen: Vos flores rosarum)

        宾根的希尔德加德(Hildegard von Bingen 1098.?.?-1179.9.17)被公认为欧洲中世纪最具传奇色彩的女性人物之一。身为德国本笃会女修道院院长,希尔德加德除了不遗余力传播主的福音,更在哲学、天文、医学、艺术等领域建树颇丰,令同时代男性为之汗颜。希尔德加德自称在其幼年时代便能目睹许多常人无法见到的“异象”,故被认作是上帝的信使,亦有“莱茵河畔女先知”之誉。
        见识广博,精通诸多学科的希尔德加德,常在她的音乐作品中融入科学、历史以及文学元素,展现其异乎寻常的创作才思。以个人所见幻象编创的道德剧「美德之律」(又译"美德祭" Ordo Virtutum),是对人类灵魂和诸多美德在善恶交锋中的生动写照,直观反映出中世纪欧洲社会的信仰和道德标准。而收录了82首单声无伴奏圣咏的歌曲集「上天启示之和谐旋律」(Symphonia armonie celestium revelationum),则是这位非凡女性音乐造诣的完美体现。单一旋律无伴奏配以拉丁文唱词,这种在教会主导一切的时代最为流行之音乐形式,不仅孕育出格里高利圣咏和素歌等声乐体裁,更于文艺复兴时期逐步演变成牧歌及阿卡贝拉等声乐艺术种类。
        这首在作曲家歌曲集中编号为BN 38的「玫瑰花开」,采用女高音独唱声部与合唱声部相互唱和之表现方式,独唱以天使般的吟咏表现出玫瑰(天主教寓意圣母)之高贵圣洁,而合唱部则以安详平缓如涓涓溪流的答句呼应,好比上帝气息中的轻羽,于肃穆中抚平焦躁,重归内心宁静。 

独唱: 亚力珊德拉·维斯孔蒂***
        (Alexandera Visconti)
合唱: 阿森松之声合唱团***
        (Voices of Ascension)
指挥: 丹尼斯·基恩***
        (Dennis Keene)

Ps: 希尔德加德作品之现代演绎(点击聆听)

助攻鲸的旮旯底

【微安利List】定音鼓协奏曲不是讲笑话玩梗的,它们真的很棒啊!

没错,定音鼓是真的可以有协奏曲的,并且很好听。应小伙伴要求来推荐一点曲目:

Timpani & Ochestra!定音鼓很棒的!(网易云)


相对比较常见的一部定音鼓协奏类作品是约翰·克里斯蒂安·费舍尔(Johann Christian Fischer c. 1733 – 29 April 1800)所作的。尽管他本职是一位双簧管手,也写了非常多双簧管作品,可他成名的却是这部独特的定音鼓作品:

Fischer:Symphony with Eight Obbligato Timpani

[图片]
有条件的可以去油管看一下演出视频←,...

没错,定音鼓是真的可以有协奏曲的,并且很好听。应小伙伴要求来推荐一点曲目:

Timpani & Ochestra!定音鼓很棒的!(网易云)


相对比较常见的一部定音鼓协奏类作品是约翰·克里斯蒂安·费舍尔(Johann Christian Fischer c. 1733 – 29 April 1800)所作的。尽管他本职是一位双簧管手,也写了非常多双簧管作品,可他成名的却是这部独特的定音鼓作品:

Fischer:Symphony with Eight Obbligato Timpani


有条件的可以去油管看一下演出视频←,因为把定音鼓放到乐队前面来的机会真的不多。并且Fischer这部作品第一乐章末尾还有一段定音鼓华彩。

以及不少人下意识地觉得定音鼓能敲出声音来就行了,不知道定音鼓也是有音高的,且每一只音高不一样。或者虽然知道但是不太能体会到这一点,观看定音鼓协奏的时候就能很清晰感受到这一点了。


接下去我要裂墙推荐的曲目是美国当代作曲家菲利普·格拉斯 (Philip Glass,1937年)的定音鼓幻想协奏曲:

Concerto Fantasy for Two Timpanists and Orchestra

和Fischer带着古典主义精巧甜美的作品不同,菲利普·格拉斯的曲目开头数秒内就能让人感受到它激昂恢弘的魅力。仿佛可以立即按在一些史诗打斗画面上。毕竟这位作曲家本来就是非常重要的电影配乐者。《楚门的世界》和《时时刻刻》都是拿了金球奖最佳原创配乐的。感兴趣的可以搜一下。


这部定音鼓幻想协奏曲要用到2组定音鼓,B站有视频,但是人均键盘演奏家的环境下弹幕和评论导致观感很差。姑且贴一下链接


需要巴洛克一些的风格的话,约翰·梅尔基奥·墨尔特(Johann Melchior Molter 1696-1765)的第九十九交响曲,请:

Molter:Symphony No. 99

这其实是一部交响,但是墨尔特罕见地使用了5只定音鼓。这不是一次粗糙的实验,而是精心构建的创想。揭示了前所未有的想象力。学者们表示要是这部交响从他创作的年代(大概1745年)就出版的话,它可能会对后来作曲家的定音鼓创作产生决定性的影响。


啊对了,网易云的作者显示功能经常劈叉,上面的列表里只有指挥者的名字。给大家标一下正确的作曲者:

  • Concerto for Six Timpani:Georg Druschetzky

  • Marche de timballes:Andre Danican Philidor

  • Symphony with Eight Obligato Timpani:Johann Carl Christian Fischer

  • Symphony No. 99:Johann Melchior Molter

  • Symphony for 2 Horns, Timpani and Strings:Johann Christoph Graupner

  • Partita in C Major:Georg Druschetzky


末尾让我痛心疾首某些特别喜欢定音鼓的音乐家,已经到了「只要你给我敲定音鼓我们就是好朋友」的程度了,怎么就没写过定音鼓协奏曲呢?(说的就是你,西兰花!)

ssound
un coeur en hiv...

un coeur en hiver

是一部我非常喜欢的法国电影。

无意中在某宝发现这张cd,当然不能错过。

un coeur en hiver

是一部我非常喜欢的法国电影。

无意中在某宝发现这张cd,当然不能错过。

reiko小屋
古水

*musica autentica* (本真之音) 之
诺依考姆「降B大调单簧管五重奏」
末乐章: 有节制的快板
(Neukomm: Quintet in B-Flat Major, Op. 8 - IV. Allegro moderato)

        奥地利作曲家西吉斯蒙德·冯·诺依考姆(Sigismund von Neukomm1778.7.10-1858.4.3)早年学习管风琴,进入萨尔茨堡大学主修哲学与数学后,以这一特长成为学校教堂的琴师...

*musica autentica* (本真之音) 之
诺依考姆「降B大调单簧管五重奏」
末乐章: 有节制的快板
(Neukomm: Quintet in B-Flat Major, Op. 8 - IV. Allegro moderato)

        奥地利作曲家西吉斯蒙德·冯·诺依考姆(Sigismund von Neukomm1778.7.10-1858.4.3)早年学习管风琴,进入萨尔茨堡大学主修哲学与数学后,以这一特长成为学校教堂的琴师,同时追随迈克尔·海顿(Michael Haydn 1737.9.14-1806.8.10)学习音乐理论,18岁时就被任命为萨尔茨堡宫廷剧院的合唱指挥,之后游历俄罗斯及南美等地,先后在圣彼得堡的德国剧院及若昂六世在里约的宫廷任职多年,除了推广海顿兄弟及莫扎特的作品外,个人音乐创作亦在当地广受欢迎,在绪斯迈尔续成的莫扎特「安魂曲」出版后,诺依考姆曾为该版本加上了一个“安所经”,里约首演后不久便因巴西独立而遗失手稿,直至本世纪出方重被发现。
         诺依考姆一生创作颇丰且体裁广泛,除了对J. 海顿两部著名的清唱剧「四季」和「创世纪」作了授权改编之外,原创作品包括多部管风琴曲、歌剧、戏剧配乐、弥撒、清唱剧、室内乐及数量众多的声乐及钢琴独奏曲。室内乐创作中,对乐器调性发展的关注及在器乐编制乐思编排上的独辟蹊径,使得其作品带有明显的实验性质及个人风格,从而与同时代德奥古典作曲家形成对比。这部「降B大调单簧管五重奏」完成于1806年,作曲家履任圣彼得堡德国剧院乐队指挥后不久,四乐章的结构加上弦四的内核,引入了出现不久并风靡欧陆的单簧管,可谓是继莫扎特之后,同类室内乐中代表作。末乐章中单簧管的旋律线尤为突出,与弦乐组在中高音域形成极为强烈的对话效果,和声处理清晰流畅却不刻意突显主题的戏剧性对比,可谓兼具古典传统和早期浪漫主义的自由率性,犹如是在海顿的四重奏中加入了韦伯歌剧中的点滴情趣! 

演奏: 萨尔茨堡嬉游曲室内乐团***
         
(Divertimento Salzburg)

soken
雷斯庇基(1879-1936)...

雷斯庇基(1879-1936)意大利作曲家,小提琴家,音乐家。他以交响诗罗马三部曲闻名于世,分别是本录音收录的罗马喷泉(1916)罗马之松(1924)罗马节日(1928)。


雷斯庇基生于意大利波隆纳,从小跟随父亲学习小提琴和钢琴,1900年短暂到圣彼得堡担任圣彼得堡歌剧院乐团的首席小提琴。2年后返回西欧定居罗马,在这两年他与俄罗斯作曲家浩沙科夫成为挚友,在作曲上受到一定的影响,他的交响诗也是受到了李察斯特劳斯,拉威尔的启发。这部录音录制于1991年4月,Sinopoli指挥NYPO在曼哈顿中心录制的。这几乎是这三部作品的范本式的录音,但本人对于雷斯庇基的风格还是十分抗拒。这种意大利色彩鲜...

雷斯庇基(1879-1936)意大利作曲家,小提琴家,音乐家。他以交响诗罗马三部曲闻名于世,分别是本录音收录的罗马喷泉(1916)罗马之松(1924)罗马节日(1928)。


雷斯庇基生于意大利波隆纳,从小跟随父亲学习小提琴和钢琴,1900年短暂到圣彼得堡担任圣彼得堡歌剧院乐团的首席小提琴。2年后返回西欧定居罗马,在这两年他与俄罗斯作曲家浩沙科夫成为挚友,在作曲上受到一定的影响,他的交响诗也是受到了李察斯特劳斯,拉威尔的启发。这部录音录制于1991年4月,Sinopoli指挥NYPO在曼哈顿中心录制的。这几乎是这三部作品的范本式的录音,但本人对于雷斯庇基的风格还是十分抗拒。这种意大利色彩鲜明的曲目让人难以与古典音乐联系起来。



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德沃夏克(1841-1904)...

德沃夏克(1841-1904)出生在浪漫主义鼎盛年代。但是那个时代也有很多民族乐派,他们独立于德奥主义,坚持着自己民族的音乐风格。这里面有英国的埃尔加,波兰的肖邦,匈牙利的李斯特,芬兰的西贝柳斯,挪威的格里格和捷克的斯美塔那。

德沃夏克是铁匠的儿子,最初是很难走上音乐这条路,1861-71年,他在斯美塔那的乐团当了十年的中提琴手。真正开始有点名气是他1878年写了一组Slanvonic舞曲。这段时间比较顺畅的时期他也写了一部小提琴协奏曲。在作曲界他是出了名的劳模,坚持每日写6页谱子,全年无休。小协是写给当时小提琴大师Joachim,然而这人十分自负,要求修改了数年,最终还是不愿意演奏,曲子最...

德沃夏克(1841-1904)出生在浪漫主义鼎盛年代。但是那个时代也有很多民族乐派,他们独立于德奥主义,坚持着自己民族的音乐风格。这里面有英国的埃尔加,波兰的肖邦,匈牙利的李斯特,芬兰的西贝柳斯,挪威的格里格和捷克的斯美塔那。

德沃夏克是铁匠的儿子,最初是很难走上音乐这条路,1861-71年,他在斯美塔那的乐团当了十年的中提琴手。真正开始有点名气是他1878年写了一组Slanvonic舞曲。这段时间比较顺畅的时期他也写了一部小提琴协奏曲。在作曲界他是出了名的劳模,坚持每日写6页谱子,全年无休。小协是写给当时小提琴大师Joachim,然而这人十分自负,要求修改了数年,最终还是不愿意演奏,曲子最终1883年在布拉格由捷克小提琴家Ondricek演奏。德沃夏克小协虽然不及柴,门,贝的小协出名但是也是十分优美的吧,没有那么不堪。

这期间1880年3月左右,德沃夏克写了三乐章的f大调小奏。由于受到勃拉姆斯影响,他的小奏强调了钢琴的作用,钢琴部分十分好听。

1890年,这时候的德沃夏克已经成为作曲界的名人,90年代初受到美国国家音乐学院的创始人邀请,两次去任教,也获得了丰厚的报酬。为了回报美方,他确实在这段时间写了不少传世之作,比如op95来自新大陆,op99弦乐四重奏美国以及这部G小调小奏。这一部听起来技巧运用十分纯熟老到,感觉与勃拉姆斯的小奏一般韵味悠长,非常值得一听。

这张录音由英国小提琴家Liebeck在2005/6年间录制。这位1980年出生的小提琴家表现出与年纪不符的成熟,十分惊艳。


只是半个幽灵
顺便讲个最近看到的笑话:某人由...

顺便讲个最近看到的笑话:某人由于人过于精分而被评论家指责其作曲缺乏一致性

顺便讲个最近看到的笑话:某人由于人过于精分而被评论家指责其作曲缺乏一致性

只是半个幽灵
快招认吧你是不是西兰花仙子!

快招认吧你是不是西兰花仙子!

快招认吧你是不是西兰花仙子!

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80后的出色的新一代钢琴家有Martin Stadtfeld,听说今年华发中演有他的音乐会;90后呢?Daniil Trifonov。

丹尼尔·特里福诺夫(Daniil Trifonov),俄罗斯籍钢琴家,1991年3月5日出生。

最近特里福诺夫先后出齐的拉赫四首钢协唱片成为年度大热,听过之后发现录音极好,隐约有齐柏丝坦的味道,齐柏丝坦的拉二拉三是我的最爱。

这两张唱片的封面设计和曲目安排很有趣味。

80后的出色的新一代钢琴家有Martin Stadtfeld,听说今年华发中演有他的音乐会;90后呢?Daniil Trifonov。

丹尼尔·特里福诺夫(Daniil Trifonov),俄罗斯籍钢琴家,1991年3月5日出生。

最近特里福诺夫先后出齐的拉赫四首钢协唱片成为年度大热,听过之后发现录音极好,隐约有齐柏丝坦的味道,齐柏丝坦的拉二拉三是我的最爱。

这两张唱片的封面设计和曲目安排很有趣味。

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【微安利List】关于奥地利被德国抢走的国歌《皇帝颂》

大家好,日常想要讲缺德笑话,今天的发笑主题是:写给奥地利皇帝的生日歌,怎么就成了德国国歌。以及关于这些曲目的演变和衍生,我做了一个播放列表给大家作为日常听歌安利。

静静看德奥抢国歌 (网易云链接)


首先,不管你有没有听过德国国歌,他的旋律都来自于海顿爸爸1797年写的歌曲《Gott erhalte Franz den Kaiser》(上帝保佑吾皇弗朗茨)也被叫做《Kaiserhymne》(皇帝颂),词作者是洛伦茨·利奥波德·哈施卡(Lorenz Leopold Haschka)。

这首曲目是写给神圣罗马皇帝弗朗西斯二世的,首演于1797...

大家好,日常想要讲缺德笑话,今天的发笑主题是:写给奥地利皇帝的生日歌,怎么就成了德国国歌。以及关于这些曲目的演变和衍生,我做了一个播放列表给大家作为日常听歌安利。

静静看德奥抢国歌 (网易云链接)


首先,不管你有没有听过德国国歌,他的旋律都来自于海顿爸爸1797年写的歌曲《Gott erhalte Franz den Kaiser》(上帝保佑吾皇弗朗茨)也被叫做《Kaiserhymne》(皇帝颂),词作者是洛伦茨·利奥波德·哈施卡(Lorenz Leopold Haschka)。

这首曲目是写给神圣罗马皇帝弗朗西斯二世的,首演于1797年2月12日皇帝生日。下图是海顿手稿:



海顿自己给这首曲目写过交响乐版本,还有他同年完成的《皇帝四重奏》(Opus 76, No. 3 "Emperor" )中第二乐章就是这段主旋律和其变奏。他自己对这段旋律是非常喜爱且满意的,许多其他音乐家也引用过这段旋律:

 


到了1841年的时候,奥古斯特·海因利希·霍夫曼·冯·法勒斯雷本教授(Prof. August H. H. von Fallersleben)海顿的旋律重新填了一版歌词:Deutschlandlied》(德意志之歌)。

之所以写这玩意儿背景跟德意志联邦有关,就是那个1815年根据维也纳会议而成立的一个松散组织,但是奥地利和普鲁士长久以来都互相不服互相提防所以这联邦也就那样了……

歌词首句“Deutschland, Deutschland über alles, über alles in der Welt,德意志、德意志,高于一切,高于世间的一切”正是希望德意志地区各个诸侯能够让权建立一个统一的德国。


歌词姑且截图贴一下,它有三段。让我们先一路跳过德意志第二帝国的梗,因为我的通史真的太烂了,需要了解更多背景请自行打开历史书复习

总之《德意志之歌》在魏玛共和国时期被定为了国歌,三段全部采用,之后就没改过。只是到了纳粹德国时期,尤其重视第二段。而现在的德国国歌只保留第三段,因为前面两段歌词可能引起争议……

总之,德国那么多年来跟奥地利怄气一直想证明自己是德意志一哥,他们终于成了!


那么问题来了,奥地利怎么办呢?奥地利委屈,但奥地利没办法——二战后的1947年,奥地利公开征求后重新选了一首国歌《Land der Berge, Land am Strome》(山的土地,河的土地)。我愣是没有找到带歌词的版本,链接里是卡拉扬指挥的交响版本。


这首新国歌的原曲呢,喜闻乐见是当年莫扎特写给共济会的歌Lasst uns mit geschlungnen Händen》K.623(让我们拉起手来)。

会选出这首歌我一点也不奇怪呢,毕竟奥地利人民爱莫扎特爱得深沉……


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