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"画面中星空之外的部分，那火焰般的树，暗夜中的村庄和山脉，都呈现出明显的透视和纵深；但上方的星空却丝毫没有立体感，像挂在夜空中的一幅画。因为星空是二维的。
——刘慈欣《三体·死神永生》"

世上那么多的文字去描述梵高的星空，除了惊呼他充满想象力的笔触带来的视觉震撼外，大多都逃不出去探索画家生前的精神世界，而寻觅真相的过程，无论怎样几经波折，终将让人们停滞于如同星空一般绚烂，像黑洞一样神秘莫测的领域中，迷失无助。

 

幸运的是，来自《三体》的描述，将这幅令人迷幻的画作，注入了科普文般的解释，也许，当我们理解了什么是二维的星空，理解了什么是时空的维度，甚至什么是音乐的维度时，才能够走近梵高，进入他的绚烂星空之中。

二维是什么？时空是什么？音乐又是什么维度呢？

    

借着梵高的星空，我们去探索一下这个神秘绚丽的领域吧。

 

“维”是一种度量：

零维：没有长宽高，单纯的一个点，即奇点 ，黑洞也是奇点。

一维：只有长度，即线。

二维：只有长宽，即面。

三维：拥有长宽高，即立体世界，我们肉眼亲身感觉到看到的世界。三维空间是点的位置由三个坐标决定的空间。客观存在的现实空间就是三维空间，具有长、宽、高三种度量。

四维：三维上加上时间，即时空的概念。日常生活所提及的“四维空间”，大多数都是指阿尔伯特·爱因斯坦在他的《广义相对论》和《狭义相对论》中提及的“四维时空”概念。

我们都曾听说过，音乐，是时间的艺术。那时间又是什么呢？

 

它是春华秋实，它是朝夕日暮，它是嘀嗒的钟摆走针，它是似箭的光阴，难收的覆水。它更是从乐谱中走进乐手身心里那密密麻麻的音符，也是从电流通过线圈产生的电磁场，推动空气的迷人振动。

然而从广义上来讲：时间是，当一个点相对于某坐标系运动时，其运动所形成的直线或线段或曲线就是相对于该坐标系静止的点的时间之一。每个点对应多个时间。

 

简单来说，时间，即一点的变化；空间，是两点（或更多）的对比。

《时间简史》中有提到，时间不能完全脱离和独立于空间，而是必须和空间结合在一起，形成所谓的时空的客体。

而音乐，则是音高的有序流动和这种流动的和谐对比。前者是时间的关系，后者是空间的关系。

那么，音乐是几维的艺术呢？

有人说，从信号的角度看声音就是一维信号,是关于时间的函数 sound =f(t); 

有人说，从听者的客观来说，每一时刻的振幅，加上时间，是二维的。

有人说，声音在空间中传播，理应是三维的，但脱离了时间，便无所谓声，更无乐。

还有人说，从听众的主观来看，这便开启了新的世界。各种感官和情绪交织在一起，早已超越了传统意义的维度概念，就广义的维度而言，也无从下手。这也成就了音乐引人入胜的意义了。 

 

既然如此，探索音乐的维度就如同寻觅梵高的精神世界一样，只能消融在广袤太空中的时空漩涡里。

音乐即是最抽象的时空表达，听众也只能通过声音去想象了。

正如这曲《致梵高》，我们能够想象出琴键的起落，点缀出漫天星辰；想象弓弦拨动后流淌出的絮絮私语；想象小号那宽厚的震波，被梵高拿去勾勒他喷薄而出的激情与梦幻；想象中，点线面体一一浮现于眼前，再加上流动的旋律，仿佛置身于四维空间中。

古人说，逝者如斯夫，不舍昼夜。

就像无限和永恒，虽然人类可以想象出无限的概念，但是我们却无法看到五维世界是什么样子；虽然人类可以明白永恒的意义，可我们却无法创造出一个永恒的事物。

正如人不可能两次同时踏入同一条河流一样，河水流走了，时间也流走了，但音乐留下了。

也许在音乐中，就能感到永恒。

 

Starrystarry night ,Paint your palette blue and grey

星夜下调色板上只有蓝与灰

Lookout on a summer's day,With eyes that know the darkness in my soul

你用那透视我灵魂深处的双眼望向夏日的天空

Shadowson the hills,Sketch the trees and daffodils

山上的阴影衬托出树和水仙的轮廓

Catchthe breeze and the winter chills,In colors on the snowy linen land

用雪地斑驳的色彩捕捉微风和冬日的寒冷

宇宙中，空间的每一处微小的部分都在惊惧和疯狂中流动着，翻滚着，颤抖着，像燃烧的火焰，却只散发出酷寒。太阳和行星，所有的实体和存在，只是这时空乱流产生的幻象。
——刘慈欣《三体·死神永生》

文字丨下山的杉

图片丨小叶

编辑丨Yvonne

前阵子跟朋友聊天，她说起去年有一期《天天向上》里请了我国民乐F4做嘉宾，F4现场激情改编大张伟的《阳光彩虹小白马》，琵琶绵密，古筝清丽，二胡悲怆，唢呐凄绝，听得大张伟泪洒现场。她说你不是喜欢民乐么，你真得看看。于是我看了这支视频：

 古筝王中山、二胡高韶青、琵琶方锦龙，都是中国民乐的扛把子，他们的演奏炉火纯青，然而所有弦乐的铺垫似乎就为等这一声唢呐破阵而来，乐器界的流氓，酒神之狂热，幽灵般的哀婉，令人叫绝。而视频中吹唢呐的这位长发男子，就是 郭雅志。

当一位艺术家被扣上了“民族”的帽子，他就容易不招年轻人待见，年轻人不够珍视传统还是第二位的，那些“民族文化”的徒有其表才是招致厌烦的根源。然而这个定律并不适用于郭雅志，因为被国内外音乐界奉为“天下第一吹”的郭雅志先生，其实是一位 如假包换的朋克。

 〇。

 银 河 系 第 一 唢 呐 手 

1966年，国际上甘地出任印度总理，国内呢有人说文艺界被黑线专了政，郭雅志在这一年出生于山西榆次的一个艺术世家，自幼便学习中国传统民乐和西洋乐器，1990年从中央音乐学院毕业后留校任教。在中国顶级音乐学府任教，1993年发明唢呐活芯获文化部颁发「科技进步二等奖」，这本是一条顺风顺水的“学院派民族艺术家”道路，但郭雅志有自己的想法， 他一不想固守在“学院”，二不愿仅陶醉于“民族”，用他自己的话说就是他这人“不安分”。

于是郭雅志生涯的第一个拐点到来了。1997年香港中乐团招人，他果断辞掉在中央音乐学院的教职来到香港，并于1999年应邀出任香港中乐团唢呐首席，并担任香港演艺学院及香港中文大学唢呐管子教授及硕士导师、香港艺术发展局音乐评审员。1998年，克林顿访华，他受邀在欢迎克林顿的音乐会上演出；同年，他代表文化部参加了在纽约举行的ProMusicis国际大奖赛，在音乐大师云集的卡内基大厅历史性地斩获总决赛唯一大奖。

彼时郭雅志已是国际上享有声誉的管乐大家——

日内瓦论坛评论： “他是舞台上的焦点，令人印象深刻”；
波士顿电台称他为： 中国的的刘易斯.阿姆斯特朗。

2012年是郭雅志生涯的第二个拐点，先是荣获香港“2012年度艺术家奖”，接着凭借自己在香港投资房地产获得的收益，以及苦学3年的英语，时年46岁的郭雅志得以远赴美国波士顿伯克利音乐学院继续学习深造爵士乐，2015年获艺术家文凭(Artistic Diploma)。

在美求学期间他受邀参与美国克利夫兰艺术节、2014年芝加哥夏季音乐节。并连续几年参与了美国各地及孔子学院举办的中国新年晚会，获颁中国文化传播贡献奖。CCTV曾专题报称：香江人物郭雅志“唢呐也时尚"。2016年香港的电台穿越中美两地为他制作了专访记录片《大师》。
而且其实你 七大姑八大姨都听过郭雅志演奏的曲子，且不说《水浒传》主题曲《好汉歌》，从1988年至1998年十年间每年春晚的唢呐音乐就都由郭雅志来演奏。

以上还只是履历的罗列，下面咱就正经唠扯唠扯，一个学院派，一个正规乐团的管乐首席，他怎么就是一朋克了？

 一。

  摇 滚 与 爵 士 

因参加综艺节目《乐队的夏天》而广受关注的九连真人乐队，曾在节目中改编李宗盛的《凡人歌》，其中便安排了唢呐和小号对吹的桥段，引得网友直呼“唢呐牛逼”；另一档乐队类综艺《一起乐队吧》中，也有乐队在改编Radiohead著名K歌金曲《Creep》时加入了一段唢呐solo。

唢呐同摇滚乐是天作之合，现在这对组合也越发地时髦了，时髦的东西为什么有时候讨人嫌， 就是因为赶时髦的人里一百个有九十九个是隔着铁窗瞧新鲜的，是装的，而你一时间辨不出哪位是装的。这教人沮丧。

郭雅志《1987唢呐歌曲》，1987

中国最早探索这对组合的音乐人，是崔健，而在郭雅志早期的专辑《1987唢呐歌曲》中，便有一首唢呐版的《一无所有》。唢呐是火与土的交合，八十年代，萌芽的中国火，和你相爱相杀的黄土地。 用唢呐演绎《一无所有》，合适。

提到近几年唢呐在大陆摇滚乐的回潮，你很难忽略一支乐队： 假假條。

假假條乐队于2016年发布的首张专辑《时代在召唤》

假假條主唱刘与操是郭雅志在伯克利读书时的同学，当时二十岁的与操拿着自己第一张专辑《时代在召唤》的小样找到了郭雅志，希望郭老师可以帮自己录制专辑中的唢呐部分。郭雅志欣然应允，于是便有了《盲山》中泣鬼神的《怀乡曲》唢呐独奏。

后来这张专辑获得虾米音乐2016年度专辑第一名。
那一年的榜单里，第二名是 草东没有派对，第五十名是 周杰伦。


有人说郭雅志的眼光真毒，没有因为当时假假條是名不见经传的新乐队而忽略了与操的才华；也有人说《时代在召唤》这张专辑固然博采众长又自成一派，但如果少了郭雅志的唢呐，它会失色不少。我认为两种说法不矛盾。

郭雅志将假假條乐队请到中央音乐学院演出

（从左至右：郭雅志，贝斯手宇飞，与操，鼓手福荣）

在音乐上，郭雅志和刘与操是古典意义上的理想主义者，据我所知，很多音乐人已不是了。理想主义者希望能改变自己从事的事业，而不是一味孝敬它，一味供着它。你也可以把这种人叫作 朋克。

理想主义者总是被指为倨傲的、不知天高地厚而好高骛远的，殊不知他们恰恰是最谦逊的。 对音乐谦逊的音乐人，才能创造新的声音。

郭雅志不仅能够将唢呐的武威之气熔进摇滚乐，也能为爵士乐加入唢呐特殊的雅气。爵士乐是郭雅志的心头爱，当年放弃乐团职位远赴美国学习爵士乐可不是一拍脑门儿就去了， 为什么要去学爵士乐？作为一个民乐出身的音乐家，郭雅志把问题想得很清楚。

他认为 爵士乐和中国传统民乐在精神上层面极为相契——爵士乐有二字真言： 即兴。而中国传统民乐讲究的正是一个 口传心授，强调演奏者自己的即兴发挥。郭雅志不止一次用阿炳的《二泉映月》举例，这首二胡名曲就是阿炳即兴创作出来的。

去年的广州爵士音乐节

郭雅志与美国伯克利明星爵士乐队的演出海报

郭雅志和他在伯克利的同学组成了一支“郭雅志与美国伯克利明星爵士乐队”，郭雅志在乐队里吹奏中国管乐。你想想，外国人平时听的都是萨克斯、小号和爱尔兰风笛，突然听到唢呐，肯定会受到所谓的“文化震惊”。这是唢呐特殊音色的优越性，也是占了东方主义的便宜——西方人对东方事物的猎奇心。

但郭雅志不一样，他的音乐是跳出民族套子依旧优秀的作品，同那些用民族元素装点门面的音乐简直云泥之别。看看他的队友们是怎么评价他的：

前些日子我预先听到了郭雅志老师将于十月底发布的新专辑《龙在吟》，这张专辑融合了爵士乐，时尚、丰富且富有野心。专辑的制作人、词曲写作者吴懿铖先生在创作手札里写下的这段话，非常地令人动容:

郭老师的演奏博采众长，不仅有原汁原味的中华传统调调，更融合了 爵士、拉丁、放克，以及世界音乐的元素。专辑创作之前，郭老师就表示想出品一张多元、时尚、有别于他以往录音作品的专辑。

（...）不禁联想，早在隋唐时期中原汉族的音乐就和西域的音乐做过一次亲密的融合，以唢呐、二胡为代表的乐器传入中土，燕乐二十八调也成了宫廷正宗， 为何现在人们提到中国音乐却只剩五音，          为何汉室的音乐就不可以是舞蹈性或建立在律动之上的，为何千百年来我们的音乐只能做诗歌的点缀或文字的附庸？

这张专辑，我想带听众们一起去感受和思考这个问题， 什么才是中国音乐原本的样貌 ？未必忠于“传统”，却可能更接近“传统”；分明是现代的电声乐编制，却可能更好地和远古对话；丝路啊丝路，你曾带给我们的绝美， 难道依然要犹抱琵琶半遮面吗？

（...）慢慢地，我发觉所谓的“东方意境”其实在哪儿的音乐里都有，我发觉印度人和日本人做的音乐有时比中国更“中国”。或许，“音乐无国界”真的不止是一句说辞。(...) 至少我们可以拥有先人的胸襟吧 。

“依然还要犹抱琵琶半遮面吗？”

“至少我们可以拥有前人的胸襟吧。”

 说得多么好。

郭雅志新专辑（台版封面）

 二。

  港 乐 和 迪 斯 科 

郭雅志的身影也闪现在香港流行乐坛中。他多次被黄耀明、李克勤及刘美君邀请到演唱会做独奏嘉宾。

2008年，李克勤在香港红馆举行一连11场《你的克勤演奏厅演唱会》，专门邀请了郭雅志做现场乐手。

2012年4月19-22日，郭雅志作为特邀嘉宾参演达明一派在红磡体育馆的演唱会。

红磡，多少音乐人梦想着站上的舞台，郭雅志却已经数不清去过多少回了。

郭雅志与黄耀明

如果你听腻了那些大同小异的迪斯科舞曲，那你一定要听听这张专辑——《戏剧唢呐迪斯科》，不只是另辟蹊径这么简单，最重要的是它很 幽默。我坚信幽默是艺术里最可贵的品质之一。

郭雅志《戏剧唢呐迪斯科》，1988

我和与操还说要是开个迪厅里面专门这种音乐，得多来劲啊，估计不止是年轻人去蹦了，大爷大妈们一听到迪厅里会放《谁说女子不如男》和《京剧打虎上山》，肯定争先恐后。市场广阔着呢。

前些天就是在听着《戏剧唢呐迪斯科》这张专辑时，我读到了一本叫《中国唢呐艺术研究》的书，里面讲道：

在我国众多的传统器乐形式中，唢呐音乐可谓是俗乐中的俗乐。说它俗，主要是指以下几个方面：
1.它的生存和发展紧紧地和民俗结合在一起。2.它的“恩主”是社会各阶层中文化层次最低的农民及城镇市民。
3.操此业的唢呐艺人在过去更是下九流中的下九流，不但一般人看不   起，就连笙管乐艺人也对他们嗤之以鼻。至于唢呐艺人中的乐户，那就更惨了，死了连祖坟也进不了。
4.有关唢呐的历史文献极少。
5.以口传为主。

这是唢呐这种传统乐器的文化背景，但作为一个朋克， 当你看到一面墙“立”在面前，你想的不是靠上去，而是“破”了它。郭雅志便做到了，它让唢呐音乐这种“俗乐中的俗乐”成为交响乐团的编制，也通过与流行音乐的融合让唢呐走进了年轻人的俱乐部。

说到唢呐，不要再只想到红白事了

他怎么就做到了呢？

不仅是因为他吹奏功夫了得，更因为他对唢呐的改良使得这一切新的组合变得可能。

 三。

 民 乐 界 的 爱 迪 生 

想象着嵇康临刑前不是弹奏一曲《广陵散》，而是吹奏一支中气冲天的唢呐曲，那么大概率就不会有“《广陵散》于今绝矣”这一说了，因为只要你在现场听过，你就绝对忘不了这首曲子。

甚至如果你熟悉的某首歌被改编成了唢呐版，你很可能会忘记这首曲子原来的模样。比如前些天登上微博热搜的话题“唢呐版柯南主题曲”

人说：“死笙活笛没良心的唢呐”，意思是笙的演奏有时不灵活，笛子比较灵活，但唢呐就太疯了，声响常常压制其他的乐器。“乐器界的流氓”并非浪得虚名，唢呐确实是一大杀器。

在说活芯唢呐之前，我们先说说唢呐。

关于唢呐的起源，学界说法不一，主要有两种。

第一种说法，日本学者林谦三在《东亚乐器考》中认为唢呐发源于波斯、阿拉伯一带，随着回教的东流传入中国、印度等地。学界多沿用此说法。

第二种说法，以周菁葆1984年所撰《唢呐考》一文为代表，该文介绍了新疆拜城克孜尔石窟第38窟壁画中的唢呐，并提出唢呐起源于新疆。

唢呐的起源不能确定，但确定的是，全世界各地的唢呐构造大同小异——哨、芯子、杆、碗口。

而郭雅志对唢呐的改良就在芯子这个部分。

传统唢呐只能吹一个调，并且在种种方面已经显得落后。郭雅志一直在思考如何使唢呐适应现代需求，不能光吹民间小调啊。就像钢琴没有了黑键就只能弹C调了，太单调。 

在录制尹相杰和于文华的《纤夫的爱》时，郭雅志发现这唢呐吹不了降E调啊，他捣鼓了半天，最后临时动了动唢呐的芯子，把D调降到了降E调。

这次录制给了他启发，他发现自己可以在唢呐芯子上进行改良。于是他花了两个晚上把唢呐活芯的图纸画出来，并于1992年2月2日在北京通过了文化部教育科技司组织的技术鉴定。

唢呐活芯是一个可以自由伸缩的唢呐铜芯，用来辅助传统唢呐演奏半音及转调。有了活芯后的唢呐，是杀器中的杀器，只要演奏者技术水平足够，它便能够适应乐曲中密集的转调，还能在华彩乐段中施展神通，不会被传统唢呐的构造限制住。

江南笛王赵松庭称赞唢呐活芯“东西小、思路巧，改革很成功！”

唢呐大师胡海泉也说：“……既能保留传统的演奏风格又能吹奏十二平均律的乐曲，这就是他改革最成功之所在。”

而不仅仅是唢呐，郭雅志还对其他中国传统管乐器进行了改良，例如“多管葫芦丝”，大大延伸了葫芦丝的音域，并增加了复调和和声功能。

郭雅志在《天天向上》中吹奏多管葫芦丝

郭雅志可以说是为民乐事业真真正正地立了功。

 四。

 未 来 

电影《百鸟朝凤》剧照

该如何更好地适应现代的需求？

不仅是唢呐，整个中国民乐都面临这个问题。

问题不止于此。

民族文化在当今到底是一种文化的优越还是意识形态的胜利？还是两者兼有？二者的关系究竟如何？前者的优越是不是眼界狭隘所致？后者的胜利是不是一种精神胜利法？在“中国风”乘着古风的潮流再度袭击华语音乐界，到底怎么区分噱头和认真有想法的音乐融合？民族音乐的研究从来没有断过，但音乐教育始终处在幼儿期，这是不是一种畸形？

上述问题你可能嫌大了，那么下面是一些个具体的关切——

如果说郭雅志的音乐实践和乐器改良是唢呐走向世界走向现代化的滥觞，那么下一步怎么走？既然有了这么多唢呐和摇滚乐结合的案例，唢呐是否可以成为摇滚乐的编制？如果是的话，电声唢呐有无可能？

这些问题无解，因为一部分人瞧不上咱们这些下九流的东西，没心思解，一部分人巴不得看看热闹，一部分人不希望你找到解，因为群众的无知就是他们的饭碗。最后剩下一部分人，是一边做事一边摸索的，理想主义者——没错，在很多情境下，它的同义词是：朋克。

可喜的是，刘与操和郭雅志已经在研发电声唢呐了，这两位朋克，一老一小，又要联合起来搞事情了。

话聊到了这份儿上，你也看出我为什么佩服郭雅志了，他做过的、正在做的以及将要继续做下去的事情，是一个音乐家对音乐本身能做的至高贡献——丰富声音的可能性，并让民族音乐与时代发生化学反应。

他绝不是一位被圈养的音乐家，一门儿心思只知道给自己的老祖宗磕头上香，传宗接代，一问流行文化的事儿就傻眼，还觉着流行文化不入流。

有位老人家说过，“敢教日月换新天”，不少人觉得这话十分中二，我却以为很赤子，应当被纳入一个年轻人尤其是中国年轻人的自我教育之中。而郭雅志便是榜样之一。

本文转自公众号丨进化耳朵

受疫情影响的您，

是否心情焦虑、食欲不振呢？

整天呆在家的您，

是否需要一些事情来放松心情呢？

今天瑞鸣音乐为您推荐专辑《虞美人》

让琴歌里的山声水音直润心间

《虞美人》

To the tune of the BeautifulLady Yu

吟唱：哈辉

琴：赵晓霞

笛\箫：喻晓庆

鼓：王佳男 

 

倚寒竹，琴把旧家风景谱成昨梦前尘

念乡关，唱就悲欢合离魂萦浮雁沉鱼

歌声绵长 琴声回味

唱吟唐诗宋词文墨风流

即兴创作，灵感迸发

完全同期大棚录制

彰显中国古典气质

制作人叶云川携手四位古典音乐家

献上诗意感动

录音大师李大康功力非凡 亲力录制

让琴歌里的山声水音直润心间

瑞鸣音乐精心呈现

中国古典琴歌的清雅之作

专辑介绍

霜薄气清，朔风乍起。素笺应岁月之许，用笔尖的平仄为时光做注，在澄洁的宣纸上铺展千顷清秋。

琴音高爽，可以拂净尘垢，箫声澄澈，可以照烛幽微。瑶琴生作圣人之器，弦丝被周秦汉唐的辉煌镀亮，其音色存贮一川山河；洞箫以乐为词，箫身为文人墨客的精魂浸染，其声色建起人间风骨。琴箫瑟瑟，掠起八千里烟波；吟唱高蹈，钩沉岁月陈香。

琴音研墨，洞箫作笔，当清逸的吟唱如皓洁月色笼罩千里，淡淡脂粉也浸润了夜月清凉，遣明丽浮云携来花影入诗。琴歌写就的月诗云词之间，既有弓弦激烈，乐音跳荡，又有悠然缠绵，独抱幽静；既有对茫茫尘寰，芸芸众生的壮怀激烈，也有对花期如白驹过隙，繁华如柳絮飘零的哀愁。

《虞美人》回首为字，踏雪成章。失落江山故园的愁绪孵化夜色，不住东流的春水用情歌啄破拂晓。以《长相知》唱长相思，寂夜寒空替人垂泪，陇头流水替人呜咽。秋水苍茫后，正是《平沙落雁》时。撑一杆长蒿向苇花深处漫溯，半湖山影，半盏秋色。天外孤鸿三两声，令往事惊飞。忆往昔时节，有朋自远方来，彤云沉沉，花蕾初吐。转眼间荒野阡陌，疏星寥落。《忆王孙》，一唱三叹。古琴奏不尽十里长亭的漫漫之路，箫声里仍留存《连理枝》未落的花叶。那《苏幕遮》中故乡遥，何日去？的追问，随风万里入关外。尘沙漫天，羌笛幽咽。从马鞍上跌落的夕阳，如一朵饮醉的花，鲜红入骨。被命运摆布的过河之卒独伴烽火，一任《胡笳十八拍》苍悠凄楚的音调唱断离人肝肠。一簇飞蓬，一轮孤月，对照静寂的灵魂便成浮景。凭栏远眺，挥就一曲《登幽州台歌》，既是《送孟浩然之广陵》，也送历史的涛涌复归肃穆与宁静。北去南来已白头，逢人莫话旧时愁。不若唱诵《春夜喜雨》，听罢一曲《度梅岭》，烦恼化作菩提，幽思催开青莲，笛声早已带人心没入辽远空旷的清凉境地。

中国古典音乐演唱家哈辉轻启芳唇，吟唱中飞出庄周的梦蝶，流泻岁月清辉。古琴演奏者赵晓霞，从古道驿站寻来亘古绵长的情意绝唱，笛箫吹奏者喻晓庆与打击乐手王佳男在浩瀚诗词中俯拾如玉诗词。折一枝绝句中的柳条，撷一缕宋词里的云烟，瑞鸣音乐制作人叶云川携手四位古典音乐家，为您献上流涌的诗意感动，让琴歌里的山声水音直润心间。中国同期录音大师李大康亲力录制，将轻烟迷蒙，暮色寒鸦尽收耳边，留潺潺乐音绕庭徘徊。

江水横流，大地无边。箫声孤飞，清歌断肠。将朝代兴衰更迭写入琴丝，将露湿云袖吟作乐音。潇潇暮雨纷落，浸润世间儿女的缥缈之思；荷叶动如绿云，香染各尽其致的琴心唱魂。纵使灞桥伤别，天涯孤旅，也有一弦一咏照流年，与君一笑沉醉，留与花间住。

曲目介绍

1.  虞美人TheBeautiful Lady Yu

4:26

2.  送孟浩然之广陵Seeingoff Meng Haoran for Guangling at Yellow Crane Tower

2:46

3.  胡笳十八拍EighteenSongs of a Nomad Flute

7:38

4.  平沙落雁WildGeese Descending on the Sandbank

5:11

5.  苏慕遮Tothe Tune of ‘Sumu Veil’ (Basil Garden) 

2:20

6.  春夜喜雨 Delighting in Rain ona Spring Night

5:13

7.  登幽州台歌（琴即兴曲）Climbing to YouzhouTower

4:33

8.  忆王孙 The PrinceRecalled

5:32

9.  度梅岭RegardingPlum Mountain

3:05

10.连理枝（琴箫即兴曲）Two Branches of One Tree

5:00

11.长相知Everlasting Friendship

4:57

 

试听地址

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《Red River Valley》（红河谷）这是一首已流传了一个世纪的加拿大民歌，据说此歌的前身是美国纽约洲的美国歌曲《在明亮的莫霍克谷》，故人们以为是加拿大民歌。

完整听完这首歌，可以感受到歌曲的节奏稳健，旋律舒展，却富有动感。这些音乐元素形成了这首歌曲的朴实无华、感情真挚而深沉的风格。

《红河谷》旋律暗含着移居于北美红河一带人民，在这里垦荒种地、建设家园，终于将野牛出没的荒原变成人们安居乐业的地方。

从头到尾的旋律都充满了，对离别村庄的村民由衷的不舍与留恋，在刚过完年的时候听到这首歌，让人们的思乡情，更多了几分醇厚和香浓。就好比那句话说的一样：思念是月光杯里的酒，醉了九月行思坐忆天。

它还曾被引用在多部影视作品里：1941年被用作美国电影《红河谷》的片头曲，港剧《大时代》及其续集《世纪之战》用作插曲，由角周慧敏主唱。

 

同时，由著名导演冯小宁导的同名电影《红河谷》，以20世纪初的英国侵略西藏为背景，演绎了一段汉藏儿女生死相依的爱情故事。

壮阔绝美的自然美景和外敌侵藏的战争场面、悠远空灵的藏歌声和尖锐刺耳的枪炮声都形成鲜明对比，动人心魄、多年难忘。

故事讲述的是，一个差点被乡民供奉给雨神的女子雪儿达娃，被哥哥救下后在逃亡途中意外落入水中，随后漂到岸边被一名藏族奶奶救起，并与藏族奶奶和他的儿子格桑、孙子嘎嘎生活在一起。

后来，雪儿达娃和格桑救下了在雪山中遇险的英国人琼斯和罗克曼。琼斯留在西藏修养，并结识了藏族头人的女儿丹珠。

在这段时间的相处中，琼斯与丹珠、格桑和雪儿他们跨越了民族和肤色，培养出了深厚的感情。

可不久，伤养好后，琼斯就离开了。没想到他们以一种残酷的方式再次重逢了，为了各自的信仰和立场，曾经的朋友站在了对立的两边。

最令我印象深刻的是，影片的取景来自西藏各种美得令人神往的景色。峻峭的雪山、圣洁的湖泊、神秘的宗教、加上藏民淳朴的民风，让人不禁发出感慨，西藏就是一片人间净土。

这样淳朴干净的感觉，就像歌唱的那样：

人们说你就要离开村庄

我们将怀念你的微笑

你的眼睛比太阳更明亮

照耀在我们心上

 

走过来坐在我的身旁

不要离别得这样匆忙

要记住红河谷  你的故乡

还有那热爱你的姑娘

文字丨NightCaroline

图片丨网络

编辑丨Yvonne

数字音乐

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每个人都有一段独特的记忆，在记忆深处，总是让人那样的难忘，一首歌曲，一个人，甚至一件事，都是经典。
任贤齐的《伤心太平洋》已经过去20多年了，曾经大火的任贤齐也已经在我们的视野中慢慢消失。现在，偶尔听到这首歌曲，我都会有一瞬间的晃神，有种恍如隔世的感觉——好像十几年没见的老朋友，突然出现在你眼前，一点儿也没变，笑着说：“你还好吗？”

《伤心太平洋》的日语原曲名字是《幸せ》，原是中岛美雪为小林幸子所创作的一首歌曲，小林幸子于1997年8月发行了这首歌曲，但同年11月份，中岛美雪自己也翻唱了这首歌曲，并于11月7日发行了这首歌曲。 中岛美雪的演绎从容和恬然，伴随着明快的打击乐声，似乎要把人带入另一元空间。
后来这首歌被任贤齐翻唱为中文版的《伤心太平洋》，由陈没填词，中岛美雪谱曲，陈爱珍、周国仪编曲，收录于1998年8月28日发行的专辑《爱像太平洋》中，也称为他出演的《神雕侠侣》片头和片尾曲。
这首歌的中文版在被陈没填词时，也与原曲的感情基调一致，对爱情的追求和现实的伤感。记得中岛美雪在作词时，描绘了一幅令人心酸的场景：
“我在下雪的车站，不知为何要下车，你没有来，没有追过来。”
中岛美雪的歌，总是在用一个故事去说另一个故事。

任贤齐那时候真的太红了，红透半边天。在轻狂不知愁滋味的年纪，每个眷村少年都向往着做大哥，像小说里描述的那样有情有义，为了朋友两肋插刀，头破血流也在所不惜——这，成了《伤心太平洋》故事的灵感来源。
多年后再看其中的MV，仿佛看到的是两个高喊着要混社会的小弟身影，而当年这一身墨镜花格子衬衫长发飘飘的装扮，就曾被周围不学无术的年轻人们滥用过。如果没有走出去，多少人会误以为这就是整个世界？MV里的那些场景，在港台很多传递黑帮势力的电影里大同小异，记得上一次看到还是在几个月的一个深夜偶尔看到的老电影《龙虎情》里。
有句话在现在看来是非常合适的解读，“或许正是因为大胆妄为，才有了《伤心太平洋》的经久传唱。”

我想这首歌，在给我们讲一个这样的故事：某天一位失恋的年轻人，来到一座热带孤岛。海风清新爽朗，海滩色彩斑斓，夜色朦胧。往事在心头涌起，喝着啤酒吹着海风，自怨自艾，酒喝完了，心却没有温度。
听着海浪的声音，难以入睡，只能等到天亮的时候，再离开。天刚亮，船来了，泪水留在了孤岛。
靠岸的时候，船票还是完整的，只是比过去旧了一点点。
一个岛锁住了一个人，因为爱一个人没有得到她，把伤心埋葬在了孤岛。任贤齐总唱男人，唱他们的苦情痴情，也唱他们的孩子气。1998年的《伤心太平洋》曲风悠远，意境凄凉，仿佛深处孤岛。“往前一步是黄昏，退后一步是人生。向前走无可奈何，向后走心有不甘，也许这就是情义与人生。”一生一世，如梦初醒，只剩下太平洋底深深伤心。 一波还未平息一波又来侵袭茫茫人海狂风暴雨一波还来不及一波早就过去一生一世如梦初醒深深太平洋底深深伤心……

文字丨NightCaroline

图片丨网络

编辑丨Yvonne

失真是输入信号与输出信号在幅度比例关系、相位关系及波形形状产生变化的现象。音频功放的失真分为电失真和声失真两大类。电失真是由电路引起的，声失真是由还音器件扬声器引起的。电失真的类型有：谐波失真、互调失真、瞬态失真。声失真主要是交流接口失真。按性质分，有非线性失真和线性失真。

线性失真是指信号频率分量间幅度和相位关系的变化，仅出现波形的幅度及相位失真，这种失真的特点是不产生新的频率分量。而非线性失真是指信号波形发生了畸变，并产生了新的频率分量的失真。音频功放所产生的失真要点如下：

一、谐波失真
这种失真是由电路中的非线性元件引起的，信号通过这些元件后，产生了新的频率分量（谐波），这些新的频率分量对原信号形成干扰，这种失真的特点是输入信号的波形与输出信号波形形状不一致，即波形发生了畸变。

降低谐波失真的办法主要有：

1、施加适量的负反馈。2、选用特征频率高、噪声系数小和线性好的放大器件。3、提高电源的功率储备，改善电源的滤波性能。

二、互调失真

两种或多种不同频率的信号通过放大器或扬声器后产生差拍与构成新的频率分量，这种失真通常都是由电路中的有源器件（如晶体管、电子管）产生的。失真的大小与输出功率有关，由于新产生的这些频率分量与原信号没有相似性，因此较少的互调失真也很容易被人耳觉察到。

减少互调失真的方法：

1、采用电子分频方式，限制放大电路或扬声器的工作带宽，从而减少差拍的产生。2、选用线性好的管子或电路结构。

三、瞬态失真

瞬态失真是现代声学的一个重要指标，它反映了功放电路对瞬态跃变信号的保持跟踪能力，故又称瞬态反应。这种失真使音乐缺少层次或透明度，有两种表现形式：

A、瞬态互调失真

在输入脉冲性瞬态信号时，因电路中的电容使输出端不能立即得到应有的输出电压，而使负反馈电路不能得到及时的响应，放大器在这一瞬间处于开环状态，使输出瞬间过载而产生削波，这一削波失真称为瞬态互调失真，这种失真在石机上表现较为严重。

瞬态互调失真是功放的一个动态指标，主要由功放内部的深度负反馈引起的。是影响石机音质、导致"晶体管声"和"金属声"的罪魁祸首。降低这种失真的方法主要有：

1、选择好的器件和调整工作点，尽量提高放大器的开环增益和开环频响。2、加强各放大级自身的负反馈，取消大环路负反馈。

B、转换速率过低引起的失真

以上所述，高电平的输入脉冲使放大器产生削波而造成瞬态互调失真。那么低电平的输入脉冲是否会引起失真呢？这就看放大器的响应时间了，由于放大器的响应时间太长使放大器输出信号的变化跟不上输入信号的迅速变化而引起的瞬态失真，称为转换速率过低失真。它反映了放大器对信号的反应速度，这项失真小的放大器，其重放的音质解析力、层次感及定位感都很好。

四、交流接口失真

交流接口失真是由扬声器的反电动势（扬声器发音振动时，切割磁力线所产生的电势）反馈到电路而引起的。

改善方法有：1、减少电路的输出阻抗。2、选择合适的扬声器，使阻尼系数更趋合理。3、减少电源内阻。

本文转自公众号丨中国音响网

我们每个人都有自己心目中的老师，这是一个陪伴我们一生的特殊角色。从幼儿园到小学，从初中到高中，再从大学到研究生，以及你凭自己的兴趣主动归于门下成为他的私塾弟子的老师。还有工作以后，带领你从职场小白到技术娴熟的“工作老师”，当然也有更多曾经帮助过自己教导过自己的人，他们都可谓是你的老师。
在古典音乐界也有这样一群为了音乐教育事业奉献的人，他们是优秀的音乐家，同时也是那些伟大艺术家们成长道路上重要的领路人。正所谓名师出高徒，这个教师节，我们就来聊聊那些古典音乐家的师徒情谊。

海顿 & 莫扎特

 Franz Joseph Haydn & Wolfgang Amadeus Mozart

如果说莫扎特有老师的话，最值得做他老师的人一定是海顿，他们之间的关系亦师亦友，彼此从对方身上都学到很多东西。莫扎特在谱写弦乐四重奏的时候，就承认从“弦乐四重奏之父”海顿那里学到很多。
1782年到1785年，莫扎特完成了六首从第十四首至第十九首弦乐四重奏，他把这六首四重奏题献给他从孩提时代就热诚仰慕的海顿。他对海顿说：“这是我对您的报答，因为正是您给我揭示了写作弦乐四重奏的艺术。”作为师长的海顿特别谦逊地说：“从莫扎特的每一部作品中，我都学到了一些东西。”后来他对莫扎特的父亲说“在上帝和尘世面前，你的儿子不论是他的人还是他的名，都是我知道的最伟大的作曲家。”降B大调第十七首弦乐四重奏有一个和海顿的一首弦乐四重奏相同的标题“狩猎”，虽然标题的内容主要是体现在第一乐章里，但是这个第四乐章“非常快的快板”反映的正是收获的喜悦。

从海顿和莫扎特这种特殊的师生关系上，我们可以去想象理想的师生是什么样子，音乐给我们提供了想象的空间。

安东尼奥·萨利耶里

 Antonio Salieri 

说到古典音乐领域的师生情，就不能不提到旅居维也纳的意大利作曲家安东尼奥·萨利耶里。
他不仅是当时奥地利皇室的宫廷乐长，几乎与莫扎特齐名，还当过贝多芬、舒伯特、李斯特的老师，可见萨利耶里在当时的维也纳乐坛地位有多么重要！其实，他的实力与在音乐史上的价值也不可低估。他谱写了许多歌剧都堪称18世纪晚期歌剧发展史上特别重要的里程碑。
另外，他可以写三种语言的歌剧，可以说是相当“国际化”的作曲家。我们有很多人知道萨利耶里这个人，主要是在奥斯卡获奖电影《莫扎特传》中，这部电影的主人公就是萨利耶里，他被虚构成出于嫉妒而给莫扎特下毒的坏人，尽管现在已经证明纯属无稽之谈。

不过，历史记载的萨利耶里和莫扎特的关系确实不够好，主要是萨利耶里一直霸着宫廷乐长的职位，使得莫扎特在维也纳一直没有上升的空间。关于二人的关系，确实存在着富有戏剧性的传说，它们往往被文学虚构成了更生动的故事，比如俄罗斯大诗人普希金就写过戏剧《莫扎特与萨利耶里》，作曲家里姆斯基-科萨柯夫还把它谱写成了歌剧。不管怎么说，萨利耶里也是一位称职的老师，舒伯特就是他晚年培养的一个杰作。

今天借“教师节”这个机会，让我们来一睹这位被遗忘或者说被忽视的“老师”的杰作。
虽然萨利耶里以创作歌剧著称，他的器乐作品也同样精湛，比如《C大调长笛和双簧管协奏曲》到处洋溢着清新明快的气息，一旦听过便不可忘掉，无论是作为长笛协奏曲还是双簧管协奏曲，它都有资格入围“史上十大最优美”之列。当两件不同木管乐器与乐队进行双重竞奏的时候，长笛高冷，双簧管柔和，这两个音色互补的乐器，却是道出了生动的故事性和趣味性。

贝多芬 & 卡尔·车尔尼

 Ludwig van Beethoven & Carl Czerny

接下来我们为学习钢琴的学生们推荐一位史上最有名的钢琴老师的作品，这位钢琴老师恐怕所有学习钢琴的人都绕不过去，他就是连钢琴琴童都十分熟悉的人物——卡尔·车尔尼。

不管学琴的人是不是喜爱弹琴，你都要跟随着车尔尼老师写的练习曲一步一步地弹下来，而且就是在这种“枯燥乏味”中，你的弹琴技艺不知不觉便有了长进。当车尔尼还是贝多芬学生的时候，也是很刻苦的，据说能够背谱演奏贝多芬的全部钢琴作品，所以他是贝多芬最引以为傲的学生。后来车尔尼成为李斯特的老师，李斯特便成了贝多芬的传人。车尔尼除了创作那些令琴童“恐惧”的练习曲之外，作为贝多芬的学生，他还谱写有安魂曲、交响曲、奏鸣曲以及一些室内乐作品。
今天欣赏一下他的交响曲，《C小调第一交响曲》第二乐章，缓慢的行板，在音乐慢慢的行进中，似乎蕴藏着一种将要爆发的力量，就仿佛我们听到了车尔尼的老师——贝多芬的音乐一样。

舒曼 & 勃拉姆斯

Robert Schumann & Johannes Brahms 

音乐史上著名的师生情还有勃拉姆斯和舒曼。勃拉姆斯是通过匈牙利小提琴家约瑟夫·约阿希姆的引荐，去杜塞尔多夫拜访了舒曼和克拉拉夫妇之后而确立了师徒关系。在舒曼的鼓励和帮助下，本来就才华横溢的勃拉姆斯可以大展身手，迅速成长为欧洲乐坛的领袖级人物。从这里我们也可以看到，找对师父混好圈子是有多么重要！舒曼作为浪漫主义时期的代表人物之一，作品凸显着一种自由和美好，他的《阿拉伯风格舞》是一首如诗般的作品。他认为要做艺术家，首先应该是一位诗人，这首作品表现的愉悦情感和自然状态就体现了舒曼的这个音乐理念，奠定了他独树一帜的音乐风格。  

里姆斯基-科萨柯夫

 Rimsky-Korsakov 

俄罗斯音乐界也有一位桃李满天下的老师，他就是谱写《舍赫拉查达》又叫《一千零一夜》的里姆斯基-科萨柯夫。

在里姆斯基-科萨柯夫担任圣彼得堡音乐学院作曲教授的时候，他的爱徒既有亚历山大·格拉祖诺夫这样的学院派大师，也有另辟蹊径的意大利印象派作曲家雷斯庇基，以及更具有革命性和创新性的斯特拉文斯基和普罗科菲耶夫等。里姆斯基-科萨柯夫是特别无私的人，他不仅对学生毫无保留地倾囊相授，对朋友也是做到仁至义尽，他几乎是用毕生心血先后为已故的“强力集团”战友穆索尔斯基和鲍罗丁续写完成他们最重要的歌剧作品。

▼ 强力五人团

《舍赫拉查德》是里姆斯基-科萨柯夫最著名的管弦乐作品，内容取材于阿拉伯民间故事集《一千零一夜》，全曲由四个乐章组成，浓郁的东方情调，仿佛用音乐讲述着发生在东方故事。第三乐章“年轻的王子和公主”是其中最具抒情性的乐章，音乐忽而温柔细腻，忽而激情炽热，在优美典雅的旋律中，仿佛看到王子和公主正在翩翩起舞的画面。
有如此杰出的老师，他的学生当然也差不了，下面我们就来欣赏一首里姆斯基-科萨柯夫的异国学生、意大利作曲家雷斯庇基的一首作品“春天”，选自《波提切利的三幅画》第一首。
相信很多人都知道，意大利文艺复兴时期画家波提切利有三幅画最著名，“春天”、“三博士来拜”和“维纳斯的诞生”，雷斯庇基正是用音乐描述了这三幅画的内容。熟悉“春天”的朋友可以对着这幅画来听音乐，画中有穿着带翅膀靴子的墨丘利，他正在驱散乌云；美丽、青春、幸福三女神身着薄如蝉翼的纱裙，沐浴着阳光，正携手翩翩起舞；维纳斯居于中央，她的另一侧是花神芙洛拉、森林女神克罗莉丝和西风之神赛弗尤洛斯。在罗马神话中，西风之神因为控制不住自己对森林女神克罗莉丝的欲望而强暴了她，森林女神克罗莉丝于是就变成了花神芙洛拉。维纳斯上方飞翔的小爱神，已经蒙住双眼即将射出他的爱情金箭。
▼ 意大利作曲家 雷斯庇基

听着如此内容丰满的音乐，是不是有一种青出于蓝而胜于蓝的感觉？无论是老师还是学生的作品，都是向一代又一代言传身教的大师做一次榜样式的音乐致敬，因为他们创作的这些经典音乐不仅一直陪伴着我们，同时也是我们深入学习音乐的动力。
在一年一度的教师节里，希望借音乐向这世间每一位教导过我们的老师们致以最真挚的问候，祝老师们节日快乐！

有朋友吐槽说，听别人介绍音箱喇叭的材质时感觉自己像傻子似的，一脸懵逼。记得刚刚接触音响时，我也是云里雾里的，觉得很有必要科普一下喇叭的小知识。

在喇叭一百多年的发展历史里，材质选择、工艺流传以及结构形式等方面一直都在改变不同的材质和质素造就不同的声音特性，也有各自的优势和不足。目前，市面上流行的扬声器振膜材质有纸盆、塑胶、金属以及合成纤维四种。

01 纸盆振膜

纸盆振膜出现的时间最早，也是最常见的扬声器振膜材质，目前已经拥有非常成熟的技术水准。生产过程大致如下，将纸浆倒入设计好的模具中，干燥后再进行一系列的后续加工。具体的材料成分、比例、加工方式，每个品牌各有不同，属于它们的商业机密。

这种振膜的声音特性平滑自然，少有个性鲜明的刺激部分，符合大多数人的口味。纸盆振膜由于内部纤维的相互交织，可以很快吸收掉传输过程中的声音能量，因此阻尼特性比较理想。另外，纸盆还具有质量轻、能量转化效率较高等优点。缺点就是纸盆对温度和湿度比较敏感，受环境的影响明显，承受过数次极端环境变化后可能产生不可复原的形变。不过，随着技术的进步，纸盆的防水性能会越来越好。

02 塑胶振膜

又叫PP音盆，一般由聚丙烯材料制成，也是常见的振膜材质，它的防潮防水效果胜出纸盆振膜许多，不过也会受到轻微影响。PP音盆同样具有出色的阻尼特性，听感柔顺自然，只是刚性相对一般，表现高频容易产生失真。

由于是合唱材料，PP音盆便于后期改良，比如在现有基础上，可以通过添加其他材料克服某种不足来达到比较理想的状态。

03 金属振膜
金属振膜一般由铝或者其合金材质制成，在声音方面的特点鲜明，在动态和分析力方面表现出众，能够很好地控制失真。只是金属振膜的阻尼特性相对偏弱，表现高频容易产生“金属声”（即高频端产生的盆分裂现象），但可以通过在振膜表面涂抹特别涂料来进行提升。另外，金属振膜对电路方面有更多的设计要求，无形中会增加成本。

04 合成纤维振膜

合成纤维振膜的材质是从航空军用材料移植过来，质量轻盈，拥有很高的强度和刚性，具有其他各种材质振膜的特性，就是制造成本偏高，一般见于高级扬声器中。合成纤维振膜的阻尼特性仍需加强，可以通过目前夹层或涂膜等方式处理实现。

除了以上四种振膜，另外还有石墨纤维、玻璃纤维、碳纤维、电木等材质的喇叭振膜，但是应用不多，很少见于市场。

实际上，不同喇叭的声音特质，对振膜材质又有不同的要求，高音单元和低音单元的振膜材料是不一样的。

高音单元分硬球顶，软球顶和复合膜球顶三大类。

硬球顶：以铝合金、钛合金等轻金属为材料，用超薄合金铂成型，表面经化学处理而成，音色明亮透切，具有高解析力。

软球顶：采用丝绢软膜，音色细腻柔和，表现力强。

复合膜球顶：采用几种材料的振膜复合而成，例如采用“丝娟+铝膜”的复合膜。这种高音喇叭既有硬球顶明亮的音质与解析力，又有丝娟软球顶的自然流畅，层次分明的听感。

目前，常见的高音单元材质主要有钛膜、丝膜、pv膜等，多媒体音箱多采用pv膜和丝膜。普遍认为，后者的高音表现要优于前者。

制造低音单元的材质主要有纸盆、陶瓷盆、防弹布、羊毛盆、聚丙烯等。

纸盆：具有刚柔相济、高内阻尼、易于与别的材料混合等优点，音色自然厚实、低音丰满，但是防潮性差，制造时很难控制一致性。因成本低，被大量使用在300元一下的多媒体音箱上。

陶瓷盆：对人声和古典乐的表现很细腻，中低音方面瞬态很好，丰满有力，动态性能好，低音出色，定位准确。适合于表现汹涌澎湃的电影音源的感染力和震撼力。

防弹布盆(编织盆)：有较宽的频响与较低的失真，可以承受更大的功率，可以产生温暖、自然的中频和深沉、凌厉的低频，瞬态好，播放大动态音乐效果极好，你是那些有爆炸场面、激烈角斗等游戏重度玩家的首选，可以表现出那种纸盆或其他一般材料的音箱无法媲美的磅礴气势。缺点是制造工艺复杂，成本高，播放轻音乐时表现不佳。

羊毛纤维盆：在纸浆中渗入羊毛纤维制作而成，质地稍软，对柔和音乐的表现很好，人声淳厚自然，听悠扬的音乐比如交响乐时，给人身临其境的感觉。但是低音表现欠佳，不适合摇滚乐和进行曲。

PP盆：一致性好、失真低，各方面表现都很出色，适用范围广，但价格较高，主要用于高档音箱。

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本文转自公众号丨中国音响网