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画家之眼
使画面产生关系与平衡
统合感是一项无形特质，对于主题的初步构想很重要。
统合感必须从图案和设计开始着手，要让画面各个区域产生一种关系与平衡。
这种平衡既跟明度分布（亮色调、中间色调和暗色调）有关，也受到各区域的配置及数量与整体设计的关系所影响。
要让画面中的亮部和暗部产生关系，可以利用下面这二种做法：一是藉由对比，二是通过介于亮暗之间的中间明度。
我们必须学会的首要重点是，训练眼睛先观察块面，而且这些块面多少还算完整。
换句话说，我们必须等到稍后再考虑块面内部的明度变化、再突显暗部的特征，一定要等到将平面图案的设计建构好，再来增加这些要素。
利用这种做法处理画面设计，你就会发现要让平面图案产生立体效果，或融入背景显现空间感，所需增加的东西其实少得惊人。
画静物或许是开始研究构图与图案的最佳方式，因为在画静物时，不必太专注于空间与深度，可以马上专心研究图案。
以构图配置来说，主题中的所有线条都彼此相关，也跟所传达的氛围有关。
水平线跟画面的稳定有关，垂直线则跟延伸有关，对角线增加画面的戏剧性，曲线则产生一种优雅的动感。
曲线愈大，所表达的能量和动作就愈大。
根据所使用的线条，以及线条笔触的轻重，就可能表现出从平静悠闲到暴力动作等截然不同的主题。
巧妙运用线条就能产生无限的变化。
线条可能潜藏在块面里，或在块面的变动中，或是块面内部或边缘的实际轮廓。
在平面画布（画纸）上，任何形状的分界线会产生一种稳定感或某种动态感。
眼睛会跟着线条（任何线条，不管直线或曲线）移动，停在不同直线的交汇处，或是不同直线汇合成一点的位置上。
从单一点发散出的线条会让眼睛注意到那个点，这是建立构图中不可或缺的焦点或趣味点时，可以善用的一项重要利器。
在大自然中。我们常会发现明度的统合感，不同景物的明度搭配得天衣无缝，只要这些色调是在我们感知的颜色范围内，我们确实可以将所见的明度如实表达。
我们当然也可以接受把所见生物的轮廓照单全收，但是这些轮廓也必须巧妙编排成一个有韵律感的图案。
画面中的人物要呈现优雅律动的线条，动物要经过巧妙编排或设计，融合为画面的一部分。
色调相近的大块面，最能突显效果与简化的美。
对比愈大，效果则愈强烈也愈戏剧化。
描绘的块面明度愈接近，呈现的主题就愈节制宁静。
统合感可分为温和与强力这两种。
跟明度对比强烈时不同，明度接近让形状和轮廓更有变化，不会打乱及破坏统合感。
要利用色彩达到统合感的一种做法就是，采用一个色彩作为主体的基调，在调色描绘主题时都加一点基调。
画面中的高明度才是让画作成功的条件，人们通常不喜欢灰暗和沉闷的画作。
好画作具备[一致性]
不管你的主题是具象或抽象，要创作出一幅好画，画面就必须具有一致性。
举例来说，各个季节在形状、色彩和质感上都有自己独特的一致性，让人可以很快辨识出季节。
由于阳光射在较暖色彩上会更耀眼，因此秋天的阳光看起来就更偏金黄色。
以光线来说，一致性意指主题受到同一光源的照射，各明度都跟这个光源有关。
光线的一致性不只跟明度有关，也跟方向有关。
光源的方向决定哪些平面是全亮，哪些平面是半亮，哪些平面在阴影中。
如果光线明亮，反射光通常会让过暗的阴影变亮一些。
在画作中，反射光可能比直射光还美得多。
反射光能让形状呈现出来，尤其是跟比较单调的浅亮块面形成对比。
我们或许认为，如果光线正确，明度正确，光线就能赋予画面一种统合感和明度。而且光线和色彩都能表现质感。因此，如果光线正确，但画面还是不美，那一定是设计、草图或图案出了差错。
每张画应该呈现出风格的一致性。
如果画家在创作一张画时有一个中心构想，就要让整个画面呼应那个构想。
事先构思画面对比是很重要的。在画静物时，一件精致的珠宝配上一些破旧褪色的拖鞋，就可能激起观众的想象。但是在画肖像时，画女性穿金戴银坐在凳子上削马铃薯，画面就可能显得格格不入，完全失去一致性。
设计缺乏一致性，就会减损美感。
恰到好处的创作
我们还要时时留意主题设计过度[僵化]，导致无法变通。
补救之道就是利用一、二个意外效果，提供令人满意的对比。事实上，这种看似意外的效果也可以事先安排。
只要善用技法，刻意不把画面的每个部分完成即可。
就像雕刻家常在雕像某处留下鑿刻的痕迹，尤其是在衣服或褶皱垂布上，这种刻意未完成的处理反而增加美感，而非减弱美感。
因此，事先安排好的对比，在绘画上占有相当重要的地位，并不会减损画作的统合感。
当一个区域的明度正确，色彩也协调，我们就可以在每样东西都描绘完成前就收手，在形状上稍微率性些。
为了保留某些形状显现出未完成的美感，我们必须在一开始就用简单块面手法来处理形状，也利用这种手法处理主题并同时完成作品，而不是一区一区零碎完成。
一次只完成一部分，画面就不太可能出现即兴和生动的趣味。
我们必须时时牢记，自己正在画一张画，而画面的每个部分，都要跟整体设计巧妙搭配。
